Frankies Filmecke

Red Sands

2011-03-11T03:13:00.000+01:00

Sie leiden unter Unruhe am Abend? Ihnen fällt es schwer, in den Schlaf zu finden? Dr. Frankie hat für Sie die Ideallösung - in Form von Zelluloid. Schon eine homöopathische Dosis von Alex Turners Red Sands reicht und die Schwelle zum Reich der Träume wird überschritten. Zu Risiken und Nebenwirkungen fragen sie Ihren Arzt oder Videothekar. Anhand der humoristischen Einleitung lässt sich sicherlich erkennen, dass man es hier mit einem Film der Marke Schlaftablette zu tun hat, was vor allem daran liegt, dass keine Spannung spürbar ist, die die wenig abwechslungsreiche Story ansehnlich macht. Erzählt wird die Geschichte einer Army-Einheit in Afghanistan, die bei einer Patrouille eine Heiligenstatue zerstören und wenig später in einem verlassenen Gebäude Stellung beziehen. Schon bald taucht eine Fremde aus der Wüste auf, der Zuschlupf gewährt wird. Ab diesem Moment geschehen mysteriöse Dinge. Das Fahrzeug wird manipuliert und die Soldaten leiden mehr und mehr unter Wahnvorstellungen. Es scheint so, als haben sich die Geister gegen sie verschworen...
Es hätte definitiv mehr draus werden können, eventuell ein klaustrophobischer Grusler, der diesen "geschlossenen Raum" Wüste verwendet, um Suspense zu gewinnen aber irgendwie hat man schnell das Gefühl, es mit Altbekanntem zu tun zu haben. Das beginnt bei der klischeehaften Zusammenstellung des Trupps: von zurückgebliebenen White Trash-Stereotypen bis zum schwarzen, harten Platoonführer trifft man hier auf gewohnte Rollen, die dann auch von unbekannten, weniger talentierten Schauspielern ausgefüllt werden, sodass man ziemlich schnell das Interesse an den Figuren verliert. Dank der Texttafeln zu Beginn, weiß der Zuschauer auch recht schnell, wie der Hase läuft und wer diese mysteriöse Frau sein könnte und so fällt auch der Überraschungs- oder Rätselmoment über Bord. Von hypothetischen Konstrukten in Form von Parabeln auf den Schrecken des Krieges möchte ich auch Abstand nehmen, da das in dieser Gestalt einfach zu billig ist. Aber immerhin nett, dass man J.K. Simmons für gut 5 Minuten Screentime gewinnen konnte. Ich rate von Red Sands ab, auch wenn große Genrefans vielleicht doch etwas mehr Gefallen am Film finden könnten: 02/10.

Podcast #21 - True Grit & Unknown Identity

2011-03-09T02:55:00.000+01:00

Inzwischen ist die 21. Ausgabe des Filmabend.info-Podcasts online und omaha und ich haben uns wieder viel zu sagen.
So analysieren (lästern) wir nicht nur (über) die Oscarverleihung, sondern reden auch über folgende Filme:

Unknown Identity
True Grit (2010)

Auch ein paar "neue" Trailer werden kurz besprochen:

Captain America
Super 8
Apollo 18
X-Men: First Class
Thor

Wer Lust bekommen hat, unseren Ausführungen zu lauschen, der findet den Podcast natürlich HIER.

Starship Troopers 3: Marauder

2011-03-09T02:39:00.000+01:00

Schon Thin Lizzy sang "The Bugs Are Back in Town" und so sieht der Zuschauer der dritten Runde im ewigen Kampf Bugs vs. Menschen ins Auge und auch Casper Van Dien wurde für diese Schlacht exhumiert und darf nach einer erfolgsversprechenden Karriere im C-Movie-Bereich nun wieder in einem B-Picture mitspielen. Die Story von Starship Troopers 3: Marauder ist schnell erklärt: Johnny Rico (Casper Van Dien) ist auf dem Außenplaneten Roku San stationiert und hält die Killerkäfer in Schach, als der "heilige" Skymarshal Omar Anoke auf Truppenbesuch ist.Begleitet wird dieser von General Dix Hauser, einem alten Kumpel von Johnny, der aber als Paragraphenreiter gleich die Freundschaft wieder in den Sand setzt und Johnny in den Knast schicken will, weil der bei einer Kneipenschlägerei dem General vor einer Dummheit bewahrt hat. Zum Glück greifen zu diesem Zeitpunkt die Käfer an, vernichten den Vorposten aber immerhin können die Gallionsfiguren alle fliehen. Schuld bekommt Rico, der kurzerhand zum Tode verurteilt wird. Als bei der Evakuierung jedoch der Sternenkreuzer mit Omar Anoke getroffen wird und dieser mit einigen weiteren Soldaten auf einem Bugplaneten notlanden muss, wird Rico begnadigt und mit ein paar anderen Kameraden auf eine Rettungsmission geschickt.
Stilistisch und inszenatorisch biedert man sich an Verhoevens Original an und so wird die Geschichte immer wieder von den obligatorischen Propaganda-filmchen unterbrochen, die den Zuschauer immer freundlich fragen, ob man denn nicht mehr wissen möchte. Kernerlement der Satire im dritten Teil soll der übersteigerte "Führerkult" und Religiösität im Allgemeinen sein und auch wenn man sich hier durchaus Gedanken gemacht hat, wirken vor allem diese Szenen einfach komplett überzeichnet - im negativen Sinne. Richtig bissige Szenen, wie man sie noch aus dem ersten Troopers in Erinnerung hat, sind hier nicht vorzufinden aber immerhin kann man Starship Troopers 3: Marauder ins Zeugnis schreiben, er habe sich stets bemüht. Wenn es inhaltlich schon nicht klappt, kann man ja noch immer auf ein paar Schauwerte setzen und hier bietet das Werk solide Genrekost. Ein paar Körperteile fliegen, rollen oder wabern durchs Bild und an Action mangelt es auch nicht. Abstriche muss man an der CGI machen, die teilweise wirklich arg billig ausschaut aber so manch Connaisseur schätzt ja eine gewisse Trashnote und dieses Verlangen wird hier gestillt. Löblich ist auch, dass man hier im Sinne der Gleichberechtigung weiterhin Männlein und Weiblein im Kampfeseinsatz zeigt und, wie auch schon im Original, huscht man auch mal nackig durchs Bild und da zahlt es sich aus, dass, von der männlichen Warte aus, besonders die Damen allesamt sehr attraktiv sind. Inhaltlich ist der Film eine Gurke, die Schauwerte schwanken auch stark und doch ist das Ganze irgendwie noch ein wenig unterhaltsam und man kommt am Ende zu der Erkenntnis, dass es noch viel, viel miesere Filme gibt: 4,5/10.

The Legend of Blood Castle (Ceremonia sangrienta)

2011-03-06T04:24:00.002+01:00

Den meisten Lesern dürfte Jorge Grau, wenn überhaupt, aufgrund seines Das Leichenhaus der lebenden Toten ein Begriff sein. Viele seiner Filme scheinen es sowieso nie nach Deutschland geschafft zu haben und The Legend of Blood Castle bzw. Ceremonia sangrienta, wie der Originaltitel lautet, ist einer davon. Das ist durchaus schade, muss sich dieser Film doch nicht vor anderen Genrevertretern verstecken. Erzählt wird die Geschichte der "Blutfürstin" Erzsébet Báthory, im Film verkörpert durch Lucia Bosé.Eingebettet ist das Ganze natürlich auch in die passende Epoche, als der Aberglaube noch ganz groß geschrieben wurde, die Landbevölkerung noch an Vampire und ähnliche Fabelwesen glaubte. Erzsébet ist indes nur von ihrem Aussehen und dem Wahn ewiger Jugend besessen. Kein Mittel scheint den Alterungsprozess jedoch unterbrechen zu können. Erst als sich eine ihrer Zofen verletzt und ein wenig Blut auf Erzsébets Haut tropft, scheint des Rätsels Lösung gefunden. Zusammen mit ihrer engsten Vertrauten Nodriza plant sie nun, wie sie an das Blut junger Mädchen gelangen kann und ihr Wahn wird mit der Zeit immger größer. Bald bindet sie auch ihren Mann, den Baron Karl Ziemmer, ein, der seinerseits ein gestörtes Verhältnis zu Gewalt hat und dieser schafft ihr immer neue Opfer an. Vorher wurde jedoch sein Tod vorgetäuscht und man inszeniert die Taten von nun an so, als hätte ein Vampir zugeschlagen, doch bald gibt es nicht nur unter der ländlichen Bevölkerung Zweifel...
Freunde des klassischen, gothischen Horrorfilms werden bei The Legend of Blood Castle sicherlich mit den Ohren schlackern, schafft es der Film doch spielerisch, eine authentische Atmosphäre zu schaffen, die gleichsam schön wie morbide ist. Leider, leider kränkelt der Film vor allem an seiner Story und der Inszenierung der Geschichte, die erst viel zu spät an Fahrt gewinnt. So wird dem Zuschauer minutenlang ein Vampirprozess präsentiert, der aufgrund seiner Irrationalität zwar durchaus Schauwert hat, die Spannung aber immer wieder unterbricht. Auch wirkt so manch Szenenablauf konfus, was entweder am englischen Dub liegen kann oder dann doch an Drehbuchschwächen. Speziell die Gewinnung Karls für Erzsébets Taten ist nur schwerlich nachvollziehbar. Bei der restlichen Inszenierung ist der Film übrigens recht zahm. Einzig in der internationalen Schnittfassung gibt es nackte Haut zu sehen, was manchmal fast wie aufgesetzt wirkt. Interessierte werden übrigens vor eine schwierige Wahl gestellt. Weder die spanische DVD (spanische Schnittfassung mit Alternativszenen und ohne engl. Ton) noch die amerikanische DVD (gekürzte spanische Schnittfassung) können wirklich überzeugen. Genrefans und Eurokultanhänger sollten aber trotzdem mal einen Blick riskieren, der Film lohnt nämlich über weite Strecken: 06/10.

Note 7 - Die Jungen der Gewalt

2011-03-05T04:44:00.000+01:00

Aufgrund der stetigen Emanzipierung der Jugend in den 60er Jahren, manifestierten sich vor allem in konservativen Kreisen diffuse Ängste vor vagabundierenden und kriminellen Heranwachsenden. Ein Thema, das natürlich auch von verschiedenen Filmemachern dieser Epoche aufgegriffen wurde und so vermengt Fernado Di Leo diese Empfindungen und verknüpft sie mit dem aufkommenden Exploitationkino in Italien.
Das Endergebnis lässt sich in seinem Note 7 - Die Jungen der Gewalt bestaunen, der in Deutschland nie in die Kinos kam, sondern direkt auf Video veröffentlicht wurde. Die Geschichte handelt von einer Gruppe Jungs, die als Schwererziehbare gelten und ein Förderprogramm besuchen. Dort vergewaltigen und ermorden sie wie im Rausch die Lehrerin und Kommissar Lamberti (Pier Paolo Capponi) wird damit beauftragt, die Ermittlungen zu leiten. Als harter Hund packt er die Jugendlichen nicht gerade mit Samthandschuhen an während der Verhöre und erntet so Kritik von seinen Vorgesetzten und der Sozialarbeiterin Livia (Nieves Navarro). Mit seinen üblichen Methoden hat er jedoch keinen wirklichen Erfolg. Er ist sich aufgrund der Aussagen jedoch sicher, eine Dritte Person muss involviert sein und so ändert Lamberti die Taktik, pickt sich einen der Jungen heraus, nimmt ihn bei sich vorübergehend auf, um so das Vertrauen zu gewinnen und die ganze Wahrheit zu erfahren. Auch wenn es am Ende anders kommt, kann Lamberti den Fall aufklären.

Note 7 - Die Jungen der Gewalt ist ein durchaus vielschichtiger Film. Suggeriert das dt. Videocover noch, man könne es hier mit einem Bandenfilm im Stile von The Warriors (1979) zu tun haben, so entpuppt sich der Film als reinrassiger Kriminalfilm, der, abgesehen von der Eröffnungssequenz und dem Finale, keine exploitativen Szenen bietet, stellenweise mehr an ein Kammerspiel erinnert.Dabei erweist sich der Film stellenweise als zu zäh erzählt. Auch wenn der Plot durchaus genügend Subtext bietet, um über Einiges zu diskutieren, ist er vor allem recht zäh erzählt und Lambertis Verhörszenen wirken redundant. Nichtsdestotrotz gelingt es Di Leo über weite Strecken gut, den Zeitgeist einzufangen und das Milieu zu porträtieren. Die Auflösung wirkt indes mehr als abstrus und darf durchaus als lächerlich bezeichnet werden, wobei man mangelnde Kreativität sicherlich nicht vorwerfen kann. Eingefleischte Italophile dürfte das dann aber auch nicht aus den Socken hauen, stolpert man doch über einige Kuriositäten aus dem Land der Pizza und Pasta und von dort muss man sich Note 7 - Die Jungen der Gewalt auch importieren, möchte man ihn auf DVD sehen, die von Raro Video veröffentlicht wurde: 06/10.

School of Rock

2011-02-14T10:00:00.001+01:00

Außenseiter sind ein fester Bestandteil der Filmwelt. Oftmals sind es naive Träumer, die zwar äußerst sympathisch sind, denen aber auch die Überlebensfähigkeit in der heutigen Gesellschaft fehlt.Ein solcher Zeitgenosse ist jedenfalls Dewey Finn (Jack Black) in Richard Linklaters School of Rock. Während sein bester Freund Ned den Traum einer Musikerkarriere längst aufgegeben hat und seine Brötchen als Lehrer verdient, hofft Dewey noch immer auf seinen großen Durchbruch. Aus der letzten Band ausgestossen, ohne Job und mit einem großen Schuldenberg, greift er zu drastischen Mitteln, als seinem Kumpel Ned eine Stelle als Aushilfslehrer angeboten wird. Dewey gibt sich als Ned aus und nimmt den Posten an einer Privatschule an. Eigentlich will er seine Zeit dort nur absitzen und das Geld kassieren, bis er mitbekommt, dass seine Viertklässler musikalisch talentiert sind. Er entschließt sich, mit den Kids beim "Battle of the Bands" anzutreten und ruft kurzerhand das Projekt "Rockband" auf den Stundenplan und weckt bei seinen Schülern ungeahnte Lebensgeister. Trotzdem bewegt sich Dewey auf dünnem Eis, kann seine Tarnung doch jederzeit auffliegen...School of Rock ist Richard Linklaters erfolgreichster Film, in kommerzieller Hinsicht, und sicherlich auch seine bis dato größte Anbiederung an das Mainstream- publikum. Nichtsdestotrotz spürt man seine Handschrift, zumal ihm das Sujet nicht gänzlich unbekannt ist, lassen sich doch Parallelen zu z.B. Dazed and Confused zeichnen. Darüber hinaus merkt man auch, wie liebevoll und augenzwinkernd mit dem Thema umgegangen wurde und speziell Rockfans dürften aufgrund der Thematik, der Musik, den Clips und Anspielungen restlos begeistert sein und so schafft es School of Rock auch, den Dewey Finn in jedem von uns anzusprechen und sind wir doch einmal ehrlich, die Welt wäre ohne solche romantisch naiven Gestalten irgendwie langweiliger und da passt es auch wie die Faust aufs Auge, dass Jack Black die Hauptrolle spielen darf, der für solche Auftritte prädestiniert zu sein scheint. Natürlich ist die Story an sich nicht das Gelbe vom Ei, der Ablauf vorhersehbar, weil man ihn aus ähnlichen Filmen kennt: kurz vor dem Ende kommt ein entscheidender Rückschlag, alles droht zu scheitern aber man rappelt sich doch wieder zusammen, aber dies ist im Grunde Nebensache, da der Film einfach ein leicht verdaulicher Spaß ist, den man unbeschwert genießen kann und auch darauf kommt es manchmal an: 07/10.

Topkapi

2011-02-10T02:23:00.000+01:00

Jules Dassins Vita allein würde ausreichen, um daraus einen spannenden Film zu machen. Ende der 40er Jahre kreierte er für 20th Century Fox einige der besten Film Noirs, um wenig später Opfer des McCarthyismus zu werden. Mit einem Arbeitsverbot belegt, verließ er die USA und siedelte sich in Europa an. Mit Rififi sollte ihm 1955 sein bekanntester Film gelingen und auch in den 60er Jahren gehörte er zu den gefeierten Regisseuren Europas. Speziell die Produktionen mit seiner Ehefrau Melina Mercouri und ihr politisches Engagement für die Demokratisierung Griechenlands bleiben im Gedächtnis. 1964 kehrte Dassin insofern zu seinen europäischen Filmwurzeln zurück, als dass er mit Topkapi noch einmal einen Heist-Film ablieferte, der zugleich auch als selbstironische Persiflage auf seinen großen Erfolg zu verstehen ist.

Elizabeth Lipp (Melina Mercouri) hat es auf edle Schmuckstücke abgesehen. Speziell an einem mit wertvollen Edelsteinen besetzten Dolch hat sie Gefallen gefunden. Dieser befindet sich im Topkapi-Palast in Istanbul. Zusammen mit Walter Harper (Maximilian Schell), einem Meisterdieb, schmiedet sie einen Plan, um an das Objekt der Begierde zu gelangen. Man einigt sich darauf, Amateure zu engagieren, da diese bei der Polizei noch nicht aktenkundig sind und man so keine Spuren hinterlasse. Alles verläuft wie am Schnürchen, bis sie in Griechenland den selbsternannten Archäologen Arthur Simpson (Peter Ustinov) damit beauftragen, einen Wagen nach Istanbul zu überführen, der mit versteckten Waffen ausgestattet ist. Der türkische Zoll findet diese jedoch an der Grenze und verdächtigt den etwas trotteligen Simpson nun des Terrorismus, da sie der Überzeugung sind, dass die Waffen für ein Attentat bestimmt sind. Um an die Hintermänner zu gelangen, wird Simpson kurzerhand zu einem türkischen Agenten ernannt und auf Lipp und Harper angesetzt. Durch einen Trick kann Simpson sein Verbleiben bei Lipp und Harper erklären und schon bald erweist sich Simpson als unersetzlich, da ein Mitglied der Diebesbande verletzt ausscheiden wird und nur Simpson seinen Platz einnehmen kann…

Auch mehr als 45 Jahre nach seinem Erscheinen, ist es leicht verständlich, was Topkapi auszeichnet(e). Vor der faszinierenden Kulisse Istanbuls spielend, verfolgt der Zuschauer das Treiben jener bunten Truppe. Passend zum Wetter und der Entstehungszeit strahlt der Film eine herzliche und gelöste Atmosphäre aus. Letzteres liegt vor allem an den teils skurrilen Charakteren, denen man begegnet. Da gibt es den exzentrischen, britischen Tüftler, der in einem Spielzeugladen zu wohnen scheint und nicht zuletzt ist es Ustinovs tollpatschiger Simpson, der sich in die Herzen des Publikums spielt. Nichtsdestotrotz merkt man dem Film aber auch an, dass er nicht ganz so gut gealtert ist. Primär die Eröffnungssequenz ist deutlich als Kind der Zeit zu erkennen, wirkt aber gleichzeitig wie ein deplatziertes Gimmick und auch die allgemeine Formel des Heist-Films ist hier recht schleppend erzählt, so dass die Spannungskurve während der zwei Stunden einige Beulen bekommt, was stellenweise auch daran liegt, dass Szenen zu sehr gedehnt werden, wie z.B. jene während des Ringkampfturniers. Andererseits wird die Spannung beim finalen Einbruch dann wieder merklich angezogen und Reminiszenzen zu Rififi werden geweckt. Erneut stellt Dassin sein ganzes inszenatorisches Können unter Beweis und nicht umsonst wird jener Einbruch auch in Brian De Palmas Mission: Impossible (1996) zitiert. So entschädigt das Finale für einige zähe Passagen.

Dass diese ebenfalls nicht so sehr ins Gewicht fallen liegt auch an den Schauspielern, die den Zuschauer auch in jenen Momenten unterhalten können. Speziell Peter Ustinov sticht hervor, dessen Darbietung des Arthur Simpson genau richtig betont ist, um diesen liebenswerten Lebenskünstler glaubhaft wirken zu lassen, der hier in etwas verwickelt ist, was viel größer als er selbst ist und zwischen den Stühlen des türkischen Geheimdienstes und der Diebesbande sitzt. Seine zweite Oscarauszeichnung war insofern die richtige Konsequenz. In einer tollen Nebenrolle brilliert auch Akim Tamiroff, der einen dauerbetrunkenen Koch spielt, der Lipp und ihre Bande für russische Spione hält und unbedingt einen Orden bekommen möchte. Besonders im Vergleich zu Ustinov fallen Schell und Mercouri zurück. Ersterer schafft es nicht wirklich, sich als Mastermind zu präsentieren und brilliert eher mit seinem guten Aussehen und Melina Mercouri möge es mir verzeihen, wo immer sie jetzt auch sein mag, dürfte die Rolle der blonden Verführerin und Juwelenliebhaberin primär ihrer Ehe mit Dassin zu verdanken haben. Talent ist ihr sicherlich nicht abzusprechen aber die Rolle der Elizabeth Lipp, so wie sie vom Drehbuch angelegt ist, ist für sie suboptimal.

Auch wenn der Film ein wenig von seinem früheren Charme verloren hat, kann Topkapi noch immer gut unterhalten und gehört zum Standardrepertoire des Heist-Films: 7,5/10.

Angst über der Stadt

2011-02-09T04:33:00.000+01:00

Er gehört zu den archetypen des französischen Actionkinos: Jean-Paul Belmondo. Ruppig, grobschlächtig und mit einem losen Mundwerk trat er nach seiner Nouvelle Vague-Zeit auf und wurde dafür von seinen Fans geliebt. So auch in Henri Verneuils Angst über der Stadt (1975), der von Vielen zu seinen besten Werken aus dieser Zeit gezählt wird. Minos, ein geheimnisvoller Killer hat es auf alleinstehende Frauen abgesehen, die seiner Meinung nach, nicht sittsam genug leben. Letellier (Belmondo) wird mit dem Fall betraut, obwohl er gerade damit beschäftigt ist, eine Rechnung aus seiner Vergangenheit zu begleichen und den Bankräuber Marcucci zu fassen. Richtig ernst nimmt er Minos und den Fall zu Beginn nicht. Erst als er Marcucci fassen konnte und es immer mehr Morde durch Minos gab, bläst er zur Jagd auf den Irren und geht in seiner bekannt direkten Art vor. Über weite Strecken ist die Geschichte zwiegespalten, wenn Belmondos Letellier beiden Gaunern nachstellt und das ist auch eines der großen Probleme von Angst über der Stadt. An die zwei Stunden geht der Film und schafft es dabei leider nicht, ein gleichbleibendes Niveau zu halten. Der eigentliche Hauptplot rund um Minos verkommt zu Beginn zu einer Nebensächlichkeit und man versäumt es dadurch, schon früh Spannung aufzubauen. Der Zuschauer wird immer wieder zwischen Minos und Marcucci hin- und hergerissen. Das mag zwar auch Letelliers Gemütszustand beschreiben, ist für den Film an sich aber etwas hinderlich. Sowieso ist es Letelliers Ego und Belmondos Präsenz, die hier allgegenwärtig zu sein scheinen und den Antagonisten wenig Raum zur Entfaltung lassen. Das ist insofern noch immer unterhaltsam, als dass Belmondo die Geschichte so tragen kann aber man merkt auch, dass hier etwas Größeres möglich gewesen wäre. Als problematisch erachte ich auch offensichtliche Logikschwächen des Drehbuchs, die mich sonst weniger belasten, aber es ist schon sehr naiv, wenn Letellier Minos minutenlang in relativer naher Entfernung über die Dächer verfolgt, ihn in der folgenden Szene aber nicht erkennt, obwohl dieser nahezu identische Kleidung trägt. Ähnliche Ecken und Kanten lassen sich im Skript durchgängig finden und trüben so den Spaß auch ein wenig. Tadellos ist dagegen die technische Inszenierung und hier kann der Film mit großartig umgesetzten Actionszenen aufwarten, die auch noch 35 Jahre später zum Mitfiebern einladen. Kombiniert man dies mit dem einzigartigen Charme der 70er Jahre, so bekommt man auch heute noch ein sehr passables Sehvergnügen serviert, welches durch das Drehbuch leider etwas getrübt wird: 6,5/10.

Podcast #20

2011-01-24T00:03:00.001+01:00

Die neuste Episode des Filmabend.info-Podcasts ist online und diesmal widmen wir uns dem aktuellen Kinotrailer zu Battle: Los Angeles und den Casting-News zu The Dark Knight Rises.

Darüber hinaus werden besprochen:

und dazu kann man interessante Wortkreationen von mir hören, wie z.B. invasieren oder fazitär. Zum Glück hat Konrad Duden das nicht mehr mitbekommen.

Wie immer findet Ihr den Podcast: Hier.

The Green Hornet - Review

2011-01-23T00:35:00.000+01:00

Für filmabend.info habe ich eine Kritik zu Michel Gondrys The Green Hornet verfasst.
Interessierte finden meine Zeilen: Hier.

In den nächsten Tagen, wahrscheinlich am Montag, geht auch der nächste Podcast online, wo u.a. Black Swan und The Green Hornet besprochen werden.

Zombies (2006)

2011-01-10T23:16:00.000+01:00

Im finsteren Wald schleichen sie umher, die Zombiekinder aus des bösen Kapitalisten Mine, die laut Story in Pennsylvania lag; während aber scheinbar kostengünstig in osteuropäischen Forsten gedreht wurde, die bei einem Grubenunglück ums Leben kamen und von nun an als Untote durch die Fauna streifen - auf der Suche nach Fleisch, Rache und anderen Gelüsten. In dieses Idyll platzt die Familie Tunney, die aus Mutter Karen, Teenietochter Sarah und der kleinen Emma besteht. Nach dem Tod des Ehemanns und Vaters wollen sie also nun in das von ihm vererbte Häuschen ziehen, was sich als möbelierter Bombentrichter entpuppt - sowieso erscheint die komplette Story des Wegziehens an den Haaren herbeigezogen und im Laufe des Films widerspricht sich die Geschichte auch selbst. Wie dem auch sei, wird die Familie bald von mysteriösen Träumen heimgesucht, irgendjemand schmiert Blut an die Haustüre und die jüngste Tochter scheint eine immaginäre Spielgefährtin gefunden zu haben, die sich später als liebenswertes Zombiemädel entpuppt. Dazu gibt es einen kauzigen Waldschrat, paar doofe Dorfteenies und den bösen Erben des ehemaligen Minenbesitzers und fertig ist die Mixtur, aus der Zombies besteht. Mit dem Plot gewinnt man jedenfalls keinen Blumentopf, denn, wenn man sich nicht gerade an Genreklischees labt, ist das Gezeigte auch reichlich uninteressant und zäh. Lange passiert nicht viel und da die Charaktere auch nur Standardware sind, hofft man also recht bald, endlich mal die titelgebenden Untoten zu Gesicht zu bekommen aber auch hier muss man sich fast bis zum Ende gedulden, wenn sich die Kids dann einem Blutrausch hingeben, wobei die dargebotene Auflösung auch reichlich wacklig ist. Punkten kann der Film einzig durch sein Setting, welches als durchaus atmosphärisch beschrieben werden kann. Die alte Holzhütte der Tunneys lädt zum Gruseln ein, der neblige Wald sieht auch nicht so ansprechend aus wie das örtliche Naherholungsgebiet und durchzogen wir das Ganze von einem seichten Suspenseschleier. Das ändert aber nichts daran, dass die Defizite wesentlich größer sind und ich von dem Film nur abraten kann, wenngleich Genrefans durchaus Gefallen finden könnten: 03/10.

Blutige Seide

2011-01-03T03:21:00.000+01:00

Neben Dario Argento und Lucio Fulci ist Mario Bava sicherlich der bekannteste Regisseur aus dem Bereich des phantastischen italienischen Films. Und auch wenn er sich, beginnend bei Sandalenfilmen und endend mit Poliziotteschis, mit schlafwandlerischer Sicherheit in diversen Genres bewegte, so stechen doch vor allem seine Beiträge zum Horror- und Thriller-Genre besonders hervor. Mit dem 1964 gedrehten Blutige Seide schuf er darüber hinaus auch einen der ersten und prägendsten Vertreter des Giallo-Kinos, jener italienischen Krimispielart, die in den folgenden Jahren ihren Beliebtheitszenit erreichte und noch heute von vielen Fans geschätzt wird. Im Vergleich zu späteren Regisseuren ist Bava bei der Zurschaustellung von Sex und Gewalt geradezu zurückhaltend und auch der Plot ist, glücklicherweise, noch nicht zu überfrachtet mit Twists und anderen erzählerischen Gadgets. Geschildert wird eine Kriminalgeschichte der alten Schule. Ein maskierter Täter bringt reihenweise Models und Mitarbeiterinnen einer Modemanufaktur um und die Polizei tappt zu Beginn noch im Dunklen, welch Motiv hinter jenen Delikten stehen könnte. Schnell trifft man auf mehrere Verdächtige im Umfeld der Täter und auch der Chef der Manufaktur, Max (Cameron Mitchell), wird verhört. Da der Mörder aus dem Umfeld der Manufaktur stammen muss, werden kurzerhand alle männlichen Mitarbeiter vorübergehend inhaftiert, doch die Morde gehen weiter. Ziel scheint ein Tagebuch eines des Models zu sein und die Geheimnisse, die dort festgehalten wurden.
Blutige Seide erweist sich als ein klassischer Vertreter des Whodunit-Krimis und nimmt den Zuschauer mit auf ein atmosphärisches und spannendes Ratespiel, wer der Mörder hinter der Maske ist. Interessant am Film ist vor allem Bavas Inszenierung. Wie auch in seinen weiteren Werken merkt man, dass er ein Faible für Farben, Bilder und Perspektiven hat und dementsprechend experimentiert er in seinen Filmen immer wieder mit jenen Komponenten. Bezeichnend für jene künstlerische Kreativität sind sicherlich Szenen aus Blutige Seide, die durch ein spiegelndes Objekt gefilmt wurden oder man auf den Einsatz von starker Hintergrundbeleuchtung setzt, was in Kombination mit dem Setting im Garten der Manufaktur überaus atmosphärische Bilder erzeugt. Interessant ist auch der Kontrast zwischen der bunten Welt der 60er, während der Modenshow, und dem sonstigen Produktionsdesign, welches stark an Bavas gothische Horrorwerke erinnert und den Film so anachronistisch, stellenweise surreal, wirken lässt. Mit diesen Kniffen schafft es Bava, der soliden aber auch nicht überragenden Story, wesentlich mehr Kraft zu verleihen und Suspense zu erzeugen. So verzeiht man Blutige Seide auch das durchaus schwache und durchschaubare Ende: 08/10.

Hunting Party - Wenn der Jäger zum Gejagten wird

2010-12-27T04:04:00.000+01:00

Die kuriosesten Geschichten schreibt noch immer das Leben und wenn diese dann noch immer nicht ganz ausreichen, kommt die Filmemacher daher und legen noch eine Schippe nach. So auch Richard Shephard, dessen Hunting Party auf dem Esquire-Artikel What I Did on My Summer Vacation basiert. Im Film wird die Geschichte von zwei Kriegsberichterstattern erzählt. Simon (Richard Gere) und sein Kameramann Duck (Terrence Howard) waren das beste Team, bis Simon bei einem Live-Bericht zum Bürgerkrieg in Jugoslawien die Beherrschung verliert und als Konsequenz seinen Job verliert. Duck wird indes befördert und bekommt einen ruhigen Studiojob. Ihre Wege kreuzen sich fünf Jahre später in Bosnien, als Duck für eine Berichterstattung dorthin fliegen muss. Beim Wiedersehen erzählt Simon ihm von seiner Idee, den gesuchten Kriegsverbrecher Boghdanovic zu interviewen, da er durch Kontakte dessen Aufenthaltsort wisse. Vom Jagdfieber gepackt und vom gemütlichen Bürojob gelangweilt, willigt Duck ein und zusammen mit dem Sohn des Senderchefs, Benjamin (Jesse Eisenberg), machen sie sich auf die Suche. Dass Simon indes ganz andere Pläne verfolgt, die NATO scheinbar gar kein Interesse an der Ergreifung Boghdanovics hat und die drei Journalisten für ein Todeskommando des CIA gehalten werden, das wissen Duck und Benjamin beim Aufbrechen noch gar nicht.
Hunting Party, das ist ein schwarzhumoriges Roadmovie durch die vom Bürgerkrieg geprägte Balkanregion, welches am Ende an seiner Unausgewogenheit ein wenig scheitert. Das Grundgerüst der Geschichte basiert ja, wie schon erwähnt, auf einer wahren Begebenheit. Fünf Journalisten haben sich, geboren in einer bierseligen Runde, auf die Suche nach Radovan Karadžić gemacht und kamen ihm näher, als alle öffentlichen Stellen zuvor. Dies im Hinterkopf habend, erscheinen so einige Szenen im Film noch wesentlich bissiger und skurriler und diese machen auch den Reiz aus, wenn die Drei auf Fahndungsplakate der US-Regierung stoßen, auf denen eine Telefonnummer aufgedruckt ist, die nur innerhalb der USA funktioniert, sie auf NATO-Offiziere stoßen, die entweder vollkommendes Desinteresse haben oder sie für ein "Hit-Team" des CIA halten und Kontakte herstellen, die zum Erfolg führen könnten. Diese ganzen Begebenheiten stechen hervor und bereiten auf der einen Seite natürlich großen Spaß, hinterlassen bisweilen aber auch ein Kopfschütteln angesichts der Geschehnisse. Abgesehen von den leichten Modifikationen der ursprünglichen Story, wartet der Film dann mit einem anderen Ende auf, es wird aber erwähnt, dass dies erfunden ist, und einigen anderen filmspezifischen Änderungen. Speziell die eingebaute Liebesgeschichte rund um Simon, die seine Motivation erklären soll, wirkt deplatziert und aufgesetzt, während man mit dem Ende durchaus leben kann und es auch noch Stoff für Diskussionen bietet. Problematisch sind in Hunting Party jedoch Szenen, wo von absurder Komik zur Kriegsrealität umgeschnitten wird. Jene Wechsel wirken wenig ausbalanciert, stören auch teilweise den Rhythmus des ansonsten leichtfüßig inszenierten Films und können dazu führen, dass die Bindung zum Publikum verloren wird. Auch kann man anführen, dass das höchst komplexe Thema Jugoslawienkrieg nicht dezidiert erörtert wird aber diesen Selbstanspruch hat der Film auch nicht. So bleibt ein überwiegend gutes Bild zurück, was auch an Richard Gere und Terrence Howard liegt, die hier unbeschwert aufspielen können, inklusive dem zu diesem Zeitpunkt (2007) noch relativ unbekannten Jesse Eisenberg. Passend für einen Filmabend mit The Lord of War: 6,5/10.

Videocracy

2010-12-18T02:23:00.000+01:00

Als Außenstehender mag man über die Verhältnisse in der italienischen Politik oftmals nur mit dem Kopf schütteln, wenngleich es schon erstaunlich ist, wie ein Mensch der Marke Silvio Berlusconi, dessen Auftritte in der Öffentlichkeit zumindest nie langweilig sind, seit Jahren, wenn auch nicht durchgehend, Ministerpräsident Italiens sein kann.Erik Gandinis Videocracy liefert in der Hinsicht auch keine klaren Antworten, versucht aber, die Rolle des Fernsehens innerhalb dieses Systems zu beleuchten - natürlich aufgrund der Tatsache, dass Berlusconi nicht nur Ministerpräsident ist, sondern auch ein Medienmogul. Wer jetzt hofft, Gandini würde im Stile eines Michael Moore polemisch und fragwürdig abrechnen wollen, der dürfte von jenem Dokumentarfilm enttäuscht werden. Gandinis Herangehensweise ist vielleicht ein wenig unkonventionell. So greift der Erzähler nur selten ein, da Gandini die Bilder und Szenen für sich sprechen lassen will. Auf der einen Seite wird der Zuschauer so natürlich angeregt, sich seine eigenen Gedanken zu machen, andererseits wirken viele Szenen wirrkürlich und der Zusammenhang mag nicht immer klar werden. Auch werden die vermeintlich interessanten Aspekte, speziell die Person Berlusconi und seine politischen Entscheidungen betreffend, nur kurz angerissen. Auch wenn die Intention klar zu sein scheint, wünscht man sich hier etwas Augenmerk. Auf der anderen Seite scheint es Gandini zu geniessen, die Oberflächlichkeit des italienischen Fernsehens zu dokumentieren und die zwielichtigen Gestalten, die im Fahrwasser der Unterhaltungsshows als Selbstdarsteller und Strippenzieher zu Reichtum und zweifelhafter Berühmheit kamen. So schließt sich dann auch der Kreis zum Führer, wie Berlusconi von einem der einflussreichsten TV-Produzenten genannt wird und doch hat man das Gefühl, dass Videocracy so viel mehr hätte sein können, als man letztendlich serviert bekommt: 06/10.

DVD-News: Koch Media, Sony MOD und Warner MOD

2010-12-07T16:37:00.000+01:00

Beginnen wir mit dem Ausblick erst einmal in heimischen Gefilden. Genauer gesagt bei Koch Media. Die Münchner-Truppe gehört zur Speerspitze der dt. Labelzunft wenn es darum geht, Katalogtitel artgerecht an Mann und Frau zu bringen.

Letzte Woche sind zum Beispiel zwei weitere Titel im Rahmen der Film Noir-Reihe erschienen, wenngleich man hier natürlich meckern könnte, dass es eigentlich gar keine Noirs seien. Nichtsdestotrotz ist speziell die Veröffentlichung von Fritz Langs You and Me (Du und Ich) (1938) ein wahres Highlight, feiert der Film damit doch sein weltweites(?) DVD-Debut. Flankiert wird er von Lewis Milestones The General Died at Dawn (Der General starb im Morgengrauen) (1936).

Im Januar kommen dann wieder Westernfreunde zum Zuge, denn dann wird die Edition Westernlegenden fortgesetzt. Je ein Klassiker von Fox und Universal feiern Deutschlandpremiere auf DVD. Delmer Daves The Last Wagon (Der letzte Wagen) (1956) und Cecil B. DeMilles Union Pacific (1939) mit der bezaubernden Barbara Stanwyck. Im Handel ab dem 28.01.2011.

Wechselt man nun auf die andere Seite des Atlantiks, so gibt es einen neuen Schwung Made on Demand-Discs von Sony - erhältlich u.a. bei DeepDiscount:

The Deadly Affair (1966) - Sidney Lumet <-> es gibt eine deutsche DVD von Sony
Everything's Ducky (1961) - Don Taylor
Idol on Parade (1959) - John Gilling
Ladies in Retirement (1941) - Charles Vidor
Mark of the Gorilla (1950) - William Berke
Screaming Mimi (1958) - Gerd Oswald
The Wrong Box (1966) - Bryan Forbes <-> es gibt eine britische DVD von Sony

Bei Warner gab es indes in dieser Woche keine großen Neuigkeiten an der MOD-Front. Fast alle Neuerscheinungen stammen aus dem Bereich TV bzw. sind neueren Datums.
Einzig der Western Fort Dobbs (1958) von Gordon Douglas als Remastered Edition ist zu verbuchen.

Wen die Geister lieben...

2010-12-05T00:43:00.000+01:00

... sicherlich nicht die deutschen Titeltexter, auch wenn sie hier zumindest nicht komplett daneben geschossen haben. Warum man aber in einer Zeit, wo Anglizismen den Sprachgebrauch sowieso schon prägen, nicht bei Ghost Town geblieben ist, kann ich nicht nachvollziehen. Wie dem auch sei, habe ich mich hier in das weite Feld der RomComs gewagt und es auch genossen, was speziell an Ricky Gervais liegt, der hier die Hauptrolle spielen darf. Als Dr. Bertram Pincus, seines Zeichens Zahnarzt, Misanthrop und Hobbyzyniker, tritt er dem Publikum entgegen und erinnert ein wenig an Nicholsons Melvin Udall aus As Good as It Gets, denn auch Pincus hat es am liebsten ruhig und einsam. Insofern übt er auch den passenden Beruf aus, kann er doch seine nervigen Patienten ganz einfach ruhigstellen, indem er diesen allerlei Zahnarztzübehor in den Mund stopft. Pincus Leben gerät jedoch aus den Fugen, als er bei einer Darmsondenuntersuchung für kurze Zeit einen Herzstillstand erleidet. Seitdem kann er tote Menschen sehen und New York wimmelt nur von diesen Zeitgenossen, die, als sie realisieren, dass Pincus sie sieht, diesen auch gleich belagern, damit er ihnen bei nicht erledigten Aufgaben hilft. Unter diesen Toten befindet sich auch der Lebemann Frank (Greg Kinnear), der Pincus dazu überreden kann, seine Ex-Frau Gwen (Téa Leoni) und ihren neuen Verlobten auseinanderzubringen, da letzterer ein fieser Betrüger sei. Dass dem nicht so ist, findet Pincus auch recht bald heraus, doch die Gegenwart von Gwen weckt auch vergessen geglaubte Gefühle.
Nüchtern gesehen, bietet Ghost Town sicherlich kaum revolutionäre Ansätze für das Genre, bewegt sich aber in dessen Grenzen äußerst gekonnt und bedient sich, wie oben ja kurz erwähnt, bei allerlei erfolgreichen Mitstreitern. Der Zuschauer bekommt so einen höchst unterhaltsamen Film vorgesetzt, wobei es speziell Ricky Gervais zu verdanken ist, dass (zumindest) ich einige Male herzhaft lachen konnte. Für die Rolle des Dr. Pincus scheint er wie geboren und in Verbindung mit seinem britischen Akzent, nimmt man ihm die Rolle des misanthropischen Zeitgenossen ohne mit der Wimper zu zucken ab. Auch wenn seine Dialoge nicht ganz so rau sind wie z.B. in seinem Stand-up-Programm, so gibt es doch auch hier einige Zoten, unter anderem bei der Mumienbeschau mit Téa Leonis Gwen. Diese steht sonst aber im Schatten der männlichen Darsteller, auch wenn ihr Charakter als akademisch-tollpatschig angelegt ist, besteht ihre Aufgabe meistens trotzdem darin, eine gute Figur zu machen. Ganz unterhaltsam ist dafür Greg Kinnear als untreuer, toter Ex-Mann, dessen Ableben in der Eröffnungssequenz schon herrlich makaber ist, und der sich im Verlauf des Films mit Gervais einige Scharmützel liefern darf. Auch wenn der Film dann ohne große Überraschungen zu Ende geht, hat man nicht den Eindruck, seine Zeit hier fehlinvestiert zu haben und für einen vergnüglichen Filmabend (zu Zweit) ist der Ghost Town definitiv geeignet. Wer sowieso ein Freund von Ricky Gervais ist, der kommt an diesem Werk eh nicht vorbei: 7/10

Satan der Rache

2010-11-27T23:10:00.000+01:00

Antonio Margheriti, einer jener italienischen Hasardeure, die während ihrer Karriere jedes Genre beackert haben und daher eine bunte Filmographie aufweisen können. Ins Westerngenre hat es Margheriti jedoch nur wenige Male gezogen, wobei da die deutsch-italienische Koproduktion Satan der Rache sein bekanntester und bester Beitrag ist. Wie so oft bedient man sich auch hier dem beliebten Rachemotiv, reichert es aber durch biblische Allegorien an und versucht, die Bildsprache des Horrorfilms ins Westerngenre einfließen zu lassen. Über weite Strecken ergibt das auch eine durchaus unterhaltsame Mischung, denn speziell Klaus Kinski läuft hier als eiskalter Rächer zur Hochform auf, wenn er als Guy Hamilton, der 10 Jahre unschuldig in einem Arbeitslager einsitzen durfte, seinen ehemaligen Freund Acombar (Peter Carsten) und dessen Bande einen nach dem anderen ins Jenseits befördert. Leider und das bricht auch so einigen anderen Genrevertretern den Hals, besteht ein allgemeines Problem beim Aufbau des Films. Nach einer Exposition und dem Servieren der wichtigsten Hintergrund- informationen, setzt im Grunde schon das Finale ein, wenn Hamilton beginnt, mit dem Tornado im Rücken - tolle Idee übrigens - in das Dorf zu reiten und Acombars Mannen umzulegen. Dabei zieht sich dieser Akt durchaus in die Länge, wirkt stellenweise redundant und irgendwie kommt doch der Wunsch auf, einen Mittelteil gehabt zu hätten, der ein wenig Abwechslung in die Sache gebracht hätte. So scheitert Satan der Rache am Ende an seiner eigenen Beschränktheit, macht als Spaghettiwestern aber noch immer genügend Spaß und gehört für Fans sowieso als Standardrepertoire in die Sammlung: 7,5/10.

Das Schweigen des Meeres

2010-11-24T19:21:00.000+01:00

Auf den ersten Blick mag Jean-Pierre Melvilles Le Silence de la Mer ein wenig atypisch wirken, wurde Melville doch vor allem aufgrund seiner Gangsterfilme wie zum Beispiel Le Samouraï (1967) oder Le Cercle Rouge (1970) bekannt. Doch auch das Thema Résistance ist in seinen Filmen präsent, vor allem in L’Armée des Ombres und eben jenem Film, um den es in diesem Text geht. Dabei ist Le Silence de la Mer nicht nur aufgrund seines Inhalts von großem Interesse, es ist auch die Entstehungsgeschichte und die Bedeutung für das Filmland Frankreich als Solches, die diesem Film einen Platz in den Annalen eingebracht hat.

Unabhängig und gegen den Willen der Filmgewerkschaften gedreht, ebnet Melville so auch den Weg für die Nouvelle Vague, wenngleich er Ende der 40er Jahre erst einmal genug Probleme damit hatte, den Film überhaupt machen zu können bzw. zu dürfen. Die Geschichte basiert nämlich auf einem Roman des Schriftstellers Vercors, der zur Zeit der Okkupation Frankreichs im Untergrund veröffentlicht wurde. Melville, selbst Mitglied der Résistance, hatte große Schwierigkeiten, Vercors‘ Einverständnis zu bekommen. So schlug Melville vor, den fertigen Film einer Gruppe ehemaliger Résistancemitglieder, darunter auch Vercors, zu zeigen und diese sollen dann entscheiden, ob der Film werkgetreu ist und aufgeführt werden kann. Es wurde für den Film votiert.

Die Geschichte selbst spielt in einem kleinen französischen Dorf im Jahr 1941. Nach dem Einmarsch der Deutschen Wehrmacht werden diverse Wohnhäuser requiriert, damit diese als Offiziersunterkünfte dienen können. Eines jener Häuser wird von einem Onkel (Jean-Marie Robain) und seiner Nichte (Nicole Stéphane) bewohnt. Als unbeliebter Untermieter zieht der deutsche Offizier Werner von Ebrennac (Howard Vernon) ein. Jeden Abend, erst zögerlich, später dann aber wie selbstverständlich, gesellt sich von Ebrennac zu den beiden Hausbewohnern vor dem Kamin, um in ausführlichen Monologen, seine Weltsicht darzulegen und seine Liebe zu Frankreich zu gestehen. Als Zeichen des Widerstands wechseln der Onkel und die Nicht kein Wort mit von Ebrennac und hören schweigend zu. Die Szenerie ändert sich jedoch, als von Ebrennac Urlaub in Paris macht und sich dort mit alten Kameraden trifft, die seine frankophile Ader nicht nur nicht teilen, sondern auch davon sprechen, wie alles Französische nach dem Endsieg vernichtet werden soll. Um nicht selbst Teil dieser Maschinerie zu werden, meldet sich von Ebrennac nach seiner Rückkehr in das Haus des Onkels freiwillig zur kämpfenden Truppe.
Stille, das ist das zentrale Thema der Geschichte, und so betritt Melville bei der Adaption des Stoffes auch Neuland, indem er einen Großteil der vom Onkel gesprochenen Dialoge als Gedanken aus dem Off sprechen lässt. So gibt es während des Films immer wieder Szenen, in denen das Schweigen zwischen dem Onkel und der Nichte auf der einen, und von Ebrennac auf der anderen Seite die Spannung in den Höhepunkt treibt. Untermalt werden diese Momente meist durch das schonungslose Ticken der Wanduhr. So ist es vor allem das Spiel mit dem Schweigen und den Hintergrundgeräuschen, das der Szenerie einen unverkennbaren Charakter gibt und die Distanz zwischen den Charakteren verdeutlicht. Und doch merkt man im Verlauf, dass sich der Onkel und der Offizier gar nicht so unsympathisch finden, ertappt sich der Onkel immer wieder dabei, wie er die Monologe von Ebrennacs genießt. Es ist im Grunde schon interessant, welch differenziertes Bild hier von von Ebrennac gezeichnet wird. Man zeigt einen rationalen deutschen Offizier und das vor dem Schrecken des Zweiten Weltkriegs, der auch im Film omnipräsent ist und an verschiedenen Stellen erwähnt und angedeutet wird – speziell beim Besuch in Paris. Auch die (passive) Rolle der französischen Bevölkerung bietet Raum für Interpretationen.

Schwenkt man wieder auf die filmische Ebene zurück, so kommt man nicht umher, die Kameraarbeit Henri Decaës zu loben, dessen Ausleuchtung der Szenen fürwahr meisterlich ist. So treiben die gezeigten Bilder den Film allein voran, ohne dass man viele Worte verlieren muss. Oft sind es kleine Gesten, Bewegungen, die viel über den Zustand der Charaktere preisgeben, wenn z.B. die Nichte beim Stricken ist und es eine Großaufnahme ihrer Hände gibt. Trotzdem ist es am Ende ein Wort, welches den emotionalen Höhepunkt des Films beschreibt. Ein sanftes „Adieu“, als von Ebrennac die Beiden verlässt und sie genau wissen, welch Schicksal den Offizier ereilen wird.

Die Größe Le Silence de la Mer in Worten auszudrücken, ist nahezu unmöglich, da man ihn gesehen haben muss, um seine Bedeutung für das französische Nachkriegskino zu verstehen und der Film unterstreicht darüber hinaus, mit welch einem Talent Melville gesegnet war, um so früh in seiner Karriere solch ein Werk abliefern zu können: 09/10.

Flawless - Ein tadelloses Verbrechen

2010-11-22T00:04:00.002+01:00

Flawless gehört zu jener Gruppe Filme, die trotz namhafter Darsteller, in diesem Fall Demi Moore und Michael Caine, keine Kinoauswertung spendiert bekommen, sondern ihr Dasein als DVD-Premiere fristen. Im Falle von diesem Film ist dies durchaus ungerecht, haben wir es doch mit einem sympathischen Kriminalfilm zu tun, dessen größter Makel die moralingetränkte Rahmen- geschichte ist. Erzählt wird die Geschichte von Laura Quinn (Demi Moore), Abteilungsleiterin der London Diamond Corp. während der 60er Jahre. Als einzige Frau in einer von Männern dominierten Geschäftswelt hat sie es trotz ihrer fachlichen Qualitäten nicht leicht und wird bei Beförderungen stets übergangen. Tapfer ergibt sie sich ihrem Schicksal, bis sie von Mr. Hobbs (Michael Caine), einem der Hausmeister, darüber informiert wird, dass ihre Entlassung bevorsteht. Hobbs, nun auch kein reiner Philanthrop, möchte Laura für einen wagemutigen Coup gewinnen: ein Einbruch bei ihrem (Noch)Arbeitgeber. Nachdem Quinn überzeugt wurde, man zusammen die nötigen Vorbereitungen traf, steigt der Coup auch wie geplant. Erst am nächsten Morgen erfährt Laura, dass Hobbs nicht mit offenen Karten gespielt hat und sie nur Mittel zum Zweck war.
An dieser Stelle muss ich einfach einwerfen, dass es eine Freude ist, Michael Caine bei der Arbeit zu beobachten. Auch wenn Demi Moore hier die Hauptrolle spielt, ist es Caine, der ihr die Show stiehlt und dem sympathisch wirkenden Hobbs so weitere Facetten gibt. So ist es dann auch durchaus der oben angedeutete Twist, der Flawless - Ein tadelloses Verbrechen ein wenig aufwertet, ist doch die Grundstory nicht sonderlich revolutionär und bedient sich dem Grundschema der Heist/Caperfilme. Solide aber nicht spektakulär ist deshalb das Urteil, wenngleich mir das Ende einige Bauchschmerzen bereitet. Zu viel Gutmenschentum und Altruismus lassen mich eher zweifeln, sodass die komplette Rahmenhandlung inkl. Epilog einen faden Beigeschmack hinterlassen, der dem Film an sich nicht viel schadet, ihn aber doch ein wenig abwertet: 06/10.

DVD-News: The Prowler, America America und mehr

2010-11-19T00:52:00.000+01:00

Lange ist's her, dass es an dieser Stelle DVD-News gab aber es schadet sicherlich nicht, diese kleine Rubrik wiederzubeleben. Der Fokus liegt weiterhin bei "alten Schinken", wobei ich zukünftig versuchen werde, auch stärker auf den RC 2-Bereich einzugehen. Ebenfalls Beachtung sollen die Made on Demand-Dienste finden, die ich zwar nicht vollends begrüße, meinen Widerstand aber insofern aufgegeben habe, dass ich die ersten Scheiben zwecks fehlender Alternativen bestellt habe.

Standard-DVDs & Blu-rays:

Beginnen möchte ich aber mit altmodischen, gepressten DVDs und da hat mich speziell eine Ankündigung jüngst sehr erfreut. VCI Entertainment veröffentlicht in Zusammenarbeit mit dem UCLA Film & TV Archiv und der Film Noir Foundation (Mitglied werden, ich bin's schon) Joseph Loseys The Prowler aus dem Jahre 1951. Dabei greift man auf eine Restauration der Film Noir Foundation zurück und jene DVD ist hoffentlich der Anfang einer fruchtbaren Geschäftsbeziehung. An dieser Stelle sei gesagt, dass Robert Parrishs Cry Danger (1951) im Grunde bestätigt wurde, als Teil des Abkommens.
Nun aber zurück zu The Prowler, der ab dem 01. Februar 2011 erhältlich sein wird und auch ordentlich Bonusmaterial mit sich führt:

Audio Commentary by Film Noir Expert Eddie Muller
The Cost of Living: Creating The Prowler with James Ellroy, Christopher Trumbo, Denise Hamilton and Alan K. Rode Featurette
Masterpiece in the Margins Bertrand Tavernier on The Prowler
On the Prowl Restoring The Prowler
Photo Gallery
Original Theatrical Trailer

Am selben Tag, ebenfalls von VCI, wird auch ein Pre-Code Double Feature das Licht der Welt erblicken. Hauptattraktion ist dabei Henry Kings Hell Harbor (1930), der seine DVD-Premiere feiern wird. Als zweiter Film befindet sich Jungle Bride (1933) von Harry O. Hoyt und Albert H. Kelley an Bord, der schon von Alpha, dem gefürchteten PD-Label, herausgebracht wurde. Mein Rat bei diesem Double Feature ist, erst einmal Reviews abwarten.

Warner, im Grunde vom Pfad der "echten" DVDs abgekommen, startet 2011 mit einer netten Überraschung. So wird Elia Kazans America, America (1963), der kürzlich in dem großen Kazan-Set - welches leider fast nur schon erhältliche Filme in bekannten DVDs beinhaltet - erschienen ist. Am 08. Februar 2011 wird jedoch ein Einzel-Release spendiert. Als einziges Extra befindet sich ein Audiokommentar des Filmhistorikers Forster Hirsch an Bord.

Auch Criterion hat unlängst das Februar-Programm bekanntgegeben. Mein Highlight, und deswegen findet es hier auch Erwähnung, ist Alexander Mackendricks Sweet Smell of Success (1957), der zu jenen Titeln gehört, die Criterion von MGM lizensieren konnte. Wie nicht anders zu erwarten, wird das komplette Criterion-Programm angewendet, sodass die DVD und Blu-ray ab dem 22. Februar 2011 mit Bonus beladen in den Läden stehen wird:

New audio commentary by film scholar James Naremore
Mackendrick: The Man Who Walked Away, a 1986 documentary featuring interviews with director Alexander Mackendrick, actor Burt Lancaster, producer James Hill, and more
James Wong Howe: Cinematographer, a 1973 documentary about the Oscar-winning director of photography, featuring lighting tutorials with Howe
New video interview with film critic and historian Neil Gabler (Winchell: Gossip, Power and the Culture of Celebrity) about legendary columnist Walter Winchell, inspiration for the character J. J. Hunsecker
New video interview with filmmaker James Mangold about Mackendrick, his instructor and mentor
Original theatrical trailer
PLUS: A booklet featuring an essay by critic Gary Giddins, two short stories by Ernest Lehman featuring the characters from the film, notes about the film by Lehman, and an excerpt from Mackendrick’s book On Film-making

Made on Demand-DVDs:

Nachdem Warner im letzten Jahr mit ihrer Archive Series den Anfang machte - im Blog kann man auch ein paar Gedanken dazu von meiner Seite lesen - hat das MOD-Fieber in den USA fast jedes Studio befallen. Während Universal und MGM die Filme über Amazon anbieten, betreiben Warner und Sony eigene Internetseiten, wo man die Titel kaufen kann - als Nicht-Amerikaner jedoch nicht. Inzwischen führen aber große Internetshops die MOD-Discs, sodass der Import recht simpel ist. Die letzten Tage wurde dann verlautbart, dass MGM wohl richtig ins MOD-Geschäft einsteigen wird, sodass in den kommenden Monaten und dem nächsten Jahr bis zu 400 Titel erhältlich sein sollen. Sobald es dazu mehr News gibt, werde ich bloggen.
Am aktivsten ist weiterhin Warner, die im Grunde wöchentlich neue Titel zum Kauf anbieten, während man bei Sony einen monatlichen Rhythmus fährt. Von Universal kam hingegen lange Zeit nichts.

Neu von Warner in dieser Woche sind dann folgende Titel (nur bis 1970).

Normal:

Green Light (1937)
Never Say Goodbye (1946)
That Forsyte Woman (1949)
Footsteps in the Dark (1941)
Cry Wolf (1947)
The Man with a Cloak (1951)
The Secret Bride (1934)
The Woman in Red (1935)
B.F.'s Daughter (1948)
Hotel (1967)

Remastered:

The Human Comedy (1943)

Sets:

Luise Rainer Collection (The Emperor's Candlesticks (1937) / The Toy Wife (1938) / Big City (1937))

Mosquito Man

2010-11-18T23:47:00.001+01:00

Während hartgesottene B-Fans beim Namen Nu Image mit der Zunge schnalzen, nimmt der Ottonormalseher bei den meisten Filmen des Studios Reißaus. Denn wenn man nicht zufällig eine der wenigen A-Produktionen finanziert, z.B. Stallones John Rambo oder The Expendables, dann verdient man das Geld mit Sachen wie Mosquito Man. Wie schon bei Die Fliege findet hier eine Mutation zwischen Mensch und Insekt statt. Beim Mückenmann ist es ein Schwer-verbrecher, der zuerst entkommen kann, aber mitten in einen Versuch mit eben jenen Plagegeistern stolpert und beim darauffolgenden Schußwechsel wird die Apparatur so stark beschädigt, dass es schon bald zu einer Mutation mit Mücken-DNA kommt und der Mosquito Man ist geboren. Involviert in den Zwischenfall ist auch eine Forscherin, bei der sich die Anzeichen einer Veränderung erst im Laufe des Films zeigen werden. Nun verstreicht die meiste Zeit damit, dass der Mückenmann auf Opfersuche geht und seine Hauptmahlzeit genüsslich aussaugt. Das findet die Polizei natürlich nicht so toll und macht sich auf die Suche nach diesem Massenmörder. Erst als man Mücken-DNA an einem Tatort sicherstellt, wird man skeptisch. Natürlich wird es unweigerlich zum finalen Showdown zwischen der Mücke und den Cops kommen und auch die Forscherin wird noch ihren Auftritt bekommen. Auf inhaltlicher Ebene darf man hier natürlich mit keinen großen Erwartungen an die Sache rangehen. Ein bisschen Pseudo-wissenschaft als Erklärung, eine komische Hintergrundstory von tödlichen Mückenviren, die aber auch total neben der Spur ist und schon ist das Feld bereitet für ein wenig Insektenhorror. Die meiste Zeit plätschert der Film auch auf dem See der Belanglosigkeit umher. Die Schauspieler kommen aus den Tiefen der Unbekanntheit - einzig Corin "Parker Lewis" Nemec ist mir hier ein Begriff - und diese Mixtur aus Krimi und Horror bietet kaum Atmosphäre um den Zuschauer bei der Stange zu halten. Zwar sieht die Horror-Mücke gar nicht so schlecht aus, auch die Mutation hat man schon wesentlich mieser gesehen aber der wirkliche Pfiff fehlt. Nur zum Ende hin greift man dann auch ein wenig in die Effektkiste, hackt ein paar Gliedmaßen ab, spritzt mit Filmblut um sich, doch da ist der Film schon längst in den Brunnen gefallen. Fans solcher Werke dürfen natürlich trotzdem zugreifen, mir hat es gereicht: 03/10 für Mosquito Man.

Podcast #15 (The Town)

2010-09-27T23:52:00.000+02:00

Die neuste Episode des Filmabend.info-Podcasts ist online und diesmal widmen wir uns vier aktuellen Trailern: Hereafter, The Tourist, The Fighter und The King's Speech. Darüber hinaus tauschen wir unsere Gedanken zu Ben Afflecks neuem Film The Town aus.

Zum Podcast.

Der Todesrächer von Soho

2010-09-27T15:04:00.001+02:00

Bevor Horst "Derrick" Tappert in seine Paraderolle als Fernsehinspektor schlüpfen durfte, wurde er auch kurzfristig durch die deutschen Lichtspielhäuser gereicht, wobei speziell seine Rollenauswahl während der 70er Jahre so einige richtige Heuler beinhaltet. Gleich dreimal startete er zusammen mit dem berüchtigten spanischen Regisseur Jesus "Jess" Franco einen Angriff auf den guten Geschmack.Eine dieser Knüller-Kooperationen ist Der Todesrächer von Soho, basierend auf einer Story von Bryan Edgar Wallace. Während Vatis Stories zehn Jahre zuvor oftmals noch im stimmigen Schwarzweiß auf die Leinwand gebannt wurden, griff man nun auf europäische Regisseure zurück und brachte Farbe ins Spiel, um das Gefühl der 70er abzulichten und den Nerv der Zeit zu treffen. Per se kein Problem, haben doch die Italiener bewiesen, wie man ähnliche Stories schick verpackt als "Giallo" präsentieren kann. Auch dort ist die Hauptgeschichte meist nicht der große Wurf, wenngleich man beim Todesrächer komplett ins Klo gegriffen hat. Dreht sich anfangs noch alles um einen mysteriösen Messermörder, der seinen Opfern freundlicherweise vorher den Koffer als Erkennungszeichen packt, schwenkt man später zu einer Megadroge, verschollenen FBI-Undercoveragenten und anderem Gedöns, um dann kurz vor Toreschluss die Stories doch noch zu vereinen. Das klingt nicht nur holprig, es ist auch so und trotz 75 Minuten Laufzeit zieht sich die Chose auch ordentlich. Richtig knuffig ist aber die stümperhafte Inszenierung. Irgendwo in der spanischen Pampa gedreht, verkauft man das Ganze als einen in London spielenden Film und aus der britischen Metropole stammen höchstens die Archivaufnahmen zu Beginn.

Sonst beschränkt man sich fast nur auf Innenaufnahmen, die auch nur in 3-4 Sets spielen, welche sich abwechseln. Streut man dann echte Außenaufnahmen ein, denkt man meist, man müsse die Optik neu justieren, so eklig ist der Weichzeichner und so ganz kann man den Eindruck nicht verlieren, die Linse war einfach nur dreckig. Tag-Nacht-Ungleiche, südeuropäische Vegetation im vermeintlichen England und Autos, die stur rechts fahren, komplettieren den Schenkelklopfercharakter. Dazu darf Franco nicht einmal in den Sleazebottich greifen und damit es trotzdem etwas fürs Auge gibt, spielt er mit allerlei unkonventionellen Kameraeinstellungen, die dem Ganzen einen prätentiösen Touch geben sollen und fürwahr, manch Außeneinstellung sieht dank Extremweichzeichner und vollkommener Statistenarmut surreal aus. Das ändert aber nichts an der Tatsache, dass der Film vollkommen Meschugge ist und so vor allem Trash- und extreme EuroKult-Fans anspricht. Der Rest stößt dürfte an seine Grenzen stoßen: 1,5/10. Insofern sollte man schon Angst vor dem Todesrächer aus Soho haben.

Töte alle und kehr allein zurück

2010-09-27T14:23:00.000+02:00

Onkel Castellari gelangte ja jüngst zu später Berühmtheit, als Quentin Tarantino u.a. ihm mit seinem Inglourious Basterds eine Hommage kredenzte, auch wenn die Basterds mit den originalen Bastards nicht so viel gemein haben. Unbekannter sind da schon eher seine Ausflüge ins Westerngenre. Sieht man nämlich einmal von Keoma ab, dürften Filme wie Töte alle und kehr allein zurück nicht gerade zum Standardrepertoire der meisten Filmfreunde gehören. Letzteres ist dann aber auch nicht übermäßig verwunderlich, gehört Castellari sicherlich nicht zu den großen Westernexperten. Das Action-/Crimekino ist schon eher sein zu Hause und so ist dann auch jener Töte alle und kehr allein zurück mehr ein Actionfilm im Westerngewand, dessen Story aber auch in fast jedes andere Genre hätte transportiert werden können. Angeheuert von den Südstaaten, soll eine kleine Gruppe Söldner einen Stützpunkt der Nordstaaten angreifen, um das dort gelagerte Gold zu klauen. Angeführt wird der Trupp von Clyde Mac Kay (Chuck Connors), der einige Spezialisten unter sich vereint hat, u.a. den Messerexperten Blade, den Mann fürs Grobe Bogard oder den schießwütigen Kid.nWas die Männer nicht wissen, Clyde und der Südstaaten Captain Lynch (Frank Wolff) haben abgemacht, dass diese jedoch nicht lebend von der Mission zurückkehren werden. Das Unternehmen verläuft nach Plan, bis die Männer nach erfolgreichem Diebstahl an einem Flußübergang festgenommen werden. Sie trauen ihren Augen nicht, als Lynch plötzlich in der Uniform der Nordstaaten vor ihnen steht. Nun beginnt ein weiteres, perfides Spiel um das gestohlene Gold. So reiht sich bei diesem Western auch eine Schlägerei an die nächste, eine Explosion folgt der anderen und Ruhe kehrt selten ein, Westernatmosphäre aber leider auch nicht. Auch die Story wirkt bei näherer Betrachtung sehr fragwürdig - wahrscheinlich legt der Film deshalb ein hohes Tempo an, damit man gar nicht so sehr ins Grübeln kommt. Im Vergleich zu Castellaris späteren Werken sind diese Szenen zwar routiniert inszeniert aber bei weitem nicht so spektakulär wie man es aus seinen anderen Werken kennt. Darüber hinaus krankt der Film an seiner Besetzung. Während Frank Wolff ein bekanntes Gesicht des Italokinos war und seine Sache ganz ordentlich macht, wirkt speziell der Amerikaner Chuck Connors mit seinem Dauergrinsen fehl am Platze und erinnert irgendwie an Paul Hogan aus Crocodile Dundee. Zwar ist der Film auf seine Art noch immer unterhaltsam aber einen bleibenden Eindruck hinterlässt Töte alle und kehr allein zurück nicht: 5,5/10.

Podcast (The Expendables, Centurion)

2010-09-05T21:34:00.001+02:00

Omahabitch und ich haben heute die 14. Folge des Filmabend.info-Podcasts aufgenommen. Neben einer kurzen Einschätzung zu den Trailern von 127 Hours und Black Swan gibt es auch jeweils eine kurze mündliche Abhandlung zu Centurion (von omahabitch) und The Expendables (von mir). Wünsche viel Spaß. Kommentare können auch gerne hier hinterlassen werden.

Zum Podcast: Klick mich!

Bewegliche Ziele

2010-09-03T00:35:00.000+02:00

Die interessantesten Geschichten schreibt noch immer das Leben. Unter der Prämisse, Boris Karloff schulde ihm noch zwei Drehtage und er müsse Stockfootage aus The Terror - Schloss des Schreckens (1963) benutzen, genehmigte der legendäre Roger Corman Peter Bogdanovichs ersten bekannten und von der Kritik geschätzten Kinofilm: Targets bzw. Bewegliche Ziele – so der deutsche Titel.
Anstatt jedoch aus dem Stockfootage und eigenem Material ebenfalls in Richtung Gothic-Horror zu gehen, entschied sich Bogdanovich, im Stile des aufblühenden New Hollywood-Kinos, den Horror der Neuzeit auf die Leinwand zu bannen und gleichzeitig schuf er einen letzten Genrehöhepunkt für den Altmeister Boris Karloff.

Die Geschichte erstreckt sich dabei in zwei zunächst parallelen Handlungssträngen. Auf der einen Seite verfolgt der Zuschauer den gealterten Horrorstar Byron Orlok (Boris Karloff), der, sichtlich unzufrieden mit seinem letzten Film, nach einem Testscreening – das Material von The Terror wird hier teilweise eingesetzt – sein Karriereende bekannt gibt. Für seinen Regisseur Sammy Michaels (Peter Bogdanovich) ist das ein Schock, hat er doch die perfekte Rolle für Orlok in seinem nächsten Film, der ganz anders sein soll, als die bisherigen Produktionen mit ihm. Doch Orlok lässt sich nicht umstimmen, auch wenn Michaels ihn immer wieder bedrängt. Orlok ist sich sicher, dass die (Schauspiel)Zeit für ihn abgelaufen sei und die Menschen Angst vor ganz anderen Dingen hätten als noch vor 30-40 Jahren. Nur zu einem letzten Auftritt lässt er sich überreden: die Vorstellung seines neusten Films in einem örtlichen Autokino.
Nahezu gleichzeitig beobachtet man Bobby Thompson (Tim O’Kelly), Typ Nachbarn von nebenan, wie er in einem Waffengeschäft ein Gewehr kauft. Anfangs nichts Ungewöhnliches, doch ein Blick in seinen Kofferraum verheißt nichts Gutes: ein ganzes Waffenarsenal führt er mit sich. Zusammen mit seiner Frau und seinen Eltern wohnt er in einem Einfamilienhaus. Der Zuschauer merkt, dass es in ihm brodelt, und auch Bobby bemerkt seine Entwicklung, doch zu einem Gespräch mit seiner Frau kommt es nicht mehr, da sie während des täglichen Trotts scheinbar keine Zeit für eine Aussprache haben. So folgt der Ausbruch des Vulkans wenige Tage später und Bobby erschießt erst seine Frau, dann seine Mutter und zieht, bis an die Zähne bewaffnet los, um von Industriesilos vorbeifahrende Autos auf dem Highway zu beschießen. Als die Polizei dies bemerkt, flüchtet er und sucht sich ein neues Ziel, indem er sich hinter der Leinwand des nächsten Autokinos verbarrikadiert…

Nun braucht man sicherlich kein Filmstudium um zu erahnen, dass es schlussendlich zu einem Aufeinandertreffen zwischen Byron und Bobby kommen muss, dem modernen Horror und der „antiken“ Variante, doch bevor es soweit ist, bekommt der Zuschauer erst einmal einen Einblick in das Leben der 60er, eine Zeit, die auch Byron nicht mehr zu verstehen scheint. Der Wandel in der Gesellschaft wird also anhand zweier Personen, Byron und Bobby, dargestellt. So ist vor allem die mangelnde Kommunikation der Menschen zu beobachten, die im Falle von Bobby zwar unter einem Haus leben, sich aber nur über Nichtigkeiten austauschen oder gemeinsam die Abende vor dem Fernseher verbringen, wenngleich Bobby seine Probleme gegenüber seiner Frau andeutet, die ihn aber zurückweist.
Byron hingegen ist es Leid, wie ein Relikt vergangener Tage in miserablen Produktionen angegafft zu werden – ein nicht zu übersehender Seitenhieb auf so manch filmischen Ausrutscher in Karloffs Karriere.

So ist der Film nicht nur von der Story her zweigeteilt, sondern auch von der Atmosphäre. Immer wenn Bobby zu sehen ist, macht sich ein Gefühl von Unbehagen breit, diese latente Gefahr, die Ruhe vor dem Sturm und man denkt, er könne jederzeit explodieren. Byrons Part wirkt dagegen viel gelöster, was auch an Sammys Charakter liegt, der ja versucht, Byron noch umzustimmen und so z.B. mit ihm einen Trinkabend in seinem Hotelzimmer veranstaltet, inkl. Kater und einem „schrecklichen Erwachen“. Hier zeigt Karloff auch ungeahnte komödiantische Talente. Deutlich merkt man auch den New Hollywood-Einschlag. Einerseits anhand der Thematik und andererseits an der Optik des Films. Besonders die Außenaufnahmen wurden hier im Guerilla-Stil ohne Genehmigungen gedreht und auch sonst wird bei der Inszenierung auf das Opulente der Spät 50er und 60er Jahre verzichtet und so gibt sich der Film passend zu seinem Thema recht nüchtern, was sich auch im Fehlen eines Score niederschlägt.

Mit Targets ist Bogdanovich jedenfalls ein überaus intelligenter und packender Film gelungen, der jedem Interessierten ans Herz gelegt werden kann: 08/10.

Derailed - Terror im Zug

2010-09-01T18:28:00.000+02:00

Die Tatsache, dass Jean-Claude Van Damme eine mögliche Rolle in The Expendables aufgrund des aus seiner Sicht schlechten Drehbuchs abgelehnt haben soll, erscheint angesichts dieses Machwerks in ganz anderem Licht. Rückblickend kann man natürlich argumentieren, er sei heutzutage cleverer bei der Rollenwahl und im Grunde ist ihm das auch zu raten, denn sein 2002er Derailed - Terror im Zug ist das Mieseste was ich von den ganzen alten Actionstars bisher gesehen habe. Das liegt dann auch weniger an der Story, denn die ist aus dem Ex-Sondersowiesoagent-rettet-die-Welt-Baukasten, sondern an der Inszenierung an sich. Wie man anhand des Titels ahnen kann, spielt der Film dann auch die meiste Zeit in einem Zug, wo der gute JCVD als Aufpasser für eine osteuropäische Profieinbrecherin agiert, die ein gestohlenes Gut aus der Slowakei nach Deutschland bringen soll. Guckt man sich den Film zu Ende an, fragt man sich zwar schon noch, was der Schwachsinn eigentlich sollte, da man es wesentlich einfacher hätte bekommen können aber der Knüller sind eindeutig die Effekte. Hier ist es in der Tat erstaunlich, wie man trotz nicht existentem Budget zwanghaft an den Effekten festgehalten hat. So bekommt man dann auch eine Mischung aus Märklin-Heimanlage und C64-CGI serviert, die an Lächerlichkeit kaum noch zu überbieten ist. Selbst simple Autoverfolgungsjagden werden bei Alarm für Cobra 11 besser dargestellt als in diesem Machwerk. In Kombination mit der flachen Story, samt dem kongenialen Killervirenkniff, der das Gezeigte noch unglaubwürdiger macht, den langweiligen Fights und den austauschbaren Schauspielschablonen entfaltet sich eine Melange des Grauens, bei der selbst die hartgesottensten B-Actionfans in Erklärungsnot geraten. Wenn sich ein Film die Minimalpunktzahl verdient hat, dann Derailed - Terror im Zug: 01/10.

Was ihr hier noch erwarten könnt...

2010-08-29T03:05:00.001+02:00

... wieder einmal ist längere Zeit recht wenig in meinem Blog passiert, was unter anderem auch daran lag, dass ich zwei Wochen im Urlaub war, fernab des Internets. Aber auch sonst hat sich ein wenig getan. So hat der gute omahabitch den filmabend.info Blog wiederbelebt und diesmal soll die Geschichte auch langlebiger sein, sodass ich Artikel zu Filmnews und Trailern dort schreiben werde und nicht mehr hier. Auch werden die Podcasts wieder aufgenommen.

Die aktuelle Episode zu Inception könnt ihr z.B. hier finden: Klick mich!

Nichtsdestotrotz ist mir mein Blog doch ans Herz gewachsen, sodass ich den nicht einfach brachliegen lassen möchte. Insofern geht es zurück zu den Wurzeln und ich werde versuchen, zu jedem von mir gesehenen Film ein paar Zeilen zu hinterlassen. Die Klassikerreviews wird es auch weiterhin geben und ein Auge auf den US-Klassikermarkt werfe ich auch weiterhin.

Cheers
Frankie

The Expendables

2010-08-29T02:49:00.000+02:00

Auch ich konnte mich nicht vom Kino fernhalten und habe mir Stallones aktuellen Kinofilm angesehen und ein paar Zeilen dazu verfasst, die ihr auf omahabichts filmabend.info Blog lesen könnt.

Zur Kritik

PS: Demnächst auch wieder mehr an dieser Stelle, wenngleich der Fokus etwas gewechselt ist.

Man-Thing

2010-07-27T20:41:00.000+02:00

Der aktuelle Trend bei Comicverfilmungen ist recht simpel: groß, größer, Mega-Blockbuster am besten mit Franchisecharakter. Dass es auch kleiner geht beweist Man-Thing aus dem Jahr 2004, der, basierend auf einer Marvel-Figur, den Zuschauer in den Süden der USA entführt, wo böse Öl-Riesen indianische Heiligtümer besudeln - als erfahrener Filmfreund weiß man natürlich, dass dies ein mächtig großer Fehler ist. Doch bevor das/der/die Man-Thing erst einmal richtig losschlagen darf - die Eröffnungssequenz nicht mit eingerechnet -, wird noch hurtig der Protagonist eingeführt: der neue Sheriff in der Stadt, auch Kyle Williams (Matthew Le Nevez) genannt. Wie so üblich kommt er als Stadtkind aufs Land und wird von den Bewohnern des kleinen Örtchens kritisch beäugt und als er dann auch noch die Umweltaktivisten von Schist'schen Fördergelände verscheucht, hat er die Herzen einiger Bewohner im Sturm erobert. Natürlich ist der Kyle aber kein böser Cop, muss er doch noch das Herz der schönen Lehrerin und Kämpferin gegen das Öl, Teri (Rachael Taylor), erobern. Doch das eigentliche Problem lauert in den Sümpfen. Andauernd verschwinden Menschen, um wenig später stark entstümmelt und leblos aufzutauchen. Anfangs für Alligatorangriffe abgestempelt, kommt man bald indianischen Mythen auf die Spur. Klingt spannend? Ist es aber nicht wirklich, was vor allem an Gewöhnlichkeit der Umsetzung und der Story liegt. Man trifft hier an jeder Ecke auf Charaktere aus dem Klischeebaukasten: hirnlose Rednecks, böse Kapitalisten, die netten Umweltaktivisten etc. und so fällt es schon einmal schwer, sich mit den einzelnen Personen anzufreunden. Auch der allgemeine Monsterplot mag nicht so recht greifen. Zwar ist das Setting in den Sümpfen durchaus atmosphärisch aber auch hier wirkt der Rest wie aus der Retorte und die technischen Spielereien, wie Zeitraffung, Veränderung der Farben, wirken eher hilflos eingesetzt, als dass sie wirklich etwas zum Film beitragen. Dafür sieht das Monster für das eingesetzte Budget gar nicht übel aus und so manch Szene im dunklen Moor weiß zu gefallen, sodass Man-Thing am Ende noch partiell unterhaltsam ist aber sicherlich kein großes Publikum für sich gewinnen kann: 04/10.

Angriff der Riesenkralle

2010-07-25T20:34:00.001+02:00

Tief in den Katakomben der großen Studios schlummer(te)n sie, die fast vergessenen „Perlen“ der diversen B-Movie-Abteilungen, deren Filme selten Preise gewannen oder groß im Rampenlicht standen, dafür aber oft das Rückgrat der Filmindustrie bildeten und als günstig produzierte Cash-Cows die berühmten Produktionen subventionierten. Einer der Herren dieser Einheiten war Sam Katzman, der als Produzent und Regisseur u.a. für Columbia lange Jahre im Dienst war. Während er mit Twist Around the Clock (1961) vielleicht seinen größten finanziellen Erfolg als Produzent feierte, war Katzman aber auch für einen heute berüchtigten Film verantwortlich: The Giant Claw (1957). Berüchtigt, weil er sich einen Namen als einer „der schlechtesten Filme aller Zeiten“ gemacht hat, was sicherlich übertrieben ist. Nichtsdestotrotz wandelt sich der von den Plakaten proklamierte Angriff auf die Nerven zu einem unfreiwilligen Angriff auf die Lachmuskeln und schnell ist es nachvollziehbar, warum dieser 50s Sci/Fi-Horror-Genremix eine breite Fangemeinde hat.

Schon der Beginn lässt aufhorchen, wenn ein bierernster Off-Kommentator erst die Fortschritte menschlicher Ingenieurkunst lobt, um dann wenig später auf die sog. Ruhe vor dem Sturm hinzuweisen. Während dieser Szenen lernt der Zuschauer auch die menschlichen Hauptakteure kennen, die gerade mit der Kalibrierung einer Radaranlage der USAF beschäftigt sind: der Elektronikexperte Mitch (Jeff Morrow) und seine hübsche Partnerin, die Mathematikerin Sally (Mara Corday). Das Unheil nimmt seinen Lauf, als Mitch bei einem Probeflug ein unbekanntes Flugobjekt sichtet – das geschulte Auge erkennt einen undefinierbaren Klumpen vorbeihuschen. Doch weder das Radar noch die alarmierten Abfangjäger können am Himmel etwas erkennen. Kein Wunder also, dass Mitch aufgrund des vermeintlichen Scherzes vor allem bei General Van Buskirk in Ungnade fällt. Als dann jedoch mehrere Flugzeuge vermisst werden und Mitch und Sally bei einem Flug zurück nach New York ebenfalls attackiert werden und abstürzen, nimmt das Militär die Sache etwas ernster, denn jedes Mal war nichts zu erkennen auf dem Radarschirm. Erst Aufklärungsbilder aus einem Wetterballon bringen des Rätsels Lösung: man hat es mit einem Vogel zu tun, der so groß wie ein Schlachtschiff ist. Alle Versuche, das gefederte Monster abzuschießen, schlagen zuerst fehl, da der Vogel from Outer Space einen Schutzschirm aus Antimaterie besitzt. Doch dann hat Mitch die rettende Idee…

… und der Zuschauer liegt zwischenzeitlich weinend auf dem Boden, den Bauch haltend aufgrund der Lachkrämpfe. Dabei hätte der Film durchaus ordentlich werden können – natürlich relativ gesehen angesichts der Geschichte – aber ein klammes Budget durchkreuzte diese Pläne. Dass es nämlich auch anders geht, hat Regisseur Fred F. Sears schon ein Jahr vorher bewiesen, wo er mit Earth vs. the Flying Saucers einen grundsoliden Genrebeitrag abgeliefert hat, inkl. der F/X des einzigartigen Ray Harryhausen. Jener war auch bei The Giant Claw im Gespräch, doch ohne Moos nix los und am Ende wurde nichts aus Stop Motion-Effekten und dafür gab es diese mexikanische Vogelmarionette, deren bizarres Aussehen – Irokesenschnitt, absurde Proportionen uvm. – Lachanfälle auslöst, sobald sie auf der Leinwand auftaucht. Letzteres dürften die Macher geahnt haben, deshalb muss man auch knapp eine halbe Stunde auf den Auftritt warten. Doch damit nicht genug, glänzt der Film weiterhin mit lächerlichen Rückprojektionsaufnahmen und exzessivem Einsatz von Stock Footage – u.a. auch aus Earth vs. the Flying Saucers und vielen weiteren ähnlich gelagerten Genrebeiträgen – sodass es zu atemberaubenden Kontinuitätspannen kommt, die die unfreiwillige Komik fördern. Kombiniert mit der Tatsache, dass Cast & Crew die Story an sich trocken und ernst vortragen – der Off-Kommentator gibt sich die größte Mühe – ist die Gaudi komplett. Dabei spielen Jeff Morrow und Mara Corday gar nicht so übel und speziell die Szenen, in denen sie sich Oneliner an den Kopf werfen dürfen, können überzeugen und bieten (gewollt) humoristische Züge. Davon bleibt aber wenig in Erinnerung, thront doch über Allem das mexikanische Antimaterie-Gummihühnchen und wenn man dann auch noch liest, dass weder die Plakatgrafiker noch die Schauspieler das „Monster“ vor der eigentlichen Premiere gesehen haben, bekommt man einen ganz guten Eindruck, wie in so manch B-Schmiede wohl gearbeitet wurde. Andererseits wäre der Film wohl komplett in der Anonymität der Masse verschwunden, wenn er nicht so wunderbar schlecht gemacht wäre. Also doch ein cleverer Schachzug von Sam Katzman und seinem Team? Rein objektiv betrachtet bleibt am Ende nur ein recht vernichtendes Urteil übrig und so bekommt dieses skurrile Marionettenkuddelmuddel noch knapp 3 Punkte, während er sich unter Trashgesichtspunkten sicherlich volle 10 Zähler gesichert hat.

Ivanhoe - Der schwarze Ritter

2010-07-19T23:29:00.000+02:00

1820 veröffentlichte Sir Walter Scott seinen Roman Ivanhoe, der reale Geschehnisse und Fiktion mit einander verbindet und den Leser ins England des 12. Jhs. entführt, in die Zeit der Kreuzzüge und Richard Löwenherzs. Aufgrund seiner Popularität wurde das Werk zum ersten Mal im Jahre 1913 verfilmt, wenngleich Richard Thorpes 1952er Version mit Robert Taylor, Elizabeth Taylor und Joan Fontaine sicherlich die bekannteste Adaption sein dürfte und einen schönen Einstieg in Hollywoods Technicolor-Lümmelein bietet.

Wie man sich anhand des Titels denken kann, dreht sich die Geschichte um Sir Wilfred of Ivanhoe (Robert Taylor), der aus dem Heiligen Land zurückkehrt, um die Befreiung Richard Löwenherzs aus österreichischer Gefangenschaft zu organisieren. In England angekommen muss er sich jedoch vor den Normannen, den Verbündeten Prinz Johns, der für die Festnahme seines Bruders Richards in Österreich mit verantwortlich war, in Acht nehmen. Unterstützung erhofft sich Ivanhoe von seinem Vater "Cedric dem Sachsen", der seinen Sohn aber aufgrund der Teilnahme an Richards Kreuzzügen vom Hofe verbannt hat. Trotzdem führt er eine Gruppe normannischer Ritter, die auf der Suche nach einer Unterkunft sind, zum Hofe seines Vaters, um dort mit Hilfe seiner Liebe Rowena (Joan Fontaine) Cedric umzustimmen. Dies gelingt zunächst nicht. Dafür aber sucht auch der jüdische Geldverleiher Isaac von York in dieser Nacht Unterschlupf bei Cedric und als dieser im Schlaf überfallen wird, kann Ivanhoe die Räuber stellen und Isaac sicher nach Hause geleiten. Mit dem Versprechen, die Judenverfolgung nach Richards Rückkehr stoppen zu lassen, kann er die Zusage der jüdischen Gemeinde gewinnen bei der Auferbringung des Lösegelds zu helfen. Dank Isaacs Tochter Rebecca (Elizabeth Taylor), die schnell ihr Herz an Ivanhoe verloren hat und ihm Edelsteine für Pferd und Rüstung schenkt, kann dieser auch beim Ritterturnier von Ashby teilnehmen, um dort die Ehre der Angelsachsen zu verteidigen. So führt er unter den Augen Johns als Schwarzer Ritter gekleidet seine normannischen Gegner - jene, die er zu seinem Vater geführt hat - regelrecht vor, wird aber beim letzten Kampf verwundet und ins Haus von Isaac und Rebecca gebracht, um dort geheilt zu werden. John, der die Schmach nicht erträgt, lässt daraufhin alle Beteiligten festnehmen und einsperren. Doch nicht nur Ivanhoe kämpft gegen Johns Regime, sondern auch diverse Freischärler, die in den Wäldern rund um Sherwood Forest den Widerstand proben und schließlich Ivanhoe, Rowena, Rebecca und Co. zur Hilfe eilen...

Obwohl für die Adaption schon einige Handlungsstränge fallengelassen wurden, ist die Story, zumindest auf dem Papier, noch immer durchaus komplex und so soll der kurze Storyabriss auch reichen, um einen ersten Eindruck zu vermitteln. Im Film selbst ist es dann, abgesehen vom Anfang, wo man ein wenig unvorbereitet hineingeworfen wird, dann auch gut verständlich, wer hier mit wem was gemacht hat und sowieso und überhaupt. Der Weg ist also bereitet für Ritterspektakel, wie man es aus früher Kinderphantasie kennt. Regisseur Richard Thorpe hat den Film dabei routiniert inszeniert und da man in den USA wenig Burgen zur Verfügung hat, wurde auch stilecht in England gedreht, sodass das Technicolorpotential - hier übrigens noch in Vollbild - gut ausgeschöpft wird und man bei manch Szene echt am Zweifeln ist, ob das Bild real oder gemalt ist. Inhaltlich blieb man der Vorlage - wie schon erwähnt - halbwegs treu, sodass sich auf der einen Seite Dramatik, Spannung und Intrigen finden lassen, während jene Momente immer wieder durch "zünftige" Actionszenen unterbrochen werden - das Blockbusterkino der 50er Jahre eben. Getragen wird der Film dann von seinem charismatischen Hauptdarsteller Robert Taylor, der in seiner schwarzen Ritterrüstung die Herzen von Joan Fontaine und Elizabeth Taylor erobert - wer hätte in der Situation nicht mit ihm tauschen wollen? Untermalt wird das Ganze dann auch noch vom passend pompösen Score von Miklós Rózsa und zack, jeder verregnete Sonntag entwickelt sich zu einem Ritterspektakel. Filme jener Art dürften sicherlich ganze Generationen vor dem heimischen TV geprägt haben und bei Thorpes Ivanhoe ist es auch nachvollziehbar, denn technisch und inhaltlich gibt es hier nicht viel zu meckern und deshalb lautet mein Tipp: DVD einlegen und das Technicolorabenteuer kann beginnen: 7,5/10.

Ich empfehle übrigens vodkamartinis Kritik in der ofdb: Hier.

Ring frei für Stoker Thompson

2010-07-05T22:07:00.000+02:00

Es ist 09.05pm in Paradise City als der Zuschauer zum ersten Mal auf den Helden des heutigen Abends trifft.

Die Zeitungsjungen verkünden draußen die wichtigsten Informationen zu den abendlichen Boxkämpfen, während Stoker Thompson (Robert Ryan), einer dieser neuzeitlichen Gladiatoren, noch in seinem Hotelzimmer gegenüber der Boxhalle wartet. Einen Kämpfer stellt man sich jedoch anders vor. Mit weit über 30 Jahren gehört er schon längst zum alten Eisen und seine katastrophale Kampfbilanz spricht Bände. Trotzdem geht Stoker noch immer diesem Sport nach, denn die Hoffnung, noch einmal zu siegen und vielleicht doch noch den Großen Sprung zu schaffen, hält ihm am Leben. Julie (Audrey Totter), seine Frau, kann es indes nicht mehr ertragen, wenn ihr Mann zusammengeschlagen wird und nach einem Kampf schwer gezeichnet nicht einmal mehr weiß, wer er ist und so schlägt sie auch zum ersten Mal die Bitte ihres Gatten aus, sich den Kampf anzuschauen.
Quasi zur gleichen Zeit manipuliert Stokers Manager Tiny den Kampf gegen Tiger Nelson und verspricht dem anderen Lager gegen eine kleine Gebühr, dass Stoker verlieren wird. Aufgrund der früheren Resultate ist man sich der Sache so sicher, dass man nicht einmal Stoker selbst einweiht und so sackt Tiny das Geld ganz allein ein.

72 Minuten später, um 10.17pm werden Film und Kampf beendet sein.

Bevor nun aber die letzten Bilder über die Leinwand flackern, nimmt uns Regisseur Robert Wise (The Haunting, West Side Story) mit auf eine Tour de Force, auf einen Ausflug, der den täglichen Kampf ums Überleben zeigt. Es ist der Ring, der hier allegorisch den Mittelpunkt der Geschichte bildet. Doch bevor Stoker die Boxhandschuhe überziehen darf, nimmt sich Wise viel Zeit, um die Spannung aufzubauen und die Menschen zu zeigen, die auf der jeweiligen Seite des Rings aktiv sind. Spätestens mit dem Betreten der Umkleidekabinen merkt dann auch der Letzte, dass wir es hier nicht mit dem Madison Square Garden zu tun haben. Es ist viel mehr eine dieser Boxhallen im Lande, die für viele Kämpfer einen Scheideweg darstellen. Nur für wenige, wie z.B. für Luther Hawkins – die Hauptattraktion des Kampfabends - , scheint der Weg nach oben zu weisen, während sich der Rest, Kämpfer wie eben auch Stoker, kontinuierlich auf dem absteigenden Ast befinden. Dem Boxzuschauer scheint es dafür weitestgehend egal zu sein, wer sich die Köpfe einschlägt und so wird das brave bürgerliche Gesicht auch mit dem Betreten der Halle abgelegt und man schreit nach Blut und Härte, während man mit dem anderen Ohr gerade ein Baseballspiel verfolgt oder sich den dritten Hot Dog einverleibt.

Was ist es, das den Menschen am Ende am Leben erhält? Für Stoker mag es Hoffnung sein aber nachdem er mitbekommen hat, dass der Kampf manipuliert wurde, sind es Stolz und Ehre, die ihn weiterkämpfen lassen und so schafft er das Unerwartete und schickt Tiger Nelson in der letzten Runde zu Boden.

The Set-up, das ist Film Noir pur. Dies schlägt sich nicht nur in der Story nieder sondern auch in der Ästhetik des Films. Wise, dessen filmische Ursprünge im Bereich des Filmschnitts liegen und der u.a. auch Citizen Kane auf seinem Cutterpult hatte, hat ein geniales Gespür für Räume und Montagen und in Kombination mit der Kamera Milton R. Krasners kreierte er einen unverkennbaren, genialen Look. So können die Boxszenen – Ryan war übrigens selbst Amateuerboxer – auch heute noch viele thematisch ähnlich gelagerte Filme in die Tasche stecken und der Einsatz von verschiedenen Kameras außerhalb des Rings zahlte sich aus. Nicht weniger grandios sind die Montagen, die mit Julies Stadtbummel einhergehen, was schlussendlich in dem eindrucksvollen Zerreißen der Eintrittskarte kulminiert. Ein Beispiel für Wises Gespür für Räume ist sicherlich die Szene kurz vor Ende, als Robert Ryan durch die menschenleere Halle rennt. Untermalt wird das ausgezeichnete Bild des Films durch die Schauspieleinlagen. Robert Ryan nimmt man seine Rolle jederzeit ab, auch wenn die Vorlage eigentlich einen schwarzen Helden vorgesehen hat – nur gab es zu der Zeit keine schwarzen Filmstars - , während Audrey Totter wesentlich mehr ist als nur hübsches Beiwerk.

Insofern ist es, dass diese RKO-Produktion aus dem Jahre 49 fast ein wenig in Vergessenheit geraten ist, während Mark Robsons Champion und Robert Rossens Body and Soul weit öfter genannt werden, wenn es über das Thema Boxen im Kontext des Film Noirs gesprochen wird. Dabei braucht sich The Set-Up vor seiner namhaften Konkurrenz nicht verstecken, zählt er doch zu Robert Wises besten Filmen und unter Noirheads ist der Film definitiv ein Must-See – für den filmisch interessierten Rest übrigens auch.

Inzwischen ist es 10.17pm – und ja, der Film spielt in Echtzeit – und Stoker Thompson muss nun die Konsequenzen seiner Entscheidung tragen, denn so ist das Leben.

Mich gibt's auch noch.

2010-07-02T19:42:00.000+02:00

Das dürfte nun der x-te Versuch des Jahres sein, wieder halbwegs Routine in den Blog zu bringen. Muss meinem Schweinehund nur stark genug in den Hintern treten, dann dürfte es auch wieder laufen.
Die Tage dann wieder mehr von mir.

While the City Sleeps - ab Juli auf DVD in England

2010-06-09T19:31:00.000+02:00

Fritz Lang, dessen Noir-Beiträge von Fans und Liebhabern geschätzt werden, drehte 1956 für die RKO Studios den Film While the City Sleeps mit Dana Andrews und Rhonda Fleming. Zusammen mit Beyond a Reasonable Doubt gehört er zu den Titeln, denen bisher eine DVD-Veröffentlichung verwehrt blieb.
Nun hat sich zumindest bei While the City Sleeps das Blatt gewendet, erscheint er doch am 26. Juli 2010 in England weltweit zum ersten Mal auf DVD. Verantwortlich für diese VÖ ist das mir bis dato unbekannte Label Exposure.
Man kann nur hoffen, dass der Film eine würdige Umsetzung erfährt, denn die Tatsache, dass er beim letzten Warner Noir-Set nicht berücksichtigt wurde, lässt von einer geringen Chance ausgehen, dass er in den USA so schnell eine DVD bekommt - nachher sogar nur ein Dasein als DVD-R Warner Archive-Titel fristen muss.

Gemäß der Produktbeschreibung von Amazon.co.uk wird die DVD als Extras eine Pressebuch-Galerie sowie eine Postergalerie enthalten. Anbei das Cover:

Einen vor den Latz geknallt

2010-06-07T23:46:00.000+02:00

Blaxploitation trifft auf Italo-Western in dieser amerikanisch-italienischen Co-Produktion aus der Mitte der 70er Jahre. Angesichts dieser etwas anderen Kombination, spitzt der geneigte Fan doch die Ohren. Mit an Bord sind neben Lee Van Cleef auch die Aushängeschilder des Blaxploitationfilms Fred Williamson, Jim Brown und Jim Kelly. Unter der Regie des zu der damaligen Zeit durchaus bekannten Antonio Margheriti machen die Vier dann die Kanaren unsicher, denn dort wurde gedreht, wie man an der zerklüfteten Landschaft vulkanischen Ursprungs sehen kann. Die Story dreht sich dabei um zwei Männer: Lee Van Cleef spielt, wie so oft, einen fiesen Kopfgeldjäger, Kiefer, der auch seine eigene Großmutter ausliefern würde, wenn die Prämie stimmt. Dann gibt es noch den Cowboy Pike (Jim Brown), der zusammen mit dem Viehbesitzer Morgan (Dana Andrews) eine Herde Rinder getrieben hat. Leider verstirbt Morgan am Zielort und trägt Pike auf, mit dem Erlös der Viehherde, immerhin 87000 Dollar, zurück zur Ranche zu reiten. Natürlich spricht sich die Botschaft schnell rum, dass ein Schwarzer mit 87000 Dollar unterwegs ist und so hat Pike bald diverse Häscher an seiner Ferse. Doch er bekommt Unterstützung von Tyree (Fred Williamson), einem Spieler, und dem stummen Indianer Kashtok (Jim Kelly). Während sich die meisten Verfolger meist sehr ungeschick anstellen, geht die meiste Gefahr von Kiefer aus, der auch noch eine alte Rechnung mit Pike offen hat.
Vorweg sei einmal gesagt, dass man dem Film durchaus anmerkt, dass hier Amerikaner mit am Werk waren. Das beginnt bei der reinen technischen Ausstattung am Set und endet beim Score von Jerry Goldsmith, der sich doch recht stark von der italienischen Genremusik aus der Feder von Morricone, Noclai oder Bacalaov unterscheidet. Tote brauchen keine Dollars, so der deutsche Alternativtitel, ist aber trotzdem für Nichtfans von US-Western interessant, allein aufgrund der skurrilen Charaktere. Williamson und Brown haben ein durchaus loses Mundwerk und besonders im Original einen äußerst nette Slang drauf, während Jim Kellys Charakter den Vogel abschießt. Einen Indianer darstellend, besiegt er seine Gegner im Nachkampf mit Martial Arts Techniken und springt wie angestochen durchs Bild. Dazu wurde seiner Person eine "Reitphobie" auferzwungen und so joggt er fröhlich durch die Wüste, während Williamson und Brown hoch zu Ross hinterhertraben. Auch Van Cleef sieht mit seiner buschigen Frisur etwas wirr aus, spielt aber sonst routiniert seine ureigenste Rolle. Inhaltlich kann die Verfolgungsstory dabei aber nicht immer überzeugen, gibt es durchaus zähe Momente, in denen man sich etwas mehr Drive wünscht. Schlußendlich ist hier ein seichter Genremix herausgekommen, der Fans beider Lager ansprechen dürfte, für Außenstehende aber eventuell nicht so attraktiv sein dürfte: 06/10.

Schnellboote vor Bataan

2010-06-01T01:17:00.000+02:00

Dass Film weit mehr als nur harmlose Berieselung ist, dürfte im Grunde jeder schon am eigenen Leib erfahren haben. Wie oft hat man schon mit einem Charakter mitgefiebert, während man dem Antagonisten den Tod an den Hals gewünscht hat? Film, das ist auch immer eine Manipulation des Zuschauers, die natürlich in jede Richtung gehen kann. Der Macht dieses Mediums war man sich natürlich auch während des Zweiten Weltkriegs bewusst und so haben Nationen beider Kriegsparteien Film als Propagandamittel eingesetzt. So drehte der schon damals gefeierte John Ford verschiedene Dokumentationen für das Navy Department und das Office of Strategic Services. Angesichts dieser Vita ist es wenig verwunderlich, dass man seinem 1945 entstandenen Kriegsfilm Schnellboote vor Bataan skeptisch gegenüber tritt. In Kombination mit John Wayne meint man das Pathos schon fast riechen zu können.

Der Film spielt im Jahr 1941, kurz vor dem Angriff der Japaner auf Pearl Harbor. Die beiden Lieutenants Brickley (Robert Montgomery) und Ryan (John Wayne) sind einer Schnellbootflotille auf den Philippinen zugeteilt. Doch die Navy ist nicht von der Schlagkraft der kleinen Boote überzeugt und Ryan, der durchaus seine Karriere gefährdet sieht, möchte am liebsten versetzt werden. Der Kriegseintritt der USA ändert die Situation nur insofern, als dass Ryan doch auf den Philippinen verbleibt, denn die Marineführung hält weiterhin wenig von den wendigen Schnellbooten und hält für den kleinen Trupp zuerst nur Transport- und Kommunikationsaufgaben bereit. Doch auch diese Missionen sind alles andere als ungefährlich, was Ryan am eigenen Leib erfahren muss. Nur widerwillig lässt er sich in das nächste Lazarett bringen, wo er die Bekanntschaft der schönen Krankenschwester Sandy Davyss (Donna Reed) macht. Für eine große Romanze ist jedoch kaum Zeit, stehen die Japaner quasi vor der Tür und erst jetzt, als die Situation immer ernster wird, dürfen die Schnellboote auch Kampfeinsätze fahren. Trotz zahlreichen Erfolgen sind sie den heranrückenden Truppen zahlenmäßig deutlich unterlegen und schon bald wird die entscheidende Schlacht um die Philippinen folgen. Vorher muss der Trupp jedoch noch eine Geheimmission absolvieren: die Evakuation der Militärelite auf den Philippinen, damit diese mit einem Flugzeug nach Australien ausgeflogen werden können. Noch einmal werden alle Kräfte mobilisiert.

Schnellboote vor Bataan ist ein schönes Beispiel dafür, wie schnell sich ein Genre unter Umständen ändern kann. Während amerikanische Kriegsfilme zu Beginn des Zweiten Weltkriegs noch von patriotischen „Wir schlagen zurück“-Reden durchzogen waren und heroische Soldaten bis zum letzten Atemzug für ihr Vaterland kämpften, hat sich 1945 der Duktus geändert. Inzwischen waren die Genrebeiträge subtiler geworden, ruhiger und vor allem authentischer, da diverse Veteranen an den Produktionen mitwirkten, die Schauspieler zum Teil selbst dienten – Montgomery war zum Beispiel einem Schnellbootkommando zugeteilt und sich das Blatt des Krieges natürlich auch gewendet hat. Das amerikanische Publikum brauchte keine unmittelbare Unterstützung und Erinnerung an die vernichtenden Niederlagen von z.B. Pearl Harbor und den Philippinen. Das Blatt hatte sich gewendet, man hatte zurückgeschlagen. So versucht Ford auch viel mehr, den Alltag der Soldaten darzustellen, die ihren Dienst auf den Philippinen abgeleistet haben. Speziell dieses Dienstableisten hat eine hohe Bedeutung für den Film, was spätestens in den Schlußszenen verdeutlicht wird. Halsbrecherische Kamikazeunternehmen sucht man hier genauso vergebens, wie eine unmenschliche Darstellung der Japaner. Sowieso sucht man den Feind hier vergeblich, denn bis auf einige wenige Szenen, in denen man japanische Flieger und Schiffe sieht, bekommt man ihn nicht zu Gesicht und doch scheint er allgegenwärtig zu sein. Dies soll wiederum nicht bedeuten, dass man hier schon von einer kritischen Aufarbeitung der Geschehnisse sprechen kann, nicht bei einem John-Ford-Film aus dieser Zeit und natürlich trifft man noch immer auf Pathos, speziell das letzte Bild des Films ist dafür ein gutes Beispiel aber insgesamt hat man dieses Element auf ein erträgliches Maß reduziert.

Rein inhaltlich ist der Film fast episodenhaft aufgebaut, wobei besonders die John Wayne – Donna Reed Episode ein wenig zu einem Bruch führt und Schnellboote vor Bataan ein wenig in die Länge zieht. Zum Schluß merkt man schon, dass man stramm auf die 140 Minuten zugeht. Nichtsdestotrotz wusste sich John Ford zu helfen und hat die restlichen Szenen teils spektakulär auf die Leinwand gebannt. Unter Zuhilfenahme der US-Streitkräfte wurden so waghalsige Actionszenen inszeniert, die vor 65 Jahren sicherlich noch eine ganz andere Wirkung hatten als heute. Da brausen die Schnellboote durch die Gewässer Floridas – hier wurde gedreht – und werden von Fliegern beschossen, von Küstenbatterien ins Kreuzfeuer genommen und die Geschützkugeln schlagen nur wenige Meter neben ihnen im Wasser ein. Blickt man jetzt noch kurz auf die schauspielerische Seite, findet man natürlich routinierte Arbeit vor, wenngleich Montgomery, der am Set wohl auch von John Ford bevorzugt behandelt wurde und diesen sogar als Regisseur vertreten hat, als Ford krank war, Wayne die Schau stiehlt. Im Grunde aber kein Wunder, dürfte der Dreh für Montgomery eine Rückkehr auf bekanntes Terrain gewesen sein.

Insgesamt ist John Ford ein äußerst guter Genrebeitrag gelungen, der nicht ganz pathosfrei eine unterhaltsame und stellenweise durchaus emotionale Geschichte aus den frühen Kriegstagen der USA erzählt, die sicherlich auch für Einsteiger geeignet ist. Die Zähe mancher Abschnitte des Films und die etwas zu lang geratene Laufzeit fallen dabei negativ ins Gewicht: 7,5/10.

Kim Novak Film Collection - ab August von Sony

2010-05-31T17:48:00.000+02:00

Die guten Seelen bei Sony haben ein weiteres Klassikerset angekündigt. So erscheint am 10. August die Kim Novak Film Collection mit fünf Filmen der berühmten Schauspielerin. Bei diesem Set wurde vor allem auf die Restaurierung der bereits erhältlichen Titel Picnic und Bell Book and Candle geachtet, die wie viele andere ältere Farbfilme unter erheblichen Ausbleichungserscheinungen litten.
Dies soll dank neuer Restaurationen nun nicht mehr der Fall sein und so erscheinen diese beiden Titel in neuer Pracht und teilweise auch endlich im OAR auf DVD.
Insgesamt werden fünf Filme an Bord sein:

Picnic (1955) (Remastered)
Pal Joey (1957) (Remastered)
Jeanne Eagles (1957) (DVD-Premiere)
Bell Book and Candle (1958) (Remastered)
Middle of the Night (1959) (DVD-Premiere)

Als Extras lassen sich auf der Sony-Homepage folgende Angaben finden:

Kim Novak's Hollywood Picnic
Reflections In The Middle of The Night
Backstage and At Home with Kim Novak
Select Scenes Commentary with Kim Novak and Author Stephen Rebello
Bewitched, Bothered and Blonde

Die Nacht der Creeps

2010-05-28T23:19:00.000+02:00

Was boten die 80er noch gleich neben knalligen Farben, Schulterpads und der Neuen Deutschen Welle? Genau, liebevolle Filme mit Kultcharakter und Die Nacht der Creeps ist einer dieser Vertreter und das sicherlich nicht, weil hier wie doof an der Goreschraube gedreht wird. Letzteres liegt viel mehr an dem gelungenen Mix aus B-Horror-Hommage, 80s-Teen-Flick, viel Witz und ein wenig Splatter. Der Film beginnt in den schwarzweißen 50er Jahren. Während sich auf der Erde die Collegeteens zum Ausgehen bereit machen, wird auf einem Alien-Raumschiff ein Experiment sabotiert und die Versuchstiere freigelassen. Diese rauschen nun in Richtung blauer Planet und just in diesem Moment hat es sich ein Pärchen auf dem "Fummelfelsen" gemütlich gemacht. Zu allem Überfluss ist auch noch ein irrer Axtmöder entflohen und dreimal dürft ihr raten, wo er wieder auftauchen wird. Cut. Die knalligen 80er sind am Start und die beiden College-Loser Chris (Jason Lively) und J.C. (Steve Marshall) auf Brautschau. Besonders die schöne Cynthia (Jill Whitlow) hat es Chris angetan und um seiner Meinung nach die Chancen bei ihr zu vergrößern, überredet er J.C. dazu, dass sich die beiden der beliebten Studentenvereinigung anschließen. Das Aufnahmeritual sieht dabei vor, dass die Beiden eine Leiche stehlen und diese vor einer anderen Vereinigung platzieren. Kurzerhand wird in die medizinische Fakultät eingebrochen, wo sie die Leiche aus einem Experiment klauen - es ist unser tiefgefrorener Schönling aus den 50s. Ein mächtig großer Fehler, wie sich schnell herausstellt, hatte er doch unschönen Kontakt mit dem "Alienabfall". Bald häufen sich die Morde und Detective Ray Cameron (Tom Atkins) hat alle Hände voll zu tun, knappert aber selbst an seiner Vergangenheit. Naja und Chris muss ja noch Cynthia für sich gewinnen. Was hier ein wenig überfrachtet klingt, ist in Wirklichkeit eine überaus unterhaltsame Story, voller toller Charaktere. Auch wenn Chris und J.C. ein wenig geekig erscheinen, wurden ihnen geniale Dialoge in den Mund gelegt und so macht es schon allein Spaß, die Beiden bei Chris Annäherungsversuchen zu beobachten. Dazu merkt man an jeder Ecke, dass Regisseur Frank Dekker B-Movie-Fan war. Das beginnt bei den unförmigen Aliens im Raumschiff und zieht sich über die selbstironischen Monologe bis zum Ende hin durch. Dazu gibt es kultige One Liner von Tom Atkins, der wie aus einem Hard Boiled-Roman entsprungen daherkommt. Eingefangen ist das Alles in die knallig bunten Farben der 80er, inkl. Synthesizer-Score, oder aber in authentischem Schwarzweiß und Rock'n Roll der 50er. Wenn zum Finale dann die Infizierten Überhand nehmen, hat auch ein Peter Jackson zugeschaut und sich Beseitigungstipps geholt. Auch wenn in den Momenten gesplattert wird, bleibt es aber weiterhin im Rahmen und fügt sich harmonisch in das Gesamtbild ein. So bleibt am Ende auch nur ein Fazit zu ziehen: Die Nacht der Creeps macht einfach Spaß und verdient sich die 08/10 Punkte auch spielend leicht.

PS. Die US-Blu-ray ist nen Knüller. Klare Kaufempfehlung.

In den Klauen der Mafia

2010-05-26T23:33:00.001+02:00

Raus aus der Schreibabstinenz und hinein in das Vergnügen italienischer Filmkunst. Erneut sitzt Stelvio Massi auf dem Regiestuhl doch diesmal hat er die lustigen Sperenzchen daheim gelassen und fährt bei In den Klauen der Mafia vollends auf der harten Schiene. Getreu dem Motto, gut gemopst ist halb gewonnen, trifft man bei der Story auf einen alten Bekannten. Yojimbo bzw. Für eine Handvoll Dollar stehen auch hier Pate und werden in diesem Poliziotteschi verwurstelt. Im Gegensatz zu manch anderem Kollegen macht man auch gar kein Hehl daraus, und lässt 90% der Originalstory so bestehen. Nur hier und dort gibt es ein paar Neuigkeiten und natürlich jede Menge Gewalt und Sleaze als Gewürzmischung, damit das aufgewärmte Gericht auch schmeckt. Carlos Monzon mimt hier den Part des Fremden, der die Verhältnisse auf den Kopf stellt und die beiden Gangstersyndikate gegeneinander auspielt. Hier hat er dann auch eine richtige Backstory bekommen, die am Ende aufgeklärt wird, der Figur jedoch das Mystische raubt aber nun gut. Anstelle eines Spelunkenwirts bzw. eines Sargbauers sind es hier ein arbeitsloser "Neapolitaner" inkl. blinder "Tochter", die dem Fremden zur Seite stehen. Wie schon erwähnt, ist ja die Story bekannt und so blicken wir noch kurz auf die beiden Gangsterbanden, die schon bald ausradiert werden: Auf der einen Seite gibt es die Manzettis, angeführt von Rico (Luc Merenda), ein Meisterschütze und kaltblütiger Killer. Ihm gegenüber steht Bobo Belmondo, ein weiterer ehrenwerter Bürger Italiens. Wenn man jetzt davon absieht, dass man den Film mit dem Vorwissen der Originale blind voraussehen kann, ist er trotzdem noch immer äußerst unterhaltsam. Dies liegt natürlich an der Inszenierung. Wie schon angeführt, packt man hier die Sleazekeule aus, um das Publikum zu locken und so gibt es diverse blutige Schußwechsel und auch das weibliche Geschlecht wird des Öfteren entblößt zur Schau gestellt. Äußerst amüsant ist ja die Unterhaltungsshow in Bobos Nachtclub aber seht selbst. Funky ist auch die musikalische Untermalung aus der Feder Luis Enríquez Bacalovs, der den meisten Kill Bill-Guckern zwar namentlich nicht bekannt ist aber dafür musikalisch. Leider, leider passt es auf der schauspielerischen Seite dann auch nicht wirklich. Luc Merenda ist zwar ein halbwegs bekanntes Gesicht im Genre aber an einen Gian Maria Volonte kommt er nicht ran und so ist sein Rico Manzetti auch wenig bedrohlich. Auch Monzon kann z.B. Eastwoods Poncho nicht wirklich ausfüllen. Er wirkt zwar meist bemüht aber das hilft auch nicht weiter. Fans der anderen italienischen Filmkunst kommen nichtsdestotrotz auf ihre Kosten und so gibt es am Ende noch 06/10 für In den Klauen der Mafia.

Mission Force

2010-05-15T17:08:00.000+02:00

Selten hatte ich größere Probleme meine Gesichtszüge zu kontrollieren als bei diesem Prachtexemplar asiatischer Filmkunst. Der Ausdruck "Was zur Hölle..." brannte sich förmlich bei mir ein und das schon nach den ersten fünf Minuten Mission Force. Für uns Langnasen ist es ja meist eh schon schwer, mit dem fernöstlichen Humor klarzukommen, doch was während dieser Trashgranate auf einen losgelassen wird, grenzt schon fast an Körperverletzung. Sicherlich ist der Film als Persiflage/Satire oder was auch immer gedacht aber hier wird eindeutig über das Ziel hinausgeschossen. Die Story, sofern man von einer überhaupt sprechen kann, dreht sich um vier entführten Generäle, die von einer Spezialtruppe befreit werden sollen. So heuert man auch einige bekannte Hongkong-Gesichter an, u.a. Brigitte Lin, die ihrerseits schon aussehen, als wenn sie aus einem Kuriositätenkabinett entsprungen wären. Doch damit nicht genug, trifft man unterwegs auf kriegerische Amazonen mit Jutesäcken auf dem Kopf, auf ein Spukschloss samt Geistern und anschließender schwarzer Messe und weil das nicht genug ist, auf asiatische Nazis, die im Destruction Derby-Stil durch die Prärie brausen. Zwischendrin taucht dann auch Jackie Chan auf, vom deutschen Dialogbuch auch mal Hühner Heinz getauft, um ein paar wenige Kampfszenen zu bestreiten. Nach Beendigung eben jener verschwindet er aber auch so schnell wie er gekommen ist. Mission Force ist im Grunde nur eine Aneinanderreihung von bizarren Ideen, insofern sind die Verbindungsszenen auch mölichst kurz gehalten und dank miserabler Filmschnittkenntnisse gar schröcklich realisiert. Überspitzt formuliert ist hier eigentlich alles schrecklich und einzig Liebhaber mit ausgeprägtem Trashsinn kommen hier auf ihre Kosten. Für den Rest strahlt Mission Force eine ähnliche Faszination aus wie ein Auffahrunfall auf der Autobahn: eigentlich will man ja nicht hinsehen, tut es am Ende aber doch: 02/10.

Die Gangster-Akademie

2010-05-15T16:40:00.001+02:00

Auch Gauner müssen in die Schule und besuchen in Stelvio Massis Die Gangster-Akademie das Institut von Monnezza (Tomas Milian). Dieser ehemalige Gauner hat sich offiziell zurückgezogen und betreibt neben einem kleinen Ristorante seine "Schule", um dem Kleingauner- nachwuchs die korrekten Verhaltensregeln für Taschen- und Trickdiebe zu vermitteln. Damit wäre ein Sub-Plot in Massis unausgegorenem Poliziotteschi erwähnt, der sich um Milians Charakter dreht, der zumeist mit losem Mundwerk einen Kleinkrieg mit seiner Frau/Freundin austrägt oder Monologe mit seinem Sohnemann führt. Dem gegenüber steht Luc Merendas Kommissar Ghini. Wie für das Subgenre üblich ist er knallhart und neigt zur Selbstjustiz, weil die italienische Rechtsprechung in seinen Augen zu lasch ist. Wie dem auch sei, zeigt sich der Film in diesen Szenen bekannt kompromisslos und actionlastig, jedoch inspirationslos, denn die eigentliche Story des Films, in der nunmal Ghini im Vordergrund steht, kristallisiert sich erst zum Ende richtig heraus und dann geht es Schlag auf Schlag. Im Grunde verfolgt Ghini die beiden gemeingefährlichen Gauner Lanza und Belli, die auch vor Mord nicht zurückschrecken, doch der Film schwänkt aufgrund anderer Geplänkel immer wieder davon ab: So beobachtet man Ghini, wie er Vergewaltiger und anderes Gesindel verdrischt oder es gibt Zwischenschnitte auf Monnezza, wo dann nicht nur mit der eigentlichen Story gebrochen wird, sondern auch mit dem Ton des Films. Auf der einen Seite knallharte, stellenweise brutale Action und dann gibt es Kalauer auf fraglichem Niveau. Das hinterlässt kaum ein befriedigendes Gefühl. Sicherlich waren Synchros aus dieser Zeit nie ganz lupenrein aber hier kriselt es am Gesamtkonzept, denn diese Brüche im Film gehen auf Massis Konto. Selbst funky Italo-70s-Mucke, Milian, Merenda und Co. können Die Gangster-Akademie nicht retten und selbst hartgesottene Fans dürften eventuell ihre Probleme mit dem Film haben: 05/10 - mit zugedrückten Hühneraugen.

Three Silent Classics by Josef von Sternberg - im August von Criterion

2010-05-14T20:38:00.000+02:00

Criterion, die DVD/Blu-ray Edelschmiede aus den USA, hat endlich die drei Josef von Sternberg-Stummfilme angekündigt, die schon seit Monaten, wenn nicht sogar seit Jahren in Arbeit waren. Ab dem 24. August 2010 können Filmfreunde das Three Silent Classics by Josef von Sternberg - Set käuflich erwerben, das folgende Ausstattung beinhalten wird:

Die Filme:

Underworld (1927)
The Last Command (1928)
The Docks of New York (1928)

Die Daten:

New, restored high-definition digital transfers
Six scores: one by Robert Israel for each film; two by the Alloy Orchestra, for Underworld and The Last Command; and a piano and voice piece by Donald Sosin for The Docks of New York
Two new visual essays: one by UCLA film professor Janet Bergstrom and the other by film scholar Tag Gallagher
1968 Swedish television interview with director Josef von Sternberg, covering his entire career
PLUS: A ninety-six-page booklet featuring essays by film critic Geoffrey O’Brien, film scholar Anton Kaes, and author Luc Sante; the original film treatment for Underworld by Ben Hecht; and an excerpt from Sternberg’s autobiography, Fun in a Chinese Laundry, on Emil Jannings

Der eiskalte Engel

2010-05-11T00:43:00.000+02:00

Regisseure wie John Woo oder Johnnie To verehren Jean-Pierre Melvilles Le Samouraï und für viele Filmfans ist Alain Delons Jef Costello die personifizierte Coolheit. Produziert im Jahre 1967 wirkt er doch fast wie ein Fremdkörper in der Kinolandschaft jener Tage. Dabei ist der Film stilistisch und inhaltlich nur eine konsequente Fortsetzung in Melvilles Œuvre. Das klassische US-Kino trifft auf die Nouvelle Vague. Garniert mit einer Prise Samuraifilm entstand so ein zeitloser Klassiker.

Jef Costello (Alain Delon) ist ein Killer, ein eiskalter Profi. Normalerweise erledigt er seine Aufträge präzise. Bei seinem letzten Job, dem Mord an einem Pariser Barbesitzer, wird er jedoch von mehreren Personen beobachtet. Zwar hat er ein scheinbar wasserdichtes falsche Alibi, ausgestellt von (s)einer Freundin Jan (Natalie Delon), doch trotzdem muss er ein stundenlanges Verhör auf dem Polizeirevier über sich ergehen lassen. Es kommt sogar zu einer Gegenüberstellung mit den verschiedenen Augenzeugen. Zu Jefs Verwunderung wird er jedoch nicht eindeutig wiedererkannt. Auch nicht von der Pianistin des Clubs Valérie (Cathy Rosier), der er bei seiner Flucht nahezu in die Arme gelaufen ist. So wird Jef wieder entlassen. Die Polizei ist sich jedoch weiterhin sicher, den richtigen Mann vor sich gehabt zu haben und so beschatten sie von nun an Jef. Zu allem Überfluss wollen nun auch Jefs Auftraggeber, dass dieser von der Bildfläche verschwindet, weil er ja erkannt wurde. Ein erster Mordversuch schlägt fehl und Jef beginnt, den Spieß umzudrehen...

Schweigen ist Gold und an diese Maxime hält sich Melville. Fast 10 Minuten vergehen bis Alain Delon seinen ersten Dialog hat. Worte sind zweitranging und wenn gesprochen wird, dann nicht ohne Grund. Sonst reichen Delons Präsenz und Melvilles Gespür für Bildkompositionen, um den Film und die Geschichte voran zu treiben. Letzteres ist natürlich insofern nicht so schwer, als dass das Grundgerüst nicht zu komplex ist und sich inhaltlich am amerikanischen Gangsterfilm/Film Noir orientiert. Doch erst durch die europäischen Einflüsse, wie eben die Nouvelle Vague und die Reduktion bekannter Elemente, wie eben des Dialogs, zeichnen die Narration und damit einhergehend den gesamten Film aus. Herausragend ist da sicherlich die Eröffnungssequenz. Der Zuschauer blickt minutenlang in einen heruntergekommenen Raum. Zuerst bemerkt man sicherlich nur den Vogelkäfig und hört das Gezwitscher dessen Bewohners. Später fällt einem dann Jef Costello auf, wie dieser auf seinem Bett liegt und eine Zigarette raucht. Überspitzt formuliert braucht man ab dieser Stelle den Film gar nicht mehr weitergucken, erzählt diese Szene doch schon so viel über den weiteren Verlauf, ist Spiegel- und Vanitasbild, Ausgangspunkt für die Reise des verlorenen Titelhelden Jef Costello. Monsieur Melville, chapeau! Ich ziehe meinen Hut: 09/10.

Unter Kontrolle

2010-05-06T23:44:00.000+02:00

Der Apfel fällt nicht weit vom Stamm, heißt es, und doch gibt es manchmal Momente, da wird er anscheinend ganz weit weg getragen. Fräulein Lynch scheint solch ein Äpfelchen zu sein, denn auch ihr zweiter Spielfilm Unter Kontrolle mag nicht so wirklich zünden und dabei machte der Trailer noch so viel her - versprühte sogar ein wenig den Flair des berühmten Vaters. Gut, selbst ein Filmnovize weiß, dass zwischen Trailer und fertigen Film teilweise Welten liegen können und anstatt der mysteriösen Geschichte rund um einen Unfall in der Wüste, inkl. drei verschiedener Sichtweisen, wie es noch im Trailer angepriesen wird, bekommt man zu Beginn von Surveillance primär Langeweile geboten. Wie ein Kaugummi zieht sich die erste Stunde hin und abgesehen von ein paar wackeligen Rückblenden ganz zu Beginn, sucht man das Mysteriöse, das Spannende vergebens. Der Film begnügt sich viel mehr damit, die Geschichte im folgenden von drei Personen (einem degenerierten Cop, einem kleinen Mädchen und einer Drogensüchtigin) nacherzählen zu lassen, während die beiden FBI Agents Anderson (Julia Ormond) und Hallaway (Bill Pullman) sich die Geschichte anhören. So wechselt der Film immer wieder zwischen Kammerspiel ähnlichen Szenen und ausgiebigen Rückblenden. Das Problem dabei ist, man verliert sich in Trivialitäten, die die Story nicht wirklich voran bringen. Als Zuschauer ist man währenddessen immer auf der Suche nach dem Clou, der Überraschung, die dem Film über die Banalitätsebene verhilft, doch nichts dergleichen ist auffindbar. Am Ende gibt es zwar den obligatorischen Twist aber auch hier hat man das Gefühl, dass man das in diversen anderen Beiträgen schon wesentlich besser gesehen hat. Habe ich mich eigentlich schon über das bescheuerte Drehbuch in Bezug auf den degenerierten Cop aufgeregt? Im Grunde ist es sogar ein wenig schade, dass Unter Kontrolle am Ende nur im unteren Mittelfeld gelandet ist, hätte man aus der Grundidee sicherlich mehr rausholen können. Andererseits zeigt der Film auch schön Jennifer Lynchs Limitiertheit auf. Das Filmemachen sollte sie ihrem Vater überlassen: 04/10.

Jefferson Bolt - Reisender in Dynamit

2010-05-05T23:43:00.000+02:00

Fred Williamson, den meisten Lesern des Blogs mindestens durch seine Rolle in From Dusk Till Dawn bekannt, erlebte die Sternstunden seiner Karriere in den 70ern, als die sogenannten Blaxploitation-Filme die Kinos eroberten und afroamerikanische Actionstars geboren wurden. Jefferson Bolt - Reisender in Dynamit ist nun so ein Genrebeitrag, der aber sicherlich nicht zu den besten seiner Art gezählt werden darf und so eher für Fans von Interesse ist. Williamson schlüpft hier in die Rolle des Titelhelden Jefferson Bolt, seines Zeichens Kurier für heiße Ware, der in Hongkong den Job "angeboten" bekommt, eine Million Dollar via Los Angeles nach Mexico City zu transportieren. Da er die Moneten aber dem Zoll angemeldet hat, bekommen die Hintermänner kalte Füße und wollen Bolt schon in L.A. abfangen. Aber so einen kampferprobten Globetrotter schaltet man nicht so einfach aus und so gibt es für die Angreifer einen Satz heiße Ohren. Als jedoch Bolts Freundin bei einem ihm gegoltenen Attentat stirbt, wird der Spieß einfach umgedreht und nun wird Jagd auf die bösen Buben gemacht - vornehmlich in Hongkong. Preise erhält das Drehbuch nun wahrlich nicht, ist es doch vor allem ein ziemlich zusammengewürfeltes Etwas, was sich vor allem bei den Charakteren niederschlägt: Freund und Feind verschwimmen, das macht die Orientierung nicht einfacher und auch wenn es so gewollt war, wirkt es in dieser Form eher amateurhaft. Auch kämpft der Film mit einigen Hängern und so erweist sich die Laufzeit von über 100 Minuten auch als wenig förderlich. Zwar flitzt Bolt von einem Ort zum nächsten aber wirklich spannend oder aufregend wird es dabei selten. Ebenso fehlt auch ein gewisser Sleaze/Exploitationfaktor, der dem Film den gewissen Tick gibt. Gleiches gilt für zünftige Actionszenen, denn die gebotenen Einlagen sind stellenweise recht mickrig, wenngleich man ein bis zwei interessante Einfälle hatte. Nichtsdestotrotz rettet das den Film nicht wirklich und wenn man nicht gerade großer Fan des 70s-B-Kinos ist, wird man an Jefferson Bolt - Reisender in Dynamit weniger Freude haben: 04/10.

The American - Trailer

2010-05-04T14:28:00.000+02:00

Hier nun der Trailer zu Anton Corbijns zweitem Spielfilm The American mit George Clooney, der im September auch in unsere Kinos kommen wird. Kurzfazit: Gefällt mir aber ich schätze ja auch Clooney sehr. Aktuell sicherlich einer meiner Lieblingsschauspieler.

Jonah Hex - Trailer

2010-04-29T21:04:00.000+02:00

Vor ein paar Wochen oder Monaten war ich noch durchaus interessiert an dem Film aber dass es so lange kein bewegtes Material zu dem Film gab, war kein gutes Omen. Nun ist der erste Trailer aufgetaucht und der beantwortet wohl auch die Frage, warum man so lange warten musste, bis man ihn zu Gesicht bekam:

Nichts, was ich im Kino sehen muss! Wann gibt es endlich wieder einen ordentlichen Western im Kino?

Der Wilde

2010-04-27T00:47:00.001+02:00

Auch in den USA brach nach dem Zweiten Weltkrieg formell eine Zeit des Friedens und der Zufriedenheit an. Die Achsenmächte waren besiegt und das Land ging wirtschaftlich gestärkt und sozialpolitisch revolutioniert aus dem Krieg hervor, während der Eiserne Vorhang und der Kalte Krieg noch in ihrer Testphase steckten. Doch auch jenseits des großen Teichs war nicht alles Gold was glänzt und speziell die heimkehrenden Veterane und die amerikanische Jugend konnten sich nur schwerlich in jene (neue) Gesellschaft einordnen und suchten Ventile, um sich Luft zu verschaffen. László Benedeks The Wild One spielt in dieser Zeit und erzählt, lose basierend auf einem wahren Vorfall, von einigen dieser Suchenden, die sich zu einem Motorradclub zusammen- geschlossen haben, um als Black Rebels Motorcycle Club durch die Lande zu ziehen.

Nachdem die B.R.M.C.s unter Führung ihres Kopfes Johnny (Marlon Brando) kurzerhand ein offizielles Motorradrennen gestört haben und des Platzes verwiesen werden - natürlich nicht ohne ein kleines Souvenir in Form eines geklauten Pokals - stranden sie in Wrightsville, einem kleinen kalifornischen Kaff. Nach einem kleineren Unfall beschließt man, auch auf Drängen einiger Einwohner, erst einmal in der Stadt zu bleiben, damit das verletzte Clubmitglied verarztet werden kann. Während der örtliche Barkeeper das Geschäft seines Lebens macht, findet Johnny Interesse an der schönen Kathie (Mary Murphy), die zu allem Überfluss die Tochter des Dorfsheriffs ist, was bei Johnny wiederum auf wenige Gegenliebe stößt. Die allgemeine Situation ist zwar ausgelassen aber friedlich. Das ändert sich, als mit den Beetles eine weitere Bikergang in der Stadt ankommt. Deren Anführer Chino (Lee Marvin) und Johnny sind alte Bekannte und teilen daher auch handfeste Freundschaftsbekundungen aus. Als Chino jedoch mit einem Bewohner aneinandergerät und ins Gefängnis wandert, sind die Differenzen vergessen und die Situation droht zu eskalieren, zumal nun auch die Dörfler genug vom lautstarken Besuch haben und wenig später zur Selbstjustiz greifen.

Auch wenn der Film, wie eingangs schon erwähnt, auf einer wahren Begebenheit beruht, wurde die Geschichte für den Film natürlich weitaus drastischer dargestellt, als sie sich wirklich zugetragen hat. Dies ändert aber gar nichts an der eigentlichen Aussage von The Wild One, stehen doch hier Menschen im Vordergrund, die ihren Platz im Nachkriegsamerika nicht gefunden haben und auch noch auf der Suche nach ihrer Identität sind. Bezeichnend dafür ist Johnnys Antwort auf die Frage: "What're you rebelling against, Johnny?" - "Whaddya got?". Damit trifft der Film, der von seiner Art und Thematik her schon fast unamerikanisch zu sein scheint, jedoch den Zeitgeist, ein Phänomen, was auch für den Film Noir gilt. Schade ist übrigens, dass die amerikanischen Zensoren stellenweise gar nicht so einverstanden waren mit der Darstellung des braven Bürgers aber nichtsdestotrotz ist eine gewisse Ambivalenz in der allgemeinen Aussage des Films auch so noch spürbar. Passend zur Thematik wurde The Wild One auch in Schwarweiß gedreht und speziell hier merkt man, dass Benedeks Wurzeln beim Deutschen Expressionismus anzusiedeln sind und so hat er einige bemerkenswerte Einstellungen geschaffen. Der Film war übrigens auch für Marlon Brando bedeutend, hinterließ sein Auftritt als Johnny doch bleibenden Einfluss in der Popkultur. Wer kennt denn nicht das Bild von ihm mit Lederjacke, Schiebermütze und Motorrad? Sicherlich bietet der Film, speziell aus heutiger Sicht, einige unfreiwillig komische Szenen, wenn zu sehr übertrieben wurde aber das sind nur Kleinigkeiten, die das Vergnügen kaum schmälern. 08/10

Noir-licious Tage im Juli

2010-04-23T19:20:00.000+02:00

Nachdem Anfang April Warner schon die The Film Noir Classic Collection Vol. 5 für den Juli angekündigt hat, gibt es nun auch von anderen Studios weiteren Genrenachschub im Juli:

Wie aus gut unterrichteter Quelle bekannt wurde, wird Sony die Columbia Pictures Film Noir Classics II am 06. Juli 2010 veröffentlichen. Das Set wird fünf Filme enthalten, die so ihre US-DVD-Premiere feiern:

Human Desire (1954)
Pushover (1954)
Nightfall (1957)
The Brothers Rico (1957)
City of Fear (1959)

Die offizielle Ankündigung dürfte in den kommenden zwei Wochen erfolgen und dann wird man auch sehen, ob erneut Bonusmaterial mit an Bord sein wird.

Im Februar hatte ich schon berichtet, dass Olive Films 27 Paramount-Titel lizensiert hat und diese ab dem Sommer veröffentlicht werden. Nun sind die ersten vier Film angekündigt und sie erscheinen ebenfalls am 13. Juli. Natürlich, um thematisch zum Blogeintrag zu passen, hat man sich entschieden, gleich drei Film Noir in den ersten Schwung zu packen. Die Film wurden allesamt von 35mm-Material abgetastet und restauriert, werden aber höchstwahrscheinlich ohne Bonusmaterial erscheinen:

Dark City (1950)
Union Station (1950)
Appointment with Danger (1951)
Crack in the World (1965)

Die Cover und Infos stammen wie so oft von den guten Menschen von Classicflix.com.

Der Polyp - Die Bestie mit den Todesarmen

2010-04-22T00:48:00.002+02:00

Tentacoli: Was wie ein Fischgericht beim Lieblingsitaliener klingt ist in Wahrheit faustdicker Italokäse für Trashgourmets. Dank des Erfolgs des Spielberg'schen Weißen Hais tauchten sie Mitte der 70er aus den Untiefen der Filmmeere auf, die Killerbarracuda, Piranhas, Kraken und Seegurken und auch Der Polyp - Die Bestie mit den Todesarmen schwimmt so eindeutig auf der Welle mit, dass es schon fast weh tut. Hier ist natürlich ein gemein- gefährlicher Kraken, der sich nicht nur die Babys vom Ufer klaut, sondern auch Schwimmer, Taucher und ganze Motorboote attackiert. Kein Wunder also, dass die Polizei im Laufe des Films unruhig wird und zusammen mit der Legende John Huston - im Film als Journalist Ned Turner unterwegs - startet man die Ermittlungen und trifft dabei u.a. auf Henry Fonda, der in drei kurzen Einspielern einen fiesen Baumagnaten mimen darf, der da im Meer die Tunnels bohrt und auf andere bekannte Namen wie z.B. Bo Hopkins und Shelley Winters, die vor allem eins sind: hemmungslos unterfordert angesichts dieses zusammengeschusterten Skripts. Im Grunde wird hier wirklich die Jaws-Story recyclet inkl. maritimen Großereignis (Regatta), ungläubigen Beamten und einer finalen Jagd auf dem offenen Meer samt Orca-Handpuppen und Gummitentakeln. Halt, das gab's bei Spielberg natürlich nicht, dafür aber hier und da merkt man auch, in welcher Liga man sich befindet. Bei diesem possierlichen Endkampf hat man wahrlich Tränen in den Augen - vom Lachen. Der Rest vom Film ist da wesentlich nüchterner, weil langweilig, denn selbst als Jaws-Kopie funktioniert hier nahezu nichts, kommt keine Spannung auf und einzig Stelvio Ciprianis 70s-Italo-Score lässt ein bisschen Freude aufkommen. So bleibt am Ende auch nur ein Fazit zu ziehen: Ganz großer Schuß in den Ofen aber immerhin mit Puppen-Orcas und daher noch knapp 2/10.

Nur 48 Stunden

2010-04-15T23:36:00.000+02:00

In den 80ern war die Welt noch in Ordnung - zumindest für die meisten Actionfans, die ich kenne. Die Hasswörter PG-13 und CGI und die daraus resultierenden filmischen Auswüchse schienen noch in weiter Ferne und Hollywood tobte sich in diversen A- und in vielen weiteren B-Produktionen ordentlich aus. So auch Walter Hill, der mit Nur 48 Stunden einen seiner bekanntesten Beiträge ablieferte und damit gleichzeitig als Geburtshelfer der Buddy Cop-Filme fungierte. Nick Nolte (Jack Cates)und der damals durch SNL bekannte Eddie Murphy (Reggie Hammond) wurden hier als ungleiches Paar zusammengeführt, um gemeinsam den Cop-Killer und entflohenen Sträfling Albert Ganz zu stellen. Cates, der wegen seiner ruppigen Art im Department nicht überaus beliebt ist, benötigt für dieses Unterfangen eben die Hilfe jenes Reggie Hammonds, ehemaliger Mittäter von Ganz bei einem Raubüberfall, der jedoch noch seine Haftstrafe im staatlichen Gefängnis absitzt. Also wird Hammond kurzerhand für 48 Stunden von Cates ausgeliehen und man kann sich denken, dass Reggie nicht wirklich begeistert ist von seinem neuen Job. Reibereien zwischen den beiden Sturköpfen sind vorprogrammiert, doch Hammonds Motivation steigt schlagartig, als es darum geht, die damalige Beute zu sichern, hinter der Ganz her ist und so geben Cates und Hammond doch noch ein schlagfertiges und -kräftiges Duo ab. In einer gutsortierten Actionsammlung darf jener Film garantiert nicht fehlen, hat Walter Hill mit Nur 48 Stunden doch einen großen Wurf abgeliefert, der eine genreübliche Story über alle Maße durch seine Hauptdarsteller und deren Chemie untereinander aufwertet. Trotz der Tatsache, dass es im Film beileibe nicht zimperlich zugeht, bleibt auf der anderen Seite auch kein Auge trocken, was an den markigen Onelinern liegt, die sich Nolte und Murphy hier gegenseitig an den Kopf werfen. Political Correctness komplett ausgeblendet, bekommt man hier Knaller zu hören, die einen mit den Ohren schlackern lassen und so ist es diese Mischung aus bekannten, harten Actionelementen und dem losen Mundwerk des ungleichen Paars, die den Film so erfolgreich gemacht hat. Untermalt von James Horners treffsicheren Score macht der Film auch fast 30 Jahre später noch immer verdammt viel Spaß: 08/10.

TCM: Spotlight: Errol Flynn Adventures Collection - im August!

2010-04-13T20:16:00.002+02:00

Froide. Froide. Warner scheint aus dem Winterschlaf erwacht. Anders lässt sich die kleine DVD-Offensive im Sommer nicht erklären. Erst Charlie Chan, dann Film Noir und nun Errol Flynn.

Wie der gute David Greenstreet von Classicflix heute gebloggt hat, scheint das versprochene Flynn-Set als TCM: Spotlight: Errol Flynn Adventures Collection am 03. August in den USA zu erscheinen. Dabei wird das 5-Disc aller Voraussicht nach vier DVD-Premieren enthalten:

Desperate Journey (1942)

BONUS FEATURES:

* Warner Night at the Movies 1942 Short Subjects Gallery:
o Vintage Newsreel
o Oscar-Nominated Patriotic Short The Tanks Are Coming
o Musical Shorts Borrah Minnevitch and His Harmonica School and The United States Army Air Force Band
o Classic Cartoon The Dover Boys at Pimento University or the Rivals of Roquefort Hall
* Trailers of Desperate Journey and 1942’s Murder in the Big House

Edge of Darkness (1943)

BONUS FEATURES:

* Warner Night at the Movies 1943 Short Subjects Gallery:
* Vintage Newsreel
* Musical Short The United States Service Bands
* Classic Cartoons Hiss and Make Up and To Duck….or Not to Duck
* Trailers of Edge of Darkness and 1943’s The Hard Way

Northern Pursuit (1943)

BONUS FEATURES:

* Warner Night at the Movies 1943 Short Subjects Gallery:
o Vintage Newsreel
o Wartime Short The Rear Gunner
o Musical Short All-Star Melody Masters
o Drama Short Over the Wall
o Classic Cartoon Hop and Go
* Trailers of Northern Pursuit and 1943’s The Constant Nymph

Uncertain Glory (1944)

BONUS FEATURES:

* Warner Night at the Movies 1944 Short Subjects Gallery:
o Vintage Newsreel
o Musical Short Unted States Coast Guard Band
o Classic Cartoons Brother Brat and Russian Rhapsody
* Trailers of Uncertain Glory and 1944’s The Mask of Dimitrios

Objective, Burma! (1945)

BONUS FEATURES:

* Commentary by Historians Rudy Behlmer, Jon Burlingame and Frank Thompson
o Warner Night at the Movies 1945 Short Subjects Gallery:
o Vintage Newsreel
o Joe McDoakes Comedy Short So You Think You’re Allergic
o Classic Cartoon A Tale of Two Mice
* Trailers of Objective, Burma! and 1945’s Pride of the Marines

Hier ist auch schon das Cover für das Schmuckstück.

Bleibt nur zu hoffen, dass dies nicht nur ein kurzes Aufflammen ist und wir im Herbst, Winter und im nächsten Jahr noch ein paar mehr schicke Sets von Warner bekommen. *hust*Bette Davis, Forbidden Hollywood, Jean Harlow, mehr Bogey, endlich die Stummfilme (Greed und co.)*hust*

Die Zeit nach Mitternacht

2010-04-11T03:58:00.000+02:00

Selbst so bekannte Regisseure wie Martin Scorsese haben Arbeiten in ihrer Filmographie, die in Vergessenheit geraten sind, weil sie im Schatten bekannterer Werke stehen bzw. fast nie im Fernsehen gezeigt werden. Die Zeit nach Mitternacht ist solch ein Beitrag, der zu Unrecht ein Schattendasein fristet. Gedreht wurde er Mitte der 80er, einer Zeit, in der Scorsese seinen genialen Frühwerken hinterher zu laufen schien - zumindest wenn es um die Gunst der Kritiken ging. Dabei ist After Hours, so der Originaltitel, kein Film, der sich verstecken muss. In dieser schwarzen Komödie wird eine Nacht im Leben des Computerspezialisten Paul Hackett (Griffin Dunne) beleuchtet, die er und die Zuschauer so schnell nicht wieder vergessen werden. Dabei hat sie so schön angefangen, hat doch Hackett die Bekanntschaft der schönen Marcy (Rosanna Arquette) gemacht, die ihm auch prompt ihre Telefonnummer hinterlassen hat. Ein erstes Date ist schnell arrangiert, doch recht flott merkt Paul, dass Marcy ein paar ernste Probleme zu haben scheint und auch Marcys Mitbewohnerin Kiki macht einen durchaus skurrilen Eindruck. Also lässt Paul sein Date sitzen und möchte nur noch nach Hause, womit seine Odyssee im nächtlichen New York beginnt. Dass er nämlich nicht so schnell sein Heim erreichen wird, dafür sorgen ganz andere Gestalten der Nacht. Durchaus surrealistisch präsentiert sich jene schwarze Komödie, die gleichzeitig auch eine Liebeserklärung an die Stadt New York samt ihrer nächtlichen Bewohner darstellt. Dabei schafft es Scorsese spielerisch, die Spannung aufrecht zu halten und als Zuschauer leidet man förmlich mit, wenn sich Paul immer weiter von seinem Ziel, seinem Heim, entfernt und von einer haarsträubenden Situation zur nächsten gerät. Paranoia ist omnipräsent. Eingefangen wurde das Ganze von Michael Ballhaus Kamera, der sein komplettes Repertoire zeigen darf und so wunderschöne Bilder dieses nächtlichen Alptraums auf die Leinwand bannt. Man muss diese Achterbahnfahrt gesehen haben, um nachvollziehen zu können, was für ein großer Wurf hier eigentlich gelungen ist und hat man den Film einmal gesehen, ist man seinem Bann schutzlos ausgeliefert und möchte wieder eintauchen in Die Zeit nach Mitternacht: 09/10.

The Other Guys - Trailer

2010-04-09T21:06:00.001+02:00

Wer die Flash-Datei nicht mehr ertragen kann, klickt mit der rechten Maustaste auf das Bild und entfernt den Haken bei "Abspielen".

Will Ferrells Filme mag man oder nicht. Dazwischen gibt es kaum Abstufungen. So dürfte auch der Trailer für seinen nächsten Film The Other Guys nicht bei jedem Leser auf Gegenliebe stoßen. Angesichts des Casts aus Samuel L. Jackson, Dwayne Johnson, Eva Mendes und Mark Wahlberg sowie der ersten bewegten Bilder bin ich dem Ganzen nicht ganz abgeneigt:

Cowboys & Aliens - Harrison Ford an Bord

2010-04-07T23:23:00.001+02:00

Jon Favreau, dessen Iron Man 2 im Mai in die Kinos kommt, hat auf seiner Twitterseite bestätigt, dass Harrison Ford für Cowboys & Aliens unterschrieben hat und an der Seite von Daniel Craig, der Robert Downey Jr. ersetzt hat, und Olivia Wilde zu sehen sein wird.

Der Film basiert, wie sollte es heutzutage auch nicht anders sein, auf einem Comic und handelt von einer Truppe Cowboys und Indianer, die sich im Wilden Westen den Alieninvasoren entgegenstellen.

Ziemlich abgedreht also und man darf gespannt sein, was da schlußendlich auf die Zuschauer losgelassen wird. Aktuell ist der 29. Juli 2011 als US-Start angepeilt.
Mehr zur Story inkl. eines Teasers zum Comic auf /film.

Ich folgte einem Zombie

2010-04-05T22:29:00.001+02:00

Für Fans klassischer Horrorfilme ist Val Lewton eine feste Institution. Als Chef der Horror-Abteilung der RKO Pictures zeichnete er sich für neun Genrebeiträge verantwortlich, die heute Kultstatus genießen und Lewtons Namen unsterblich machten. Trotz der Tatsache, dass diese Filme für wenig Geld als B-Produktionen abgedreht wurden,überzeugen sie doch vor allem aufgrund ihrer hochwertigen Geschichten und setzen sich damit leicht von anderen Produktionen jener Zeit ab, auch wenn die Titel stellenweise publikums-
wirksam reißerisch ausgewählt wurden - Lewton selbst konnte sich nicht dagegen wehren, hatte er darüber keine Kontrolle. Letzteres sollte man dann auch im Hinterkopf haben, wenn man sich Jacques Tourneurs I Walked with a Zombie zur Brust nimmt, der auch die Zombie-Thematik anders beleuchtet, als man es aus den "of the Dead"-Filmen und ähnlichen "moderneren" Vertretern kennt.

Der Film selbst spielt auf einer Karibikinsel, auf die es die Kanadierin Betsy (Frances Dee) verschlägt, soll sie doch dort als Krankenschwester arbeiten und die kranke Ehefrau des Plantagenbesitzers Paul Holland (Tom Conway) pflegen. Auf der Insel angekommen, lernt Betsy auch Pauls Halbbruder Wesley (James Ellison) kennen und realisiert schnell, dass Paul, dessen Frau Jessica und Wesley eine gemeinsame, unrühmliche Vergangenheit haben, welche wohl auch zu Jessicas Erkrankung beigetragen hat. Zu allem Überfluss verliebt sich Betsy auch noch in Paul, will aber ihren Gefühlen keinen freien Lauf lassen und stattdessen als Zeichen ihrer Liebe Jessica, die nach einem tropischen Fieber den Verstand verloren hat und nun, nur noch einer Hülle gleich, vor sich hin vegetiert, helfen, wieder zu Sinnen zu kommen. Dabei scheut sie es auch nicht, die örtlichen Voodoo-Rituale als Heilmittel in Betracht zu ziehen, wodurch das Unheil seinen Lauf nimmt...

Der Begriff Zombie bezieht sich hier also auf das klassische Bild eines willenlosen Wesens und hat nichts mit den bluthungrigen Untoten der heutigen Popkultur zu tun und so dreht sich I Walked with a Zombie auch um jene Voodoo-Rituale, bei denen u.a. auch jene schwarze Magie angewendet wird, wenngleich primär die Familiengeschichte der Hollands im Mittelpunkt steht, die während der kurzen Laufzeit von nicht einmal 70 Minuten Stück für Stück ans Tageslicht gelangt und auch stellenweise Parallelen zu Charlotte Brontes Jane Eyre aufweist. Letzteres ist aber gleichzeitig auch hinderlich, wünscht man sich doch stellenweise weniger verzweifelte Liebesgeschichte, sondern mehr Suspense und Grusel, denn dann trumpfen Tourneur und Lewton auf, haben sie doch eine wahrlich schaurige Atmosphäre erschaffen und wenn Betsy und Jessica nächtens durch das Zuckerrohrfeld laufen, um den geheimen Ort des Voodoo-Rituals aufzusuchen, dann kann man die Nackenhaare einzeln zählen. Das Spiel mit Licht und Schatten, dem clever eingesetzten Produktionsdesign in Kombination mit der sich langsam entwickelnden Story und die von Anfang an düstere, feindselige Atmosphäre machen die großen Momente des Films aus. Untermalt wird das Ganze dann auch noch durch die bedrohlich wirkenden Voodoo-Trommeln, die über weite Strecken die musikalische Begleitung bilden. Horror/Grusel kann so schön sein und Tourneur/Lewton liefern hier einen wunderbaren Beweis ab. 8,5/10

The Film Noir Classic Collection Volume 5 - Im Juli

2010-04-05T19:03:00.002+02:00

Das Warten hat endlich ein Ende. Drei Jahre nach ihrem letzten Film Noir-Set hat Warner nun die Nr. 5 ihrer erfolgreichen Film Noir-Reihe angekündigt und zwar für den 13. Juli 2010!

Acht Filme auf 4 DVDs wird das Set enthalten, alles DVD-Premieren, die von Fans sehnlich erwartet werden. Einziger Wermutstropfen, auf Bonusmaterial wird diesmal wohl aus Kostengründen nahezu komplett verzichtet:

Cornered (1945):

From England to continental Europe to Buenos Aires, ex-RCAF pilot Dick Powell stalks the Nazi collaborator who murdered his bride. But one fact constantly surfaces during his quest: no one can describe the mysterious man. Joining Powell in the film shadows are the director and other key talent behind Murder, My Sweet of the year before.

Special Features:
Cornered trailer.

Runtime: 102 minutes
Rating: NR
Film Specs: B&W 4x3 1.37 standard aspect ratio
Language: English Mono
Subtitles: English

Desperate (1947):

Desperate is the first of seven atmospheric noirs directed by Anthony Mann. Steve Brodie is a postwar every man who accepts what he thinks is an honest trucking job, only to find he’s the driver in a botched heist that puts Brodie and his bride (Audrey Long) on the run from the cops and the cons who planned the job (including chief thug Raymond Burr).

Runtime: 73 minutes
Rating: NR
Film Specs: B&W 4x3 1.37 standard aspect ratio
Language: English Mono
Subtitles: English

The Phenix City Story (1955):

Corruption, brutality and vice plagued Phenix City, Alabama, for 100 years, so who would dare to change it? Based on real-life events and filmed on location in what was called Sin City USA, director Phil Karlson’s semi-documentary tells the jolting tale of those who risked their lives to bring the burg’s syndicate of thugs and murderers to justice.

RT: 100 minutes
Rating: NR
Film Specs: B&W 16x9 Widescreen 1.77
Language: English Mono
Subtitles: English

Dial 1119 (1950):

An asylum inmate escapes to the city, where he takes hostages at a local dive, guns down a bar employee and warns authorities his captives will be next if the doctor whose testimony first put him away doesn’t arrive within the hour. A bit of casting irony goes with the movie’s then-novel use of TV news coverage: actors Marshall Thompson, William Conrad, Keefe Brasselle and Leon Ames would have significant career ventures in television.

Special Features:

Includes Dial 1119 theatrical trailer.

RT: 75 minutes
Rating: NR
Film Specs: B&W 4x3 1.37 standard aspect ratio
Language: English Mono
Subtitles: English

Armored Car Robbery (1950):

Richard Fleischer directs this brute-force milestone about a deadly heist and the battle of wits and firepower between a fugitive gangster (William Talman) and his stripper moll (Adele Jergens) and a bulldog cop (Charles McGraw), out to avenge his partner’s death, who uses hidden microphones, lab work and his own well-honed instincts to close the net.

RT: 68 minutes
Rating: NR
Film Specs: B&W 4x3 1.37 standard aspect ratio
Language: English Mono
Subtitles: English

Crime in the Streets (1956):

Following a turf rumble with a rival group, a street gang leader (John Cassavetes) tells his gang to do what they’ve never done before: kill a snitch. Reginald Rose wrote and Don Siegel directs a jazz-riffing screen version of a tale first seen on TV and co-starring James Whitmore and Sal Mineo.

RT: 91 minutes
Rating: NR
Film Specs: B&W 16x9 Widescreen 1.77
Language: English Mono
Subtitles: English

Deadline At Dawn (1946):

A gangster’s sister lies dead. All clues point to sailor Bill Williams as the murderer. Slated to depart for duty at dawn, the swabbie, aided by good-hearted dime-a-dancer Susan Hayward and affable cabbie Paul Lukas, has mere hours to prove his innocence. The tangy Clifford Odets script is based on a novel by William Irish (pseudonym of Cornell Woolrich).

RT: 83 minutes
Rating: NR
Film Specs: B&W 4x3 1.37 standard aspect ratio
Language: English Mono
Subtitles: English

Backfire (1950):

Vincent Sherman directs this gripping yarn about recovering war veteran Gordon MacRae’s quest to prove pal Edmond O’Brien innocent of murder. Aiding him is his resourceful nurse Virginia Mayo. And a secretive doctor, a lively undertaker, a desperate gambler, a dying witness and a haunting Viennese melody all lead them to a shocking climax.

RT: 91 minutes
Rating: NR
Film Specs: B&W 4x3 1.37 standard aspect ratio
Language: English Mono
Subtitles: English

Das Boxdesign stammt von Classicflix.com

Podcast - Nr. 12 ist online

2010-04-04T22:53:00.001+02:00

Omahabitch und meine Wenigkeit haben am Oster-Wochenende die 12. Ausgabe des Filmabend.info Podcasts aufgenommen und besprechen Green Zone, Brooklyn's Finest und die Trailer zu Predators, The Expendables und Scott Pilgrim vs. the World.

Wer Lust hat, findet den Cast hier:
http://www.filmabend.info/filmabend-info-die-zwolfte-green-zone-brooklyns-finest/

DiCaprio - zwei Filmprojekte mit Eastwood und Stone im Gespräch

2010-04-02T21:22:00.000+02:00

In den vergangenen Tagen gab es diverse Newsmeldungen und zwei fand ich dabei besonders erwähnenswert. Bei beiden steht auch Leonardo DiCaprio im Mittelpunkt, der, wie ich vielleicht schon einmal hier erwähnt habe, aktuell zu meinen männlichen Favoriten in Hollywood gehört.

Die Projekte sind auch insofern interessant, als dass zwei Regiealtmeister mit ihnen in Verbindung gebracht werden bzw. DiCaprio mit den jeweiligen Projekten.

So ist er einmal als FBI-Chef J. Edgar Hoover im Gespräch, über dessen Leben ein Biopic in der Arbeit, welches von keinem anderen als Clint Eastwood verfilmt werden soll. Das Drehbuch stammt von Dustin Lance Black, der jüngst das Skript zu Milk verfasste und dafür auch den Academy Award erhielt.

Ursprünglich war Ron Howard als Regisseur im Gespräch doch Universal drückte auf die Bremse und der Film wechselte zu Warner Bros. und Eastwood. Interessant dürfte sein, wie die Figur des J. Edgar Hoover angelegt wird, ist er doch eine kontroverse Persönlichkeit gewesen, die die Macht der Organisation FBI gerne für private Hexenjagden und Ähnliches missbrauchte. Eine geniale Beschreibung findet sich in James Ellroys Underworld USA-Trilogie, falls jemand also noch Lesestoff über die Feiertage braucht.

Die Produktion soll übrigens noch im Laufe des Jahres aufgenommen werden. Mehr zum Thema bei /film.

Weiter im Text und weiter mit DiCaprio. Seit letztem September gab es das Gerücht, dass DiCaprio an einer Verfilmung des ersten Travis McGee-Romans The Deep Blue Goodbye von John D. MacDonald interessiert sei und gerne den Hauptdarsteller übernehmen würde.

Nun scheint ein Regisseur gefunden zu sein und im Gespräch ist Oliver Stone. Darüber hinaus scheint man bei Fox durchaus Interesse daran zu haben, nicht nur einen Film zu drehen, sondern eine ganze Filmreihe, gibt es doch u.a. 21 Travis McGee-Kriminalromane.

Ins Deutsche scheinen es die Romane jedoch nie geschafft zu haben. Nichtsdestotrotz dürfte das Projekt für alle Fans von Detektivgeschichten mehr als nur interessant sein. Auch hier stammt das Wesentliche von /film.

Rocco - Ich leg dich um

2010-04-01T00:52:00.000+02:00

Giuseppe Vari ist nun wahrlich kein überaus begnadeter Regisseur gewesen und so darf man Rocco - Ich leg dich um wohl durchaus als seinen besten Film bezeichnen - sein bester Western ist dies ohne Frage. Von der Story erinnert der Film an verwandte Genrebeiträge wie z.B. den großartigen Der Tod ritt dienstags von Tonino Valerii handelt doch auch Rocco von einem Vater-Sohn-ähnlichem Gespann bestehend, aus dem Mexikaner Ramón (George Eastman) und dem Profikiller Rocco (Dragomir 'Gidra' Bojanic). Ramón und sein Vater sind kleine Farmer, die vom Großgrundbesitzer Barrett schikaniert werden, da dieser an dem Land der Siedler interessiert ist. Als sich Einige zur Wehr setzen, müssen sie dies teuer bezahlen und so wird u.a. Ramóns Vater, der mit dem Aufstand nichts zu tun hatte, getötet und Ramón schwört daraufhin Rache. Bei einer Schießerei zwischen Ramón und einigen von Barretts Männern trifft er auf den Killer Rocco, der im Auftrag von Barrett einen seiner Mitarbeiter umgelegt hat, da dieser unbequem wurde. Ramón, unerfahren im Umgang mit Waffen, wird bei der Schießerei verletzt und von Rocco gepflegt. Die beiden Männer freunden sich an und Rocco gibt sein Wissen weiter, während er weiterhin auf Barretts Gehaltsliste steht.

Man muss dann auch kein Filmwissenschaftler sein, um den ungefähren Storyverlauf erahnen zu können und darauf kommt es dann auch gar nicht an. Interessant sind hier wirklich einmal die Charaktere und ihre Beziehung untereinander. So wird hier ein deutliches Bild von Ramón und Rocco gezeichnet, wodurch ihr Verhalten nachvollziehbar und ihre Situation verständlich dargestellt. Man kann in manchen Szenen und Dialogen sogar einen philosophischen Einschlag erkennen und so wirkt die Geschichte auch nicht so austauschbar wie in vielen anderen Genrebeiträgen. Dazu bemüht sich Vari auch, auf der technischen Seite mit einigen Spielereien wie "aufwändigeren" Kamerafahrten und Blenden als Übergang das niedrige Budget zu kaschieren, was aber nicht immer gelingt. Stellenweise wirkt der Film zu abgehackt, sind Szenenübergänge nicht ganz glücklich gelungen aber damit kann man leben. Positiv erwähnenswert sind auch die Schauspieler, speziell George Eastman, der sich sichtlich Mühe gibt, um die Rolle des Ramóns mit Leben zu füllen, während Dragomir 'Gidra' Bojanic routiniert und ohne viele Schnörkel seine Rolle interpretiert. Bei der musikalischen Untermalung gibt es ja selten grobe Aussetzer bei den Spaghettiwestern und so ist auch Roberto Pregadios keine Ausnahme, auch wenn er sich anhand der Melodie von anderen Genrebeiträgen unterscheidet - in positiver Hinsicht. Freunde des zünftigen italienischen Westerns sollten sich Rocco - Ich leg dich um sicherlich auf die Fahnen schreiben, bekommen sie doch einen tollen B-Western serviert, der prima unterhalten kann: 07/10.

The Expendables - Richtiger Trailer online

2010-03-31T20:39:00.000+02:00

Nachdem bisher nur ein recht dürftig zusammengeschnittener erster Trailer zu The Expendables im Internet rumschwirrte, ist nun wohl der offizielle Trailer veröffentlicht worden, der ein paar mehr Einblicke ermöglicht. Actionfans dürften evtl. ein wenig euphorischer beim Anblick dieser bewegten Bilder sein, ich für meinen Teil gebe ihm ein solide.

Knight and Day - Feature Trailer

2010-03-30T15:13:00.001+02:00

Man mag von Tom Cruise halten, was man will aber irgendwie habe ich den Trailer zu seinem nächsten Film Knight and Day gefressen. Darüber hinaus gefallen mir die Filme von James Mangold - mit ein paar kleinen Ausnahmen - gut:

Scott Pilgrim vs. The World - Trailer

2010-03-25T20:57:00.000+01:00

Anbei nun der Trailer zu Edgar Wrights (Hot Fuzz, Shaun of the Dead) nächstem Kinofilm Scott Pilgrim vs. The World, der wie ein Beat'em Up ausschaut und ebenfalls auf einer Comicserie basiert. Haut mich jetzt noch nicht wirklich aus den Socken aber allein Edgar Wright als Regisseur reicht aus, um den Gang ins Kino anzutreten:

Noah Baumbach verfilmt "The Emperor's Children"

2010-03-24T16:19:00.001+01:00

Noah Baumbach, dessen aktueller Film Greenberg auf der diesjährigen Berlinale gezeigt wurde, wird, so berichtet /film, Claire Messuds "The Emperor's Children" (Des Kaisers Kinder) verfilmen. Zuvor war Ron Howard als Regisseur gesetzt, doch dieser gab das Projekt anscheinend an Baumbach, der auch das Drehbuch verfasst hat, zurück und wird nun nur noch als Produzent fungieren.

Teile des Casts sollen übrigens auch schon feststehen und so sind Keira Knightley, Eric Bana und Richard Gere an Bord. Gemäß der Kurzbeschreibung von Amazon.de scheint es sich dabei um einen für Baumbach typischen Stoff zu handeln:

Sie sind privilegiert und zerstören sich dennoch beinahe selbst ...

Große Ziele hatten sich die drei Freunde aus wohlsituierten Verhältnissen für ihr Leben gesetzt. Jetzt, im Jahr 2001, sind sie um die dreißig, leben in New York und müssen feststellen, dass sie ihren Erwartungen nicht gerecht geworden sind. Marina ist ohne festen Job, ihre Freundin Danielle hat zwar eine feste Stelle, weiß aber nichts mit ihr anzufangen, und Julius versucht, seinen aufwändigen Lebensstil mit dem Schreiben von Literaturkritiken zu finanzieren. Eines Tages taucht Marinas Cousin Bootie auf, ein Studienabbrecher, und begeht eine Tat, die die drei Freunde dazu bringt, ihr Leben zu ändern.

Gleichzeitig gibt es das Gerücht, dass Baumbach Brett Ratner bei seinem Heistprojekt Tower Heist hilft und zusammen mit ihm das Drehbuch umschreibt.

Die Gefürchteten Vier

2010-03-21T21:22:00.003+01:00

Die "Men on a Mission"-Geschichten waren in den 60er Jahren ein beliebtes Thema, angestoßen durch den großen Erfolg von The Magnificent Seven, stolperte man in vielen weiteren Western, Action- und Kriegsfilmen auf jenes Grundgerüst. So auch in Richard Brooks The Professionals, der 1966 in die Kinos kam und, wie es für jene Art Film üblich war, ein namhaftes Staraufgebot aufweisen kann: Burt Lancaster - einer der größten Stars seiner Zeit -, Lee Marvin, Robert Ryan - bekannt aus unzähligen Western - und die bezaubernde Claudia Cardinale drücken sich hier die Klinke in die Hand und natürlich darf man auch nicht Jack Palance vergessen, der hier mit fetzigem Oberlippenbart einen mexikanischen Revolutionsführer verkörpert.

Alles beginnt damit, dass die Frau - Maria (Claudia Cardinale) - des Eisenbahnmagnaten J.W. Grant von dem mexikanischen Revolutionär Raza (Jack Palance) entführt wird und dieser nun ein saftiges Lösegeld verlangt. Grant will aber nicht zahlen und engagiert daher einen kleinen Trupp Spezialisten, die Maria befreien und über die Grenze bringen sollen. Anführer ist der Waffenexperte Rico Fardan (Lee Marvin), der von dem Sprengstoffexperten Bill (Burt Lancaster), dem Spruenleser Jake Sharp (Woody Strode) und dem Wrangler Hans Ehrengard (Robert Ryan) unterstützt wird. Gemeinsam reitet man südwärts nach Mexiko und nimmt die Verfolgung Razas auf, der für Fardan und Bill kein Unbekannter ist, kämpften sie vor Jahren Seite an Seite während der Revolution, doch jetzt sind sie Gegner. In Mexiko angekommen bleibt der kleine Trupp nicht lange unerkannt und man muss sich aus verschiedenen brenzligen Situationen befreien, bis man schließlich Razas Lager aufgespürt hat, doch natürlich kommt dann Alles anders als man geplant hat.

Auch wenn Die Gefürchteten Vier nicht ganz abstreiten können, dass Die Glorreichen Sieben als Vorreiter herhalten mussten, erinnert doch Maurice Jarres Score durchaus an die Musik von Bernstein und ist auch die Grundkonstellation stellenweise vergleichbar - Team von Profis geht über die Grenze - so geht Brooks dann aber eigene Wege, die schon eher zur Entromantisierung des US-Westerns beitragen, indem auch hier wieder Moral und Motivation der Protagonisten in den Vordergrund gestellt werden. Das Alles ist verpackt in einen überaus unterhaltsamen Genrevertreter, der nicht nur mit viel Dynamik und Actionszenen punkten kann, sondern vor allem von seinen unterschiedlichen Charakteren lebt, deren Miteinander so manch markigen Oneliner hinterlässt. Das Skript an sich ist nicht übel geraten, kann aber zum Ende nicht ganz überraschen/überzeugen, ist die Storyvariation doch allzu gut bekannt aber Letzteres stört im Grunde nicht wirklich, stimmt das Gesamtpaket doch und es macht einfach Spaß, das Treiben zu beobachten bzw. sich an der Schönheit Claudia Cardinales zu erfreuen und die knapp zwei Stunden vergehen wie im Flug. Selbst Filmfreunde, die mit US-Western nicht so viel am Hut haben, dürfen hier einen Blick riskieren: 08/10.

Wieder im Lande

2010-03-19T13:00:00.000+01:00

Der Urlaub ist vorbei, Ägypten ist mich los und ich bin wieder im Lande. Die Blog-Aktivität wird zu diesem Wochenende wieder aufgenommen und bis dahin gehabt euch wohl.

Gruß

Bin im Urlaub (04.03. - 18.03.)

2010-03-01T22:06:00.000+01:00

Die letzten Tage und Wochen war es hier recht still, was auch daran lag, dass ich trotz einer Ankündigung, es würde sich bessern, nicht die große Lust entwickelt habe, den Blog täglich zu pflegen, wenngleich ich nicht die Absicht habe, den Betrieb komplett einzustellen.

Ganz im Gegenteil, werde ich mir doch während meines Urlaubs ein paar Gedanken zu neuen Features machen und hoffe, nach den zwei Wochen gestärkt und mit alter Blog-Frequenz durchstarten zu können. Bis dahin gehabt Euch wohl und man liest sich dann Mitte März wieder.

So long
Frankie

Gangster in Key Largo

2010-03-01T22:01:00.000+01:00

Wann ist der richtige Zeitpunkt für Heldenmut und wann ist es Weise, sich ruhig zu verhalten? Fragen, die in John Hustons Klassiker Key Largo eine entscheidende Rolle spielen. Der Film, der 1948 in die amerikanischen Kinos kam, ist gleichzeitig auch das letzte gemeinsame Projekt der inzwischen verheirateten Schauspieler Humphrey Bogart und Lauren Bacall, die in insgesamt vier Warner-Produktionen Seite an Seite spielten und so zu einem der berühmtesten Paare Hollywoods wurden - privat wie geschäftlich. Regie führte der unvergleichbare John Huston, der erneut unter Beweis stellte, dass es "eigentlich" recht wenig bedarf, um einen guten Film zu machen: die passende Story und kompetente Schauspieler, spielt Key Largo an sich eigentlich nur an einem Set und hat so durchaus Züge eines Kammerspiels.

Inhaltlich handelt die Geschichte von Frank McCloud (Humphrey Bogart), einem Veteranen des Zweiten Weltkriegs, der sich zu den Florida Keys aufmacht, um die Familie seines gefallenen Kameraden zu besuchen. Diese findet er auf der Insel Key Largo, wo der Vater seines verstorbenen Waffenbruders James Temple (Lionel Barrymore) und dessen Schwiegertochter Nora (Lauren Bacall) ein kleines Strandhotel bewirtschaften. Doch schon bei der Ankunft scheint etwas nicht zu stimmen, wird das Hotel doch von zwielichtigen Personen bevölkert, die alles andere als gastfreundlich reagieren. Doch Frank wird immerhin von James freundlich aufgenommen und eingeladen, eine Nacht im Hotel zu verbringen, um ihm mehr von seinem Sohn und den Umständen seines Todes zu erzählen. Die Situation spitzt sich zu, als nicht nur die Polizei mehrmals das Hotel aufsucht - man ist hinter zwei geflohenen Kleingaunern her, sondern auch durch die Tatsache, dass sich ein Hurrikan vor der Küste zusammenbraut. Diese Umstände führen dann auch dazu, dass sich die myteriösen Hotelgäste zu erkennen geben: es ist der Gangster Johnny Rocco (Edward G. Robinson) mit seinen Männern, der diesen abgelegenen Ort aufgesucht hat, um einen Deal über die Bühne gehen zu lassen. Kurzerhand nimmt man alle Unbeteiligten als Geisel doch der Sturm und Machtspiele gehen bei beiden Seiten an die Substanz und gewalttätige Zwischenfälle scheinen unausweichlich.

Schon die ersten Minuten des Films geben einen Anhaltspunkt, wohin die Reise noch gehen wird. Selbst als die Situation noch ungefährlich zu sein scheint, macht sich ein Unbehagen bei den Zuschauern breit, provoziert durch eine latent bedrohliche Atmosphäre: Die Luft ist schwül und die Hotelgäste alles andere als vertrauenserweckend. Ein Vorgeschmack auf das, was Huston noch loslassen wird, wenn sich Bogart und Robinson erst einmal gegenüberstehen, denn dann ist die Spannung bis in die Haarspitzen spürbar und jede falsche Bewegung könnte die letzt sein und schon aus der Ferne hört man das Heulen des Sturms, während es an der Zeit ist zu entscheiden, ob man ein toter Held oder lebender Feigling sein möchte, steht doch das Verhalten der Einzelnen, speziell Frank McClouds, im Mittelpunkt. Ein Aspekt im Film, der die Zugehörigkeit Key Largos zum Film Noir, wo die innere Gebrochenheit der Protagonisten einen Hauptaspekt darstellt, unterstreicht. Angesichts jener Eckpunkte ist es auch kein Wunder, dass den Schauspielern hier ein verstärktes Augenmerk gilt und speziell Edward G. Robinson unterstreicht erneut, warum er zu den Besten seines Fachs gehörte und dafür zu Lebzeiten nie wirklich ausgezeichnet wurde. Wie dem auch sei, Key Largo ist ein Muss für jeden Klassikfreund und Thrillerliebhaber: 09/10.

Kick-Ass - Feature Red Band Trailer

2010-02-22T22:14:00.000+01:00

Ich komme hier zwar Tage zu spät aber nichtsdestotrotz muss ich den Trailer einfach mal posten, weil er einfach verdammt viel Spaß macht und der Film ist damit auf meiner Must-See-Liste noch ein paar Plätze höher geklettert:

Back in Action - mit DVD-News

2010-02-18T21:16:00.000+01:00

Keine Panik, das Bloggen habe ich nicht aufgegeben aber ein akuter Anfall von Klausuren, Olympia und Unlust haben zu dieser Pause geführt.

Nichtsdestotrotz bin ich back in action und kann auch ein paar schöne DVD-News für Klassikerfans präsentieren.

So wird man es nicht glauben aber Warner Bros. veröffentlicht das erste Klassik-Set des Jahres im Juni. Die TCM Spotlight: Charlie Chan Collection wird vier Monogram-Chans enthalten und ab dem 08.06.2010 in den Läden stehen:

Dark Alibi (1946)
Dangerous Money (1946)
The Trap (1946)
The Chinsese Ring (1947)

Noch gibt es leider keine Angaben, ob und welches Bonusmaterial an Bord sein wird.

Tolle News gibt es auch aus dem Hause Paramount. Man hat die Tore zum Archiv geöffnet und das nicht in Form eines DVD-R-Programms, sondern via Lizensierung und so hat man einen Deal mit einem kleineren US-Indie-Label abgeschlossen - Olive Films, welches die folgenden 27 Titel ab diesem Sommer veröffentlichen wird. Dabei sollen die Filme alle OAR und restauriert sein:

Ansikte mot ansikte (Face to Face) (1976)
Once Is Not Enough (1975)
Fear Is the Key (1972)
Such Good Friends (1971)
Hannie Caulder (1971)
WUSA (1970)
Tropic of Cancer (1970)
Riot (1969)
Skidoo (1968)
Hurry Sundown (1967)
Promise Her Anything (1965)
Sands of the Kalahari (1965)
Harlow (1965)
Crack in the World (1965)
Where Love Has Gone (1964)
Escape from Zahrain (1962)
Summer and Smoke (1961)
On the Double (1961)
The Savage Innocents (1960)
The Mountain (1956)
Knock on Wood (1954)
Off Limits (1953)
My Favorite Spy (1951)
Appointment with Danger (1951)
Dark City (1950)
Union Station (1950)
Rope of Sand (1949)

Universal Backlot Series - Barbara Stanwyck im April

2010-02-06T23:52:00.001+01:00

Wirklich dran geglaubt habe ich ja nicht mehr, nachdem Universal jetzt auch Made on Demand-DVD-Rs via Amazon.com vertreibt aber es scheint, als würden sie zukünftig zweigleisig fahren und weiterhin am Konzept der Backlot Series festhalten.

So erscheint am 27. April im Rahmen der Backlot Series eine The Barbara Stanwyck Collection, die sechs Filme der Schauspielikone enthalten wird:

Internes Can't Take Money (1937)
The Great Man's Lady (1942)
The Bride Wore Boots (1946)
The Lady Gambles (1949)
All I Desire (1953)
There's Always Tomorrow (1956)

Leider gibt es zur Zeit noch keine weiteren Infos zur Ausstattung, also ob eventuell Bonusmaterial mit an Bord sein wird. Auch ein Cover ist bisher noch nicht aufgetaucht. Diese Infos werden nachgereicht, sobald sie verfügbar sind.

US Boxoffice (29.01. - 31.01.)

2010-02-06T02:58:00.000+01:00

Same shit, different weekend. Seit sieben Wochen sieht das Bild in den USA so aus. Auch an diesem Wochenende haben es zwei Filme versucht an die Spitze zu kommen und sind kläglich gescheitert und die Aussichten sind jetzt auch nicht so rosig, dass sich das demnächst ändern dürfte, wenngleich ein wenig Abwechslung nicht schaden würde. Insofern fallen die Einleitungsworte auch entsprechend kürzer aus.

Auf dem zehnten Platz findet sich It's Complicated wieder, der noch einmal auf $ 3,80 Mio. kommt und sich so nach sechs Wochen auf einem Polster von $ 104,11 Mio. ausruhen kann. Die internationalen Zahlen dazugezählt, kommt man auf ganz passable $ 170 Mio.

Vorbei ist jetzt auch die Zeit für Alvin and the Chipmunks: The Squeakquel, der sich den Abschied mit $ 4,0 Mio. versüßt und damit $ 209,29 Mio. in den USA eingespielt hat und damit wohl knapp die $ 217 Mio. des Erstlings noch erreichen wird. Inklusive des weltweiten Einspiels summiert sich das Ganze auf $ 400 Mio.

Auch Englands bekanntester Detektiv ist kurz davor, aus den Top 10 zu purzeln. Für Sherlock Holmes gab es $ 4,52 Mio. und die Gewissheit, dass man mit $ 197,60 Mio. das Soll erfüllt hat. Auch hier liegt man bei $ 400 Mio., wenn die restlichen Zahlen dazuaddiert werden.

So ein Knaller ist Peter Jacksons The Lovely Bones bei weitem nicht. Dank der $ 4,73 Mio. kommt er gerade einmal auf $ 38,01 Mio. und das sind für den Herrn der Ringe wahrlich Peanuts. Vielleicht mit dem nächsten Projekt Mr. Jackson.

Sonys Legion (2010) hat nach einem ordentlichen Start in der letzten Woche mit 59% am stärksten innerhalb der Top 10 verloren und muss sich nun mit $ 7,18 Mio. begnügen. Nach zwei Spielwochen sind $ 29,02 Mio. auf dem Konto und am Ende wird man wohl bei $ 40-45 Mio. auslaufen.

Etwas besser verkauft sich The Book of Eli, der mit $ 8,91 Mio. am letzten Wochenende zugeschlagen hat. Damit ist er auch der Gewinner des Januars und führt mit $ 74,51 Mio. die Liste der 2010er Filme an. Die $ 100 Mio. wird er aber nicht mehr knacken und wohl knapp an den $ 90 Mio. kratzen.

Foxs Tooth Fairy hat den Platz gehalten und mit $ 10 Mio. den schlechten Start der Woche etwas abgefedert. Somit sind nun $ 26,10 Mio. auf dem Konto aber so viel mehr wird er nun auch nicht mehr machen.

Der erste Neustarter When in Rome hat es immerhin auf den dritten Platz geschafft und das mit $ 12,35 Mio. Damit liegt die RomCom aber auch eher im hinteren Drittel ihres Genres und die Konkurrenz schläft nicht.

Mel Gibsons Schauspielrückkehr in Edge of Darkness war auch kein großer Publikumsmagnet und so sind die $ 17,21 Mio. auch keine Visitenkarte und da der Film stolze $ 80 Mio. gekostet haben soll, wird es noch eine ganze Weile dauern, bis hier schwarze Zahlen geschrieben werden.

Probleme, die Avatar nicht mehr hat. Noch immer für $ 31,28 Mio. hat er in dieser Woche auch den Boot-Rekord für das US-Einspiel genommen, inkl. der $ 2 Mrd.-Marke weltweit und alles ist schlumpfig blau.

Neustarter gibt es erneut zwei für das Superbowl-Wochenende. Schwer wird es der Actioner From Paris with Love haben, ist er doch auf das männliche Publikum angewiesen. Eventuell verirrt man sich ja vor dem Spiel in eines der 2722 Kinos der USA. Auf die Frauen hat es Dear John abgesehen, eine Nicholas Sparks-Verfilmung mit ordentlich Tränenpotential: 2969 Kopien sind es hier.

Neuer Podcast - Die 10. Ausgabe

2010-02-06T01:02:00.001+01:00

Das neue Jahr bringt auch gleich die 10. Ausgabe des beliebten filmabend.info Podcasts, in dem Omahabitch und meine Wenigkeit mal wieder über Neues aus der Welt der Filme philosophieren.

Wer Interesse hat, kann den Cast hier finden: http://www.filmabend.info/filmabend-info-die-zehnte-oscars-2010-sherlock-holmes-surrogates-a-serious-man/

Terrence Malick - Auf einmal so arbeitswütig! Neues Projekt!

2010-02-04T00:30:00.001+01:00

Scheinbar wurde Malick von der Arbeitsmücke gestochen, denn wie Nikki Finke berichtet, hat er ein neues Projekt in Arbeit und nicht nur das, auch der Cast soll schon stehen: Christian Bale, Javier Bardem, Rachel McAdams und Olga Kurylenko.
Zur Story ist, wie üblich bei Malick, noch nichts bekannt aber es soll sich um eine "yet untitled love story" handeln. Die internationalen Vertriebsrechte sollen übrigens schon auf dem diesjährigen European Film Market angeboten werden.

Dieses Jahr dürfte übrigens auch Malicks aktueller Film, The Tree of Life, in die Kinos kommen.

Lohn der Angst

2010-01-31T02:17:00.002+01:00

Das menschliche Verhalten in Extremsituationen wurde schon oft in Filmen thematisiert aber nur wenige haben auch nur annähernd die Klasse eines Lohn der Angst, der 1953 in die europäischen Kinos kam und bis heute wohl das bekannteste Werk des französischen Regisseurs Henri-Georges Clouzot ist. Der selbst unter widrigen Bedingungen gedrehte Film vereint dabei Elemente des Film Noir und des europäischen Kinos der Nachkriegszeit, ist Charakterstudie und Abenteuerthriller zugleich und ebnete sicherlich den Weg für das Actionkino, so wie wir es heute kennen.

Der Film spielt dabei in der südamerikanischen Einöde, in einem kleinen Dorf mitten im Nirgendwo, welches von diversen gescheiterten Existenzen bevölkert wird, deren eine Hoffnung sie alle verbindet: endlich den Absprung aus diesem Nest zu schaffen. Darunter befinden sich auch Mario (Yves Montand), den man schon ein wenig als Sunnyboy titulieren kann, der Deutsche Bimba (Peter van Eyck) und der Italiener (Folco Lulli). Wenig später strandet auch noch der ältere Jo (Charles Vanel) in dem Ort. Früher einmal eine große Nummer, lebt er noch immer von seinem Namen. Die Vier sind es auch, die kurz darauf einen Job bei hiesigen Ölfirma annehmen, der ihnen endlich Reichtum und ein Ticket nach Hause verspricht. Die Sache hat nur einen Haken: Sie müssen als Himmelfahrtskommando zwei LKW-Ladungen Nitroglyzerin zu einem 300km entfernten Bohrfeld schaffen, damit dort ein Brand gelöscht werden kann. Schon nach wenigen Metern macht sich die Angst bei den ersten Besatzungsmitgliedern breit und es liegen noch hunderte Kilometer vor ihnen...

Um die einzelnen Charaktere besser zu verstehen, sich mit ihnen identifizieren zu können, nimmt sich Regisseur Clouzot fast eine Stunde Zeit, um sie vorzustellen und der Zuschauer bekommt ein detailliertes Bild ihrer aktuellen Lebenssituation, bevor jenes Porträt schon wenig später demontiert wird, wenn sie dem Druck der Anspannung und der Angst ausgesetzt sind, der während des Transports omnipräsent ist. Man merkt schnell, welches Verhalten bisher nur Fassade war, doch all diese Rekationen der Charaktäre wären nicht nachvollziehbar, wenn jenes Angstgefühl, welches sie umgibt, nicht auch zum Zuschauer transportiert werden würde und hier zeigt sich Clouzots genialer Inszenierungssinn, wenn die LKWs über buckelige Pisten rumpeln, an tiefen Abgründen vorbeirollen und man nie weiß, was sich hinter den nächsten Kurve verbergen wird. So leidet man als Zuschauer förmlich mit und so muss Film auch sein. Eine tour de force par excellence. 9,5/10

US Boxoffice (22.01. - 24.01.)

2010-01-30T16:23:00.000+01:00

Aus Zeit- und Unmotivationsgründen gibt es nur ein Bild der Ergebnisse. Wird endlich Zeit, dass "Neues aus Schlumpfhausen" die Spitzenposition räumt aber da muss man wohl noch bis Mitte Februar warten:

Walking Tall - The Payback

2010-01-30T01:49:00.001+01:00

Anno 2004 hat man den 70s-Klassiker Der Große aus dem Dunkeln neu verfilmt und so entstand Walking Tall - Auf eigene Faust mit Dwayne "The Rock" Johnson in der Hauptrolle. Auch wenn der Film kein großer Kassenknüller war, schien er doch genug Potential für zwei DTV-Fortsetzungen gehabt zu haben, von denen Walking Tall - The Payback die erste ist. Kreativerweise hat man hier auch gleich die Story des Vorgängers recyclet und anstatt Dwayne Johnsons spielt hier Kevin "Herkules" Sorbo die Rolle des aufrechten Ex-Militärs, der in sein Heimatdorf zurückkehrt, um den Bad Guys zu zeigen, wo der Maurer das Loch in der Wand gelassen hat. Grund für die Rückkehr ist der Mord an seinem Vater, der in dem Örtchen Sheriff war, und ein paar fiesen Gaunern auf der Spur war, die die Bürger terrorisierten, um das Land günstig aufzukaufen. Da kann es auch schon einmal passieren, dass ganze Tankstellen in die Luft fliegen. Natürlich sind die Bürger verunsichert, die Beweise nicht ausreichend, und so machen sich Nick (Kevin Sorbo) und der Deputy seines Dads selbst auf, für Recht und Ordnung zu sorgen. Natürlich sind die bösen Buben not amused und gibt es zu Beginn noch zünftige Barschlägereien, bekriegt man sich später mit Schießeisen. Wie gesagt, wer die Story des Vorgängers kennt, wird vom zweiten Teil wenig überrascht, gibt es ein paar marginale Änderungen der Hauptgeschichte. Immerhin blieb man zum Dreh in den USA und hat daraus keinen Osteuropaklopper gemacht, wobei es sicherlich interessant gewesen wäre, Texas in Rumänien nachzudrehen. Da die Story abgeschrieben werden muss, müssen andere Punkte glänzen und das passiert nur sehr selten. Kevin Sorbo ist und bleibt einfach ein recht langweiliger Klotz, der kaum Ausstrahlung besitzt und das Problem haben hier alle Schauspieler, sodass einem das Schicksal der Akteure bisweilen recht egal ist. Erst zum Ende hin nimmt der Film an Drive auf aber dann ist es schon fast zu spät. Solide ist hingegen die Action, die ganz gut getimed wurde, Fans aber auch nicht aus den Latschen kippen lässt. Wahrlich gibt es schlimmere DTV-Produktionen und der geneigte Genrefreund wird mit diesem Filmchen auch seinen Spaß haben aber nüchtern betrachtet, haben wir es doch mit einem Schnarcher zu tun: 3,5/10.

Wall Street: Money Never Sleeps - Teaser

2010-01-29T13:31:00.002+01:00

Verrät jetzt noch nicht so viel:

Mel Gibson und Shane Black = neuer Film

2010-01-28T18:25:00.000+01:00

Shane Black, Autor der Lethal Weapon-Serie und Regisseur von Kiss Kiss Bang Bang, hat einen neuen Film in Arbeit: Cold Warrior. Die Story dreht sich dabei um einen Spionageveteranen des Kalten Kriegs, der aus seinem Ruhestand zurückgeholt wird, um mit einem jüngeren Kollegen russische Terroristen zu bekämpfen.
Im Gespräch für die Hauptrolle ist dabei Mel Gibson, der nun wieder Fuß zu fassen scheint als Schauspieler - sein aktueller Film Edge of Darkness startet an diesem Wochenende in den USA.

Bezüglich seines Filmbuddys wurden noch keine Namen genannt. Das Drehbuch zum Film stammt übrigens nicht von Shane Black, der hier wohl nur das Zepter der Regie übernehmen wird. Auf /film kann man die Meldung nachlesen. Mal sehen, was die nächsten Wochen zum Film noch so geschrieben wird in den Gazetten.

100.000 Dollar in der Sonne

2010-01-25T23:18:00.000+01:00

Auch wenn Henri Verneuil vielleicht nicht den Ruf eines Godards oder Truffauts hat, war er für das französische Kino gleichermaßen von entscheidender Rolle. So drehte er in den 60er-80er Jahren diverse erstklassige Krimis und Thriller, die noch heute viele Fans haben. 100.000 Dollar in der Sonne entstand in dieser Schaffensphase und kann mit zwei französischen Schauspielgrößen in den Hauptrollen aufwarten: Lino Ventura und Jean-Paul Belmondo. Sie spielen die beiden LKW-Fahrer Rocco (Belmondo) und Marec (Ventura), die in der Spedition von Castigliano (Gert Fröbe) angestellt sind und Waren durch Nordafrika befördern. Im Grunde sind die Zwei dicke Kumpels, doch dann wird ihre Freundschaft auf eine harte Probe gestellt, als Rocco den neuen LKW der Spedition klaut, der eigentlich für den mysteriösen Neuling Steiner (Reginald Kernan) gedacht war. Marec bekommt daraufhin von Castigliano ein Angebot gemacht, das er nicht zurückweisen kann und nimmt die Verfolgung seines Freundes auf und sammelt auf dem Weg auch den inzwischen gekündigten Steiner ein. Es beginnt eine Jagd durch die afrikanische Wüstenlandschaft mit 20 Tonnen im Rücken. Natürlich lässt sich Rocco auch nicht so leicht zur Aufgabe überreden, soll die gestohlene Fracht doch $ 100.000 Wert sein und er muss es zusammen mit seiner Freundin und dem LKW ja nur über die Grenze schaffen. Auch wenn der Film anhand der Story wenig herzugeben scheint, so hat Verneuil durch die exzellente Inszenierung das Optimum aus dem Stoff geholt. Es beginnt ja schon beim exotischen Setting und, trotz der Tatsache, dass der Film in Schwarzweiß gedreht wurde, den daraus resultierenden spektakulären Landschaftsbildern. Darüber hinaus sind die Actionszenen bzw. die Verfolgungsjagdsequenz nahezu perfekt in Szene gesetzt und man vergisst schnell, dass wir es hier mit einem Film zu tun haben, der auf die 50 Jahre zugeht. Des Weiteren hat man es geschafft, interessante Charaktere zu schreiben und so fiebert man speziell mit Lino Venturas Marec mit, während Belmondo mit seinem arrogant-schlitzohrigen Spiel natürlich seine Paraderolle ausfüllt. Auch wird Humor bewiesen und so gibt es einen Running Gag im Film, nämlich immer dann, wenn der gute Marec eine Panne hat, wenngleich man sich dann fragen kann, warum sie eigentlich so durch die Wüstenlandschaft gejagt sind aber das ist ja nicht so wichtig. Negativ schlägt eigentlich nur die Laufzeit zu Buche, denn die ist mit guten zwei Stunden dann doch etwas zu lang geraten, wodurch der Film eben auch Passagen hat, in denen die Spannungskurve abfällt und dann kämpft man doch mit der dünnen Geschichte. Sei's drum. 100.000 Dollar in der Sonne macht trotzdem Laune und besticht mit den o.g. Attributen: 07/10.

US Boxoffice (15.01. - 17./18.01)

2010-01-23T00:41:00.000+01:00

Schnarchatar. Während James Camerons blaues Schlumpfepos weiterhin nicht von der Spitzenposition zu vertreiben ist, haben die Amerikaner das erste 4-Day Weekend des Jahres hinter sich gebracht und sind fleissig in die Kinos gegangen. Wie es sich gehört, ist natürlich der MLK-Rekord gebrochen worden und während die ganze Welt weiterhin nur von Pandora redet, sind doch auch noch zwei andere Filme an den Start gegangen, die dann aber doch sehr unterschiedlich abgeschnitten haben. Wie üblich basiert die Top 10 auf den 3-Day-Werten von Freitag bis Sonntag und das 4-Day-Ergebnis steht in Klammern.

Jason Reitmans Up in the Air konnte sich knapp in den Charts halten und kassierte eine weitere Gutschrift in Form von $ 5,45 Mio. ($ 6,53 Mio.). Der aktuelle Meilenstatus beläuft sich daher auf $ 63,90 Mio., was bei geschätzten Kosten von $ 25 Mio. wahrlich nicht so übel ist.

Für Sandra Bullocks The Blind Side läuft es auch weiterhin nach Plan. So gab es nicht nur einen (Mitleids) Golden Globe für die Schauspielerin, sondern auch neuerliche $ 5,56 Mio. ($ 6,79 Mio.), wodurch man auf beachtliche $ 228,18 Mio. kommt.

Leap Year, letztwöchtiger Neustarter, muss sich indes mit $ 5,93 Mio. ($ 7,07 Mio.) begnügen und kann so nach zwei Wochenenden $ 18,77 Mio. vorweisen. Durch die späteren Auswertungskanäle wird der Film wohl erst richtig Gewinn verbuchen können.

Weiterhin passabel läuft es auch für It's Complicated, der für neuerliche $ 8,11 Mio. ($ 9,62 Mio.) gut war und so nach vier Wochen $ 90,17 Mio. vorweisen kann. Damit wird der Film den Sprung über die $ 100 Mio. Marke wohl ganz knapp schaffen.

Dem ersten Neustarter begegnet man auf Platz 6 und man kann sich durchaus fragen, warum sich Jackie Chan für Filme wie The Spy Next Door hergibt. Die Kinogänger hatten wohl ähnliche Gedanken und so kam der Film auf lächerliche $ 9,73 Mio. ($ 12,88 Mio.). Bei dem Trailer wahrlich kein Wunder.

Auch der wohl bekannteste Ermittler der Welt muss Federn lassen und so kommt Sherlock Holmes nur noch auf $ 9,89 Mio. ($ 12,03 Mio.), hat aber nach vier Wochen in den US-Kinos schon $ 182,23 Mio. umsetzen können. In Deutschland startet der Film übrigens kommende Woche.

Wahrlich nicht kleinzukriegen ist Alvin and the Chipmunks: The Squeakquel, sodass erneut $ 11,62 Mio. ($ 15,31 Mio.) auf das Konto fließen, welches mit $ 196,41 Mio. prall gefüllt ist. Die Kinder mögen den Quatsch leider. Wird Zeit, dass sie Geschmack entwickeln.

Landesweit in die Kinos kam übrigens auch Peter Jacksons The Lovely Bones, der sich mit $ 17,01 Mio. ($ 19,91 Mio.) gleich auf den dritten Platz vorkämpfen konnte. Durch das vorherige Limited Release sind dann $ 20,38 Mio auf dem Konto der $ 65 Mio. Produktion.

Der erste semi-Blockbuster des Jahres ist The Book of Eli und der Film hat sich auch erstaunlich gut verkauft. So kommt der Denzel Washington Endzeitactioner auf $ 32,79 Mio. ($ 38,44 Mio.), was für einen Film seiner Art zu diesem Zeitpunkt des Jahres im Soll liegt. Wir könnten es hier mit dem ersten 2010er Film zu tun haben, der den Sprung über die $ 100 Mio. Marke schaffen könnte.

In einer eigenen Welt spielt natürlich Avatar, der $ 42,79 Mio. ($ 54,40 Mio.) einfährt, damit in den USA allein auf $ 504,87 Mio. kommt und seinen Angriff auf die Rekordbücher weiter fortsetzt. Weltweit sind $ 1.690 Mio. eingefahren und das olle Boot wird er auch bald versenken.

Die Neustarter für dieses Wochenende werden es also wahrscheinlich auch nicht schaffen, die Spitzenposition zu erobern. Nichtsdestotrotz nehmen drei neue Filme den Kampf auf. So zum Beispiel der Horror-Thriller Legion aus dem Hause Sony/Screen Gems, der mit 2476 Filmrollen aber nicht zur Offensive blasen kann. Auch das Harrison Ford-Drama Extraordinary Measures, welches aufgrund der Thematik und der 2549 Kopien einen schweren Stand haben wird, wird in den Kinos zu sehen sein. Und auch Dwayne "The Rock" Johnson beglückt die Kinogänger in The Tooth Fairy, der in 3344 Kinos laufen wird und daher von den drei Neulingen der Favorit ist.

Sechs Hammer-Filme im April von Sony

2010-01-21T23:49:00.001+01:00

Sony Pictures Home Entertainment wird im April sechs weitere Hammer-Filme aus ihrem Archiv auf DVD veröffentlichen. Diese werden als Teil der "Icons of"-Reihe erscheinen. Der genaue Veröffentlichungstermin ist der 06. April.
Dann wird das 3-Disc Set, Icons of Suspense: Hammer Films, bestehend aus:

These Are The Damned (aka The Damned, 1963)
Cash on Demand (1961)
The Snorkel (1958)
Stop Me Before I Kill! (aka The Full Treatment, 1960)
Maniac (1963)
Never Take Candy from a Stranger (aka Never Take Sweets from a Stranger, 1960)

in die US-Läden gebracht.

Bis zum 26.01.2010 kann über das Cover auf der Columbia Classics-Website abgestimmt werden: http://www.sonypictures.com/homevideo/columbiaclassics/

True Grit wird noch 2010 in die Kinos gebracht

2010-01-20T20:05:00.000+01:00

Wie /film und Variety berichten, wird die Coen'sche True Grit-Adaption mit Jeff Bridges als U.S. Marshal Rooster Cogburn noch 2010, an Weihnachten, in den USA in die Kinos gebracht. So hat es jedenfalls Paramount geplant, um natürlich auch noch für die Awardsaison gewappnet zu sein.

Neu für mich ist übrigens, dass Matt Damon für den Film gecastet wurde und die Rolle des Lawmans spielen wird, der Cogburn unterstützt.

True Grit ist jedenfalls für mich schon jetzt eines meiner Highlights für 2010, bzw. in Deutschland dann wohl erst 2011.

MacGruber - Trailer

2010-01-19T20:33:00.002+01:00

Geboren als Gag bei Saturday Night Live, macht MacGruber nun die Kinoleinwand unsicher.

Die glorreichen Sieben

2010-01-17T23:36:00.000+01:00

Spricht man von John Sturges' Die glorreichen Sieben, so hat man als erstes meist die unverkennbare Titelmusik von Elmer Bernstein im Ohr und selbst wenn man den Film gar nicht kennt, ist einem die Melodie sicher schon einmal über den Weg gelaufen und sei es nur deshalb, weil sie später von Marlboro für Werbekampagnen benutzt wurde. Man sollte sich aber auch gleichzeitig klar darüber sein, dass man es hier auch mit einem der letzten, großen amerikanischen Western zu tun hat, der Nachfolgern aus dem Bereich New Hollywood und Italo-Western den Weg ebnete, seinen Ursprung aber im fernen Osten hat. Genauer gesagt ist es Akira Kurosawas Die sieben Samurai, der hier als Vorlage dient.

Wie auch in Kurosawas Original wird hier ein kleines Dorf regelmäßig von Banditen heimgesucht, die die Vorräte der Bauern klauen. Anführer dieser Gruppe ist Calvera (Eli Wallach), der genauso durchtrieben wie charmant ist. Um sich zur Wehr zu setzen, werden drei Dorfbewohner losgeschickt, um nördlich der Grenze - also bei den Yankees - Gewehre zu kaufen. Hier treffen sie auch auf die beiden Revolverhelden Chris (Yul Brynner) und Vin (Steve McQueen), die gerade mit ein paar störrischen Stadtbewohnern ein Hühnchen zu rupfen haben. Nach einem Gespräch mit Chris beschließen die Drei, dass es klüger wäre, anstatt von Gewehren Männer zu bezahlen und sie beauftragen Chris, einen Trupp zusammenzustellen. Sieben werden es am Ende sein: Chris, Vin, der irische Mexikaner O'Reilly (Charles Bronson), der schweigsame Britt (James Coburn), Lee (Robert Vaughn), Harry (Brad Dexter) und der junge Wilde Chico (Horst Buchholtz). Zusammen kehren sie ins mexikanische Dorf zurück, um sich gegen die Banditen zu stellen und erfahren dabei viel mehr über sich, als sie es geträumt hätten.

Während der frühere Western davon geprägt war, dass sich ein Protagonist seinem Schicksal gestellt hat und getan hat, was ein Mann eben tun muss, hält mit Die glorreichen Sieben nun die Gruppe als Held Einzug in das amerikanische Kino und findet genreübergreifend großen Anklang. Speziell das Zusammentreffen der unterschiedlichen Charaktere macht den Reiz aus, erzählt doch jeder einzelne von ihnen - so sollte es im Idealfall sein - auch eine kleine Geschichte über sich selbst. Hier ist es so und man trifft die aus späteren Filmen bekannte Mixtur aus erfahrenen Revolverhelden, speziell Yul Brynners Charakter und wilden Jünglingen, kongenial verkörpert durch Horst Buchholtz in seiner Rolle als Chico, aus schweigsamen Gunslingern, besonders James Coburn, dem Steve McQueens Vin gegenübersteht, der immer einen markigen Oneliner auf den Lippen hat. Aber auch die Stimmung hat sich im Vergleich zu den vielen Frühwerken des Genres geändert. Die Zeit für Revolverhelden ist vorbei, die Leute werden sesshaft und so ist es auch nicht die Barmherzigkeit, die die Sieben dazu führt, den Bauern zu helfen, sondern die Alternativlosigkeit. Abgebrannt und ohne wirkliche Bestimmung kann sich niemand vorstellen, ein bürgerliches Leben zu führen und so nimmt man auch diesen Job an, selbst wenn er nur $ 20 einbringen wird. Einzig Chico ist noch nicht ganz verloren, was ihm in einer Schlüsselszene auch nahegelegt wird, wenn die Kehrseite des "Heldendaseins" zur Sprache kommt. Sicherlich wird der Film dadurch nicht zu einer großen psychologischen Studie, stehen doch diverse gut choreographierte Actionszenen im Vordergrund, bekommt aber Tiefgang und zeigt ein anderes Bild jener Cowboys, welches von nachfolgenden Filmemachern aufgegriffen wird. Sturges ist jedenfalls nicht nur eine wunderbare Kurosawa-Adaption gelungen, die dem japanischen Meisterregisseur selbst äußerst gut gefallen hat, sondern auch ein wunderbarer Western, der seinen Platz in der Filmgeschichte gefunden hat: 8,5/10.

Rush Hour 3

2010-01-17T19:38:00.000+01:00

Schon die beiden Vorgänger funktionierten aufgrund eines recht simplen aber auch fragilen Konzepts - man stecke einfach zwei völlig unterschiedliche Charaktere zusammen und baue daraus eine Buddy-Actionkomödie - über weite Strecken nur leidlich, spielten aber genug Geld ein, um auch noch einen dritten Film hervorzubringen. In Rush Hour 3 werden Chris Tucker und Jackie Chan mal wieder von Triaden oder triadenähnlichen Gangstern in ein waghalsiges Abenteuer gezogen und machen zur Abwechslung nun Europa, genauer gesagt Paris, unsicher. Die Story ist dabei nebensächlich, weil über weite Strecken langweilig, dreht sich aber um eine geheime Triadenliste, die schon den chineischen Konsul beinahe ins Grab gebracht hat und führt die beiden Ermittler nach Paris - wie Chris Tuckers Charakter, der scheinbar zum Verkehrspolizisten degradiert wurde, dann doch irgendwie mit dem Fall zu tun bekommt und nach Paris reisen darf, bleibt genauso ungeklärt wie manch anderes Mysterium im Film. In Paris blödelt man sich jedenfalls bis zu der der obskuren Triadenliste und einer mysteriösen Tänzerin und dann weiter zu den bösen Buben und haut sie in einem vergleichsweise schwachen Finale zu Brei. Blödeln ist dann auch das richtige Verb um viele Szenen im Film zu beschreiben, denn Chris Tuckers maßloses Overacting kann wohl nur noch Teenager beeindrucken, zumal der Anteil der typischen Jackie Chan-Actionszenen abgenommen hat, bzw. diese einfach unspektakulär inszeniert wurden. Witzig, wobei eigentlich auch nicht wirklich, ist immerhin der Gastauftritt Roman Polanskis, der hier einen französischen Kommissar spielt aber auch nur zwei Szenen im ganzen Film hat. Öde an der Geschichte selbst ist auch noch, dass sie einfach zu vorhersehbar ist und sich bekannten Twists bemüht, wodurch der Überrasschungseffekt gegen Null tendiert. Die Luft ist spürbar raus aus der Serie und sollte es zu einem vierten Teil kommen, dann bitte unter anderen Vorzeichen und vor allem mit einem anderen Regisseur. 4,5/10

US Boxoffice (08.01. - 10.01.)

2010-01-15T23:40:00.000+01:00

Das neue Jahr begann so, wie das alte aufgehört hat und auch aufgrund akuter Avatar-Unlust habe ich dann nicht mehr wirklich das Geschehen schriftlich verfolgt. Dies möge man mir nachsehen und im Grunde war auch das letzte Wochenende in den USA verdammt langweilig, bliebt an der Spitze doch wirklich alles beim Alten. Zwar gab es die ersten drei Neustarter des Jahres aber wirklich überzeugen konnte keiner von ihnen.

Der zehnte Platz wird von The Princess and the Frog belegt, der zumindest auf dem US-Markt hinter den Erwartungen blieb und sich mit neuerlichen $ 4,65 Mio. aus den Top 10 verabschiedet. Damit kommt der Film nach sieben Wochen in den Charts auf $ 92,55 Mio. und kann sich damit nicht gegen computeranimierte Genrekollegen durchsetzen.

Der erste Neustarter des Jahres ist Youth in Revolt, der mit $ 6,89 Mio. aber wahrlich keine Bäume ausgerissen hat und auch keine mehr ausreißen wird. Am Ende dürfte man zufrieden sein, wenn um die $ 15 Mio. zusammengekommen sind.

Paramounts Up in the Air verkauft sich indes gut und kann eventuell von der anstehenden Golden Globe-Verleihung profitieren. Am letzten Wochenende flossen jedenfalls $ 7,16 Mio. auf das Konto, welches mit $ 54,80 Mio. für einen Film seiner Art gut gefüllt ist.

Dass The Blind Side inzwischen der erfolgreichste Film mit einer weiblichen Hauptdarstellerin ist, davon hat man bei der Produktion sicherlich nicht geträumt. Wirklich nachvollziehbar ist der immense Erfolg nicht aber noch immer ist der Film für $ 7,53 Mio. gut und hat nach acht Wochen die stolze Summer von $ 218,98 Mio. umgesetzt.

Der nächste Neustarter hat es immerhin auf den sechsten Platz geschafft. Zahlenmäßig war das Abschneiden von Leap Year aber auch nicht so prall, denn mit $ 9,20 Mio. lag man für das Genre auch deutlich unter dem Schnitt. Mit $ 19 Mio. war der Film immerhin nicht so teuer.

Der fünfte Platz wird von It's Complicated besetzt, der neuerliche $ 11,01 Mio. für sich verbuchen konnte. Damit kommt die mit Altstars besetzte RomCom auf $ 76,37 Mio. Da sich die Kosten aber auch auf geschätzte $ 85 Mio. beruhen sollen, muss der Film also noch ein bisschen Atem beweisen.

Der dritte und letzte Neustarter hat es immerhin auf den vierten Platz geschafft. Lionsgates Vampirhorror Daybreakers kam sogar auf $ 15,15 Mio. Das ist zwar noch immer kein Grund zum Jubeln aber da man auch hier mit $ 20 Mio. relativ kostengünstig gearbeitet hat, wird der Film am Ende sicherlich schwarze Zahlen für das Studio einbringen.

Auf den ersten drei Plätzen indes das gewohnte Bild. Alvin and the Chipmunks: The Squeakquel schafft es auf weitere $ 16,57 Mio. und das trotz totaler Überflüssigkeit. Zwischenzeitlich sind $ 178,45 Mio. auf dem Konto und die Menschheit wird bestimmt nicht vor einem dritten Film verschont bleiben.

Guy Ritchie hat Sherlock Holmes den Flair des Coolen eingehaucht und die Kasse klingelt. So fließen $ 16,59 Mio. in den Geldbeutel von Warner und natürlich ist auch hier schon das Sequel angekündigt. Angesichts eines Einspiels von $ 165,15 Mio. auch kein Wunder.

Naja und über Avatar muss man eh nicht mehr viel verlieren. Wie schon bei dem Eisbergschiff ist der Hype kaum auszustehen und die Massen rennen weiter ins Kino. Mit $ 50,31 Mio. am vierten Wochenende ist man weiterhin dabei, Rekorde zu knacken und hat zwischenzeitlich $ 430,85 Mio. auf dem Konto.

Dieses Wochenende ist Martin Luther King-Day, also ein 4-Day Weekend und zwei Filme starten komplett neu, während ein ehemaliger Limited-Release den landesweiten Run bekommt. Die Rede ist hier von Peter Jacksons The Lovely Bones, der laut Kritikermeinung kein wirklich großer Wurf ist, aber trotzdem in 2563 Kinos zu sehen sein wird. Bei Lionsgate versucht man es mit einer der vielen unzähligen Jackie Chan-Actionkomödien. The Spy Next Door hat 2924 Kopien an Bord. Der erste größere "Blockbuster" ist Warners The Book of Eli mit Denzel Washington, der in 3111 Lichtspielhäusern zu sehen sein wird.

Boardwalk Empire - Teaser

2010-01-14T23:05:00.002+01:00

Normalerweise habe ich mit TV-Serien eher weniger am Hut aber wenn Martin Scorsese mit an Bord ist, muss ich einfach hellhörig werden. Dieser hat für HBO den Pilotfilm zur Serie Boardwalk Empire gedreht. Die Serie selbst wird sich dabei um Steve Buscemis Charakter des Nucky Johnson drehen. Hier einmal die kurze Zusammenfassung von /film:

The whole thing takes place in Atlantic City during Prohibition, and primarily hinges on Steve Buscemi’s character Nucky Johnson. He’s based on a real power figure who reigned over Atlantic City for three decades.

Period-Series, Gangster, Steve Buscemi, Martin Scorsese, HBO, wenn das keine geniale Kombination ist, dann weiß ich auch nicht. Jedenfalls ist inzwischen der erste Teaser von HBO aufgetaucht und er macht auf jeden Fall viel Lust auf mehr:

DVD/Blu-ray-News von Warner im Mai

2010-01-13T23:12:00.000+01:00

Warner Bros, einst Vorzeigelabel in Bezug auf Klassik-Veröffentlichungen in den USA, hat nun den ersten Katalogtitel auf DVD für das Jahr 2010 angekündigt. Bis zum Mai muss man warten, um mal wieder eine altmodische gepresste DVD in den Händen halten zu können. Gleichzeitig wurde ein großer Klassiker als Blu-ray angekündigt, der ebenfalls ab Mai in den US-Läden stehen wird.

So erscheint am 04. Mai 2010 eine 45th Anniversary Edition von David Leans Doctor Zhivago auf DVD und Blu-ray, die folgendermaßen ausgestattet sein wird:

New Special Features:

Doctor Zhivago: A Celebration Part 1 & 2 (all-new production)

Additional Special Features:

Commentary by Omar Sharif, Rod Steiger and Lady Sandra Lean (wife of David Lean) Part 1 & 2
Introduction by Omar Sharif
Doctor Zhivago: The Making of a Russian Epic
11 Vintage Featurettes
- Zhivago: Behind the Camera with David Lean
- David Lean's Film of Doctor Zhivago
- Moscow in Madrid
- Pasternak
- New York Press Interviews Omar Sharif
- New York Press Interviews Julie Christie
- Geraldine Chaplin Screen Test
- This is Omar Sharif
- This is Julie Christie
- This is Geraldine Chaplin
- Chaplin in New York
Trailer
Blu-ray Exclusive: 8-Song CD Soundtrack Sampler of the Oscar®-winning score

Am selben Tag wird Warner auch Mervyn LeRoys No Time for Sergeants mit Andy Griffith zum ersten Mal auf DVD veröffentlichen. Aktuell gibt es jedoch noch keine genaueren Infos zur Ausstattung der Disc. Hoffentlich wird etwas Bonusmaterial an Bord sein.

Das Cover stammt von classicflix.com .

Die toten Augen von London

2010-01-12T23:26:00.000+01:00

Im Schutze der Dunkelheit schleicht so manch zwielichtige Gestalt durch die Gassen einer Großstadt. Doch nur im schönen London kommt noch eine durch die Straßen wabernde Nebelwand hinzu. Fertig ist das Setting für eine weitere der in den 60er/70er Jahren ungemein populären Wallace-Adaptionen. Für Angst und Schrecken sorgen dabei Die toten Augen von London, eine Verbrecherbande, die sich dabei der Dienste von Blinden bedient. Sie hat es scheinbar wahllos auf ältere, reichere Herren abgesehen, die nachts auf den Straßen abgefasst werden und ihr nasses Ende in der Themse finden. Scheinbar wahllos fallen dieser Bande so mehrere Menschem zum Opfer und immer deutet alles auf eine natürliche Ursache hin: im Nebel verirrt, ins Wasser gestürzt und ertrunken. Einzig Inspektor Holt (Black Fuchsberger) und sein Assistent Sergeant Sunny Harves (Eddi Arent) glauben nicht an Unfälle und führwahr gibt es bei allen Fällen eine Gemeinsamkeit. Jedes Opfer war Kunde bei einer Versicherung und natürlich beginnen sie auch dort mit den Ermittlungen und werden in einen Fall voller Wendungen verstrickt. Wallacetypisch wird hier mit roten Heringen und Wendungen um sich geworfen, sodass bis zum Ende nie ganz klar ist, wer hinter den Taten steckt, wenngleich man dies erahnen kann. Während spätere Wallace-Adaptionen oftmals durch eine etwas krude Mixtur von Suspense und Komik aufgefallen sind, besticht Die toten Augen von London vor allem durch seine dichte Atmosphäre, die dem Film den passenden Flair beschert. Auch der Fall an sich ist spannend und solide inszeniert, sodass das Unterhaltungsniveau stets hochgehalten wird. Natürlich trifft man auf der Schauspielseite wieder auf viele bekannte Gesichter und auch der unberechenbare Klaus Kinski darf in einer Nebenrolle seinem Naturell nachkommen. Aufgrund dieser Tatsachen ist der Film auch für Wallace-Novizen geeignet, bekommen diese doch ein ausgewogenes Gesamtpaket spendiert, welches alle Reize dieser Serie beinhaltet: 07/10.

The African Queen - Endlich auf DVD/Blu-ray in den USA

2010-01-11T20:24:00.000+01:00

Schon seit Jahren warten amerikanische Filmfreunde auf eine Veröffentlichtung des John Huston-Klassikers The African Queen, der es bis zum jetzigen Zeitpunkt nie auf DVD geschafft hat. In der jüngeren Vergangenheit gab es jedoch immer wieder Hinweise darauf, dass man bei Paramount an einer Veröffentlichung arbeiten würde und nun hat das Brodeln der Gerüchteküche ein Ende gefunden, denn der Film wurde auf DVD/Blu-ray endlich für den 23. März 2010 angekündigt.

Nachfolgende die Pressemitteilung:

FULLY RESTORED TO ITS ORIGINAL GLORY,
DIRECTOR JOHN HUSTON’S MONUMENTAL CLASSIC DEBUTS ON DVD AND BLU-RAY FOR THE FIRST TIME EVER

THE AFRICAN QUEEN
The Final Film from AFI’s 100 Greatest Movies to Arrive on DVD Makes its
Long-Awaited Premiere March 23, 2010
Including Nearly an Hour of All-New Bonus Material
HOLLYWOOD, Calif. (January 11, 2010) – Filled with adventure, drama, humor and romance, the epic and enduring cinematic classic THE AFRICAN QUEEN will finally make its way home when it debuts on DVD and Blu-ray for the first time ever on March 23, 2010 from Paramount Home Entertainment. Meticulously restored using state-of-the-art 4K digital technology, THE AFRICAN QUEEN will now be available for a new generation to appreciate and for long-time fans to see again, as if for the first time. Legendary director John Huston’s treasured romantic adventure stars the incomparable Humphrey Bogart as hard-drinking boat captain Charlie Allnut—a role that won him his only Academy Award® (Best Actor, 1951)—and renowned actress Katharine Hepburn as missionary Rose Sayer in a tale of two disparate people thrown together by fate and drawn together by love.

A six-year journey filled with challenges nearly as difficult as those faced by Rose and Charlie, the restoration process began at the source: Romulus Films—one of the film’s original production companies—provided access to the original three-strip negative at a London facility where the film was carefully scanned and digitized. The separate elements were then transferred to Los Angeles and painstakingly recombined and inspected frame by frame to ensure that every detail aligned and that any dirt and scratches were removed.

To ensure that the restored picture matched the filmmakers’ original vision, Paramount arranged a screening of an MPAA archive print for the film’s original cinematographer, Academy Award® winner Jack Cardiff*, whose comments were recorded live during the screening. That same archival print was later screened alongside the newly restored version so that the restoration team could ensure that all of Cardiff’s notes had been addressed. The result is a vibrant, warm picture that reverentially recreates the film as it was originally meant to be seen.

THE AFRICAN QUEEN will be available as a single disc DVD or Blu-ray and also in Commemorative, Limited Edition DVD or Blu-ray box sets. Both the DVD and Blu-ray feature a new documentary entitled “Embracing Chaos: Making The African Queen”, which includes new interviews with contemporary film experts such as Martin Scorsese and incorporates home movies, archival images and more. The Commemorative box set includes either the DVD or Blu-ray detailed above, plus an audio disc with a recording of the Lux Radio Theater broadcast of The African Queen, a reproduction of Katharine Hepburn’s out-of-print memoirThe Making of The African Queen or How I Went to Africa with Bogart, Bacall and Huston and Almost Lost My Mind, a Senitype® film frame collectible reproduction and postcards featuring reproductions of images related to the film.

THE AFRICAN QUEEN DVD & Blu-ray
THE AFRICAN QUEEN DVD is presented in full screen format with English, French and Spanish Mono and English, French and Spanish subtitles. The Blu-ray is presented in 1080p High Definition with English, French and Spanish Mono and English, English SDH, French, Spanish and Portuguese subtitles.  Special features are as follows:
Embracing Chaos: Making The African Queen—This comprehensive documentary takes a look back at the production with commentary about the cast, the challenges of the filming locations and how the spectacular cinematography impacted the industry overall. Includes on-camera interviews with notable Hollywood icons, critics and crew members from the film including Martin Scorsese, Tony Huston, Richard Schickel and more, plus never-before-seen archival images and home movie footage provided by the estate of cinematographer Jack Cardiff.

The Commemorative, Limited-Edition DVD and Blu-ray box sets include the above along with:
An audio disc with a recording of the Lux Radio Theater presents The African Queen radio broadcast
A Senitype® film frame collectible reproduction
Collectible postcards featuring reproductions of images related to the film
A reproduction of Katharine Hepburn’s out-of-print memoir The Making of The African Queen or How I Went to Africa with Bogart, Bacall and Huston and Almost Lost My Mind

About Paramount Home Entertainment
Paramount Home Entertainment (PHE) is part of Paramount Pictures Corporation (PPC), a global producer and distributor of filmed entertainment. PPC is a unit of Viacom (NYSE: VIA, VIA.B), a leading content company with prominent and respected film, television and digital entertainment brands. PHE is responsible for the sales, marketing and distribution of home entertainment products on behalf of various parties including: Paramount Pictures, Paramount Vantage, Paramount Classics, Paramount Famous Productions, Nickelodeon, MTV, Comedy Central, CBS and PBS and for providing home entertainment fulfillment services for DreamWorks Animation Home Entertainment.

THE AFRICAN QUEEN
Street Date: March 23, 2010
Pricing: $19.99 U.S. (DVD)
               $26.99 U.S. (Blu-ray)
               $34.99 U.S. (DVD Box Set)
               $43.99 U.S. (Blu-ray Box Set)
U.S. Rating: Not Rated
Canadian Rating: G
Runtime: 105 minutes

Kick-Ass - Kinotrailer ist da

2010-01-09T14:55:00.001+01:00

Hat sich definitiv zu einem meiner Must-Sees für das neue Jahr gemausert:

Classic TV-Watch (09.01. - 15.01.)

2010-01-09T01:00:00.000+01:00

Samstag, 09.01.2010

Der letzte Bandit (1941) (14.30 Uhr; RBB)
Unbekannterer Robert Taylor-Western - interessant für Fans, weil nur in Spanien auf DVD erhältlich
Zwischen zwei Feuern (1955) (16.35 Uhr; MDR)
André de Toth inszeniert einen Western mit Kirk Douglas, Walter Matthau und Lon Chaney Jr.
La Strada - Das Lied der Straße (1954) (23.30 Uhr; RBB)
Meisterwerk des unvergesslichen Federico Fellini - ein MUSS für jeden Filmfreund
Himmelfahrtskommando El Alamein (1968) (00.00 Uhr; MDR)
dt./ital. Kriegsfilm mit vielen bekannten Gesichtern - leider stark geschnitten
Charro! (1969) (00.55 Uhr; ARD)
Zum Geburtstag des Kings ist er natürlich wieder im TV zu sehen - für Fans
Der Gehetzte der Sierra Madre (1966) (01.30 Uhr; MDR)
Grandioser Italo-Western von Sergio Sollima mit Van Cleef und Milian
Herr des Wilden Westens (1939) (02.35 Uhr; ARD)
Errol Flynn und Olivia de Havillan in einem Genreklassiker von Michael Curtiz
Dakota (1957) (03.40 Uhr; Kabel 1)
B-Western mit Joel McCrea; für Genrefans interessant - keine mir bekannte DVD erhältlich

Sonntag, 10.01.2010

Harte Fäuste, heiße Liebe (1961) (13.40 Uhr; BR)
Elvis Presley als Boxkämpfer und Herzensbrecher - für Fans
Die weiße Spinne (1963) (20.15 Uhr; Das Vierte)
dt. Kriminalfilm im Stile der Wallace-Adaptionen; ebenfalls mit Fuchsberger und Karin Dor - keine DVD
Der Haftbefehl (1968) (00.45 Uhr; MDR)
Solider Thriller mit Rod Taylor und Christopher Plummer
Die große Schuld (1957) (01.35 Uhr; ARD)
Scheidungsdrama mit Bing Crosby - keine mir bekannte DVD erhältlich

Montag, 11.01.2010

Der große Diktator (1940) (14.45 Uhr; Arte)
Charlie Chaplins politischster/kontroversester Film, der in keiner Sammlung fehlen sollte
Was der Himmel erlaubt (1955) (20.15 Uhr; Arte)
Douglas Sirk inszeniert Rock Hudson und Jane Wyman in einem unvergesslichen Melodram
Piraten im Karibischen Meer (1942) (03.10 Uhr; RTL 2)
Der Duke vs. Piraten - solider Film von Cecille B. DeMille

Dienstag, 12.01.2010

Was der Himmel erlaubt (1955) (14.45 Uhr; Arte)
s.o.
Totem (1968) (22.30 Uhr; WDR)
Glenn Ford-Western von Warner, der wohl nur in Frankreich auf DVD veröffentlicht wurde
A Hard Day's Night (1964) (00.00 Uhr; SWR)
Beatles-Musikfilm, nicht nur für Fans der Pilzköpfe interessant
Sie ritten mit Jesse James (1949) (00.00 Uhr; WDR)
Relativ unbekannter C-Western von Warner - für Fans aufgrund der Seltenheit interessant, weltweit ohne DVD
Carmen von Trastevere (1963) (02.05 Uhr; ARD)
Seltener it./frz. Krimi mit u.a. Lino Ventura - mir keine DVD bekannt

Mittwoch, 13.01.2010

Der Fernseher bleibt aus.

Donnerstag, 14.01.2010

Moderne Zeiten (1936) (14.45 Uhr; Arte)
Chaplins Meisterstück und Satire auf den modernen Arbeitsmarkt und die Rolle des Menschen darin
Alamo (1960) (00.00 Uhr; HR)
John Wayne, wie man ihn kennt in einem epischen Genrebeitrag

Freitag, 15.01.2010

Die schwarze Narzisse (1947) (14.45 Uhr; Arte)
Powell & Pressburgers großer Klassiker mit Deborah Kerr
Atlantis, der verlorene Kontinent (1961) (03.45 Uhr; Kabel 1)
Relativ unbekannter Abenteuer/Fantasymix - für Fans evtl. interessant

Casting-News für Soderberghs "Knockout"

2010-01-08T18:16:00.001+01:00

Wie /film schon gestern berichtete, gibt es weitere Casting-News zu Steven Soderberghs Spionage-Actioner "Knockout", der die Mixed-Martial-Arts-Kämpferin Gina Carano als Hauptdarstellerin haben wird. Mit an Bord sind nun auch Michael Fassbender, der wie Christoph Waltz den Basterds-Boost erhalten hat, und Ewan McGregor, Michael Douglas und Dennis Quaid.

Auch kann man ein paar weitere Details zum Skript bei /film lesen. So soll sich der Film am Lee Marvin-Klassiker Point Blank orientieren und die Story wurde grob so zusammengefasst:

Double crossed by someone on her own team, Mallory Kane (Carano)— a black ops super soldier — seeks to uncover who has set her up to take the fall for a job that goes bad that involves a murder.

Fest steht, dass Michael Douglas dabei die Rolle eines hochrangigen Regierungsmitarbeiters spielen soll, während Ewan McGregor Chef einer Sicherheitsfirma ist, ähnlich Blackwaters im Irak. Fassbender, Quaid und ein dritter namhafter, noch nicht vorgestellter Schauspieler, verkörpern indes weitere Kommandomitglieder.

Der Mönch mit der Peitsche

2010-01-07T18:27:00.000+01:00

In den 60er und 70er Jahren strömten Millionen Kinofans in die unzähligen Edgar Wallace-Verfilmungen und gemäß dem Gesetz der Serie können bei fast 40 Filmen, die unter der Wallace-Schlagzeile gezeigt wurden, nicht nur Asse dabei sein. Um es vorwegzunehmen: Der Mönch mit der Peitsche ist keine totale Niete, ist aber auch nicht unbedingt für den Einstieg in diese Serie geeignet. Inhaltlich gesehen kann man den Film als Zwitterding zwischen Remake und Fortsetzung verstehen, gab es doch schon sechs Jahre früher einen mordenden Mönch, damals noch in Schwarzweiß. In der 67er Variation huscht er, knallig rot, im Eastmancolor über den Bildschirm aber das ist eigentlich gar nicht das größte Problemchen. Vom Mönch sieht man während des Films recht wenig, geht es doch im Grunde um eine Mordserie an Internatsschülerinnen mittels eines neuen Giftes, die, also die Serie, von Inspektor Higgins (Blacky Fuchsberger) untersucht wird. Natürlich geht es, wie in den vielen Verfilmungen, am Ende um viel mehr als nur schnöden Mord und so dreht und windet man sich auch mehrmals um die eigene Achse, bevor die Täter präsentiert werden aber der Mönch an sich spielt eine untergeordnetere Rolle. Teilweise ergeben manche Szenen rückblickend auch kaum Sinn, angesichts der Doppeltgemoppeltheit vermeintlicher Mordhandlanger aber das ist nun nicht so wild. Ärgerlich am Film ist da schon mehr, dass man stellenweise auch nicht recht wusste, ob man nun mehr Persiflage oder Parodie sein will oder echter Grusler. Während früher nur Eddi Arent mit seinen schrulligen Charakteren für Lacher sorgte, spielen sich hier Fuchsberger und Siegfried Schürenberg (als Sir John) gegenseitig die depperten Lacher zu. Am Ende ist der Mix zwar noch immer irgendwie unterhaltsam, allein die knalligen Farben der Spät-60er, das verschrobene Produktionsdesign und der "geschickte" Einsatz von Stock Footage sind einen Blick wert aber zu den wirklich guten Wallace-Verfilmungen darf unser roter Zipfelmützen-Mönch nicht gezählt werden: 05/10.

Anaconda

2010-01-06T14:27:00.002+01:00

Es ist etwas im Busch. Und dieses Etwas ist mehrere Meter lang und hat eine tödliche Umarmung. Da von Schlangen seit jeher meist ein Gefühl der Angst ausgeht und sie schon in der Bibel zu den Bad Guys gehörte, ist es also nicht verwunderlich, dass diese possierlichen Tierchen auch in einem Horrorfilm ganz groß rauskommen.In Pedro Llosas Anaconda stehen mit Jon Voight, Jennifer Lopez, Ice Cube und Owen Wilson sogar richtige Prominente auf der Speisekarte, die sich, als Expedistionsteam verkleidet, tief in den südamerikanischen Dschungel wagen, um dort einen Ureinwohnerstamm aufzuspüren. Unterwegs trifft man auf den gestrandeten Jon Voight, der anfangs noch ganz lieb zu sein scheint, dann aber immer fieser dreinschaut. Neben den Spannungen untereinander ereignen sich auch ein paar Unfälle, die zu einer Routenänderung führen, hat doch nur unser Schiffbrüchiger das DschungelNavi eingebaut. Doch nach weiteren Filmminuten stellt sich heraus: Pustekuchen. Anstatt die Verwundeten zurück in die Zivilisation zu schippern, geht's dem fiesen Voight nur darum, die fette Anaconda zu fangen, die in der Eingangssequenz schon Danny Trejo zum Selbstmord zwang. Bevor das obligatorische Happy End kommt und dreimal dürft ihr raten, wer am Ende überlebt, fallen natürlich einige Besatzungsmitglieder der Schlange als Snack zum Opfer oder gehen bei den Rangeleien auf dem Traumschiff drauf. Das Ganze ist dabei nur leidlich unterhaltsam, haut der Film einen mit seinen Genreversatzstücken doch kaum aus den Socken. Trotz der vergleichsweise kurzen Laufzeit muss der Film mit Hängern kämpfen, was auch an den Klischeecharakteren vom Reißbrett liegt und wenn dann einmal die böse Schlange in Aktion tritt, schafft man es nie, wirklich Suspense aufzubauen. Einzig Jon Voight, sieht man einmal vom äußeren Erscheinungsbild der J. Lo ab, macht Spaß, wenngleich er mit seinem Overacting ordentlich auf die Kacke haut. Auch das nötige Trashfeeling mag nicht aufkommen - ein paar Pappmascheekrokos und nackte Haut wären nicht übel gewesen - und so ist der Film nur für große Tierhorrorfans ein Fest, denn dem Rest genügt das einmalige Ansehen dieses unterdurchschnittlichen Films: 04/10.

Sam Mendes macht Bond 23?

2010-01-05T23:51:00.001+01:00

Wie firstshowing.net berichtet, hat MGM bekanntgegeben, dass man in Verhandlungen mit Sam Mendes als Regisseur für den Bondfilm Nr. 23 stehe. Obwohl MGMs Finanzlage äußerst prekär ist - eine eventuelle Insolvenz droht für 2010 - gehen die Arbeiten an einer weiteren Fortsetzung der Erfolgsserie weiter. So plant man noch immer mit einem 2011er Releasetermin. Beim Drehbuchteam ist neben den Bondveteranen Neal Purvis und Robert Wade auch Peter Morgan am Start, während Daniel Craig natürlich seine Rolle als Agent Ihrer Majestät wiederholen wird.

Nichtsdestotrotz sollte man Nachrichten bzgl. des nächsten Bondfilms mit ein wenig Vorsicht genießen, so lange die Finanzierung nicht steht. Die Wahl Mendes ist indes durchaus interessant, weil unerwartet. In dem Zusammenhang darf man sich dann durchaus fragen, welche Richtung eingeschlagen werden wird, nachdem Marc Forsters Quantum of Solace auf ein geteiltes Echo stieß. Und wir nachher sogar noch Kate Winslett im Film selbst auftauchen? Fragen über Fragen. Raum für Spekulationen bleibt damit auch im neuen Jahr reichlich, wie es mit der Bondserie weitergehen wird.